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Il Dottor Mabuse (Dr. Mabuse, der Spieler) – Fritz Lang (1922)

Nel 1921 vedeva la luce il romanzo Dr. Mabuse, der Spieler di Norbert Jacques e il successo fu immediato. Rapito dal personaggio, Fritz Lang decise di girarne un film che fu presentato nel 1922. Per non perdere quasi nulla di quanto narrato nel romanzo, Lang decise di dividere il film in due parti principali: 1. Il grande giocatore: un quadro dell’epoca (Der große Spieler. Ein Bild der Zeit); 2.INFERNO: un dramma di uomini della nostra epoca (INFERNO. Ein Spiel von Menschen unserer Zeit). Il film a conti fatti non è molto dissimile da un Fantômas di Louis Feuillade nell’intenzione, ma l’attenzione del film è posta altrove. Dove nel serial francese è tutto teso all’azione ed alle peripezie del protagonista/antagonista, qui l’azione è quasi inesistente. Le vicende si svolgono con lentezza e l’attenzione dello spettatore è spostata al personaggio stesso del Dottor Mabuse, interpretato da uno splendido Rudolf Klein-Rogge, e dai suoi diversi travestimenti che a tratti sembrano quasi non avere un’utilità reale ai fini della trama. Sono i dettagli a fare la differenza, così come la focalizzazione nei personaggi e nelle diverse situazioni, situazioni che si ripetono ma con risultati finali differenti perché i personaggi imparano da quanto loro accaduto precedentemente e non reagiscono mai allo stesso modo. Siamo insomma lontani anni luce da serial americani come The Master Mystery o Lightning Hutch. Ma andiamo finalmente alla trama generale delle due parti:

Il Dottor Mabuse (Rudolf Klein-Rogge) è un medico psicoanalista molto celebre nei quartieri alti. Ma dietro la sua professione cela un segreto. Egli è infatti un bandito senza scrupoli che spilla soldi ai ricchi giocatori d’azzardo utilizzando i suoi poteri ipnotici. Per evitare di essere riconosciuto, egli adopera travestimenti di ogni tipo, riuscendo così a rimanere al di fuori di ogni sospetto. Si avvale dell’aiuto di numerosi collaboratori: Spoerri (Robert Forster-Larrinaga), segretario e truccatore del Dottor Mabuse con il cattivo vizio della cocaina, Pesch (Georg John), la domestica Fine (Grete Berger), l’autista Georg (Hans Adalbert Schlettow) e Chérie Carozza (Aud Egede Nissen), ballerina e cantante innamorata del suo malvagio capo. Il Dottor Mabuse possiede anche un laboratorio di falsari gestito dal grasso Haawsch (Karl Huszar-Puffy) in cui lavorano solo non vedenti (ricordiamo che questo è il periodo della crisi economica). Presto il castello di carte inizia a crollare. Mabuse ruba del denaro a Edgar Hull (Paul Richter), figlio di un ricco industriale, e si rivolge al Procuratore di Stato Norbert von Welk (Bernhard Goetzke). Il Dottor Mabuse mette sulle sue tracce Chérie Carozza che viene però scoperta e imprigionata. Per vendetta Mabuse organizza un’imboscata ai danni di Edgar Hull, che viene ucciso, e del Procuratore, che riesce incredibilmente a salvarsi. Chérie Carozza si suicida per ordine dello stesso Mabuse, ormai interessato ad un’altra donna, la Contessa Dusy Told (Gertrude Welcker). Il Conte Told (Alfred Abel), è un ometto debole e facilmente impressionabile, così Mabuse riesce a fare in modo che perda ogni credito verso i suoi amici, rapendo poi la sua amata contessa e convincendolo, tramite l’ipnosi, che lei lo avesse abbandonato per vergogna. Come ultimo atto del suo diabolico piano, Mabuse spinge il conte a suicidarsi. Ma il Procuratore ha ormai capito tutto e si mette sulle tracce del Dottor Mabuse fino ad un finale rocambolesco e intenso.

La lentezza nell’evoluzione della trama è testimoniata anche dalle poche righe con cui ho raccontato le quattro ore e mezza di film. Ho visto Dr. Mabuse con Erasmo del blog La Grande Bellezza e ci siamo soffermati a lungo su questa componente ed è apparso evidente fin da subito come Fritz Lang seguisse da vicino un romanzo e non una storia originale (ovviamente la sceneggiatura vede sempre la presenza della moglie Thea von Harbou). Quattro ore e mezza di narrazione non sempre fluidissima post pranzo abbondante e con il caldo torrido non sono esattamente il massimo, eppure non ho mai venuta voglia di interrompere la visione e penso che in gran parte il merito si proprio di Lang. Ogni volta mi perdevo in qualche dettaglio, in un gioco di luci o nell’espressione di un attore. I personaggi si evolvevano caratterialmente sotto i miei occhi e ogni trasformazione del Dr. Mabuse sembrava nascondere al suo interno una nuova sfaccettatura della personalità del criminale. Abbiamo iniziato la visione con l’edizione della Sinister Video che ha una colonna sonora abominevole. Sostanzialmente è stata preparata un’ora di musica che poi è stata semplicemente ripetuta per tutto il film (con tanto di breve pausa quando finiva il “giro”). Con la seconda parte siamo fortunatamente passati alla Masters of Cinema di Erasmo e grazie alla loro solita cura nei dettagli, il film è sembrato ancora più profondo e interessante (inutile dire che vi consiglio questa seconda edizione).

Metropolis – Fritz Lang (1927)

Prima ancora di “1984” di Orwell o del meno noto “Il nuovo mondo” (Brave New World) di Aldous Huxley, Thea von Harbou, allora moglie del regista, dava vita ad una storia destinata a restare nell’immaginario collettivo. Ispirandosi ai grandi autori di fantascienza come H.G. Wells (“La guerra dei mondi” “La macchina del tempo” “l’uomo invisibile“) Verne e Villiers de l’Isle-Adam (il cui “Eva Futura” sicuramente avrà contribuito ad influenzare la sceneggiatrice) e prendendo spunto dalle ideologie comuniste e nazional socialiste, la von Harbou descrive un mondo dal messaggio ambiguo e il cui vero messaggio resta ancora ambiguo. La città di Metropolis, invece, è merito di Fritz Lang che le diede quelle fattezze quando, andato in America per la presentazione de “I Nibelunghi“, rimase estremamente colpito dalla visione notturna della città di New York. Del resto gli enormi grattacieli, seppur conditi con elementi futuristici, non possono non ricordare la celebre metropoli statunitense.

Nel 2026 la città di Metropolis, governata da John Fredersen (Alfred Abel), vive grazie allo sfruttamento intensivo degli operai costretti a vivere nel sottosuolo e a sottostare ad orari stremanti. Il figlio del dittatore, Freder (Gustav Fröhlich), vive in un giardino dell’Eden, del tutto ignaro di ciò che accade nel mondo reale. Solo l’incontro fortuito con la bella Maria (Brigitte Helm), ragazza angelica che, grazie alla religione, dona una speranza ai poveri operai, riesce a risvegliare Freder che inizia ad interessarsi alla situazione degli operai. John, pensando che nel sottosuolo stiano preparando una rivolta, chiede aiuto all’ebreo Rotwang (Rudolf Klein-Rogge), inventore delle macchine della città. Questi, scoperto il ruolo di Maria, la rapisce e da al dona al celebre androide da lui creato, le sembianze della ragazza. Volendosi vendicare del padrone della città, Rotwang insinua nel suo androide tutti i peccati capitali, accecando la popolazione della città e gli operai del sottosuolo con lo scopo di provocare una violenta rivolta. Tutto sembra degenerare ma la Von Harbou ci regala un finale a lieto fine.

La storia è costruita come un’opera ed è divisa in un prologo, un intermezzo e un furioso, indicante ovviamente la parte finale e più concitata dell’opera. Lang utilizza per la prima volta tecniche innovative per creare effetti speciali unici e che mantengono la loro forza anche adesso. Il più noto è sicuramente l’utilizzo dell’Effetto Schüfftan, il quale permetteva di creare effetti di profondità grazie all’utilizzo di specchi e fondali dipinti. Altra grande innovazione è quella dell’utilizzo del “passo uno“, tecnica estremamente difficile che consisteva fare registrazioni per singoli fotogrammi, con l’inconveniente di dover riavvolgere la pellicola ogni volta e filmarci sopra nuovamente. La maestria di Lang emerge però, ancora una volta, nella sua capacità di utilizzare le immagini dandogli un significato simbolico, nella sua meticolosità nelle riprese e nel saper cogliere ogni emozione dell’attore. Non è un caso che Metropolis sia uno dei film muti più apprezzati nell’epoca moderna, nè che siano nati esperimenti come quello di Giorgio Moroder che, nel 1984, diede al film una colonna sonora moderna utilizzando canzoni di autori vari tra cui spiccano sicuramente i Queen (il celebre video di Radio Ga Ga riporta infatti spezzoni del film). L’accoglienza della pellicola fu decisamente fredda da parte del pubblico e della critica, nonostante questo fu uno dei film preferiti da Hitler. Non bisogna dimenticare l’appartenenza della Von Harbou al partito Nazista (il che comportò la separazione da Lang), fatto che ha spesso fatto discutere sul vero significato della pellicola. Il finale stesso, poi ripudiato dal regista, sembra lasciare qualcosa in sospeso, quasi fare l’occhiolino ad un controllo ferrato e dittatoriale. Un elemento, poi, che non ho visto spesso discusso è quello dell’appartenenza dell’ebraismo di una delle figure più negative del film: l’inventore Rotwang: ancora una volta sembrano serpeggiare i luoghi comuni sulla comunità ebraica e non è certamente un caso che un inventore pazzo vicino, per certi versi, alla stregoneria sia proprio un ebreo nè tantomeno sarà stato un caso renderlo l’antagonista della vicenda. Lontano da tutte queste congetture e polemiche Metropolis si dimostra in ogni caso un capolavoro assoluto ed il tempo ha saputo poi dare il giusto apprezzamento a questa pellicola che, ancora oggi, contribuisce a influenzare il lavoro di numerosi artisti.

Fino a qualche tempo fa una grande parte del film era considerata perduta ma ora, grazie alla pellicola posseduta da un colleziona privato di Buonos Aires, possiamo godere della quasi totalità del film. Purtroppo i frammenti si trovano in condizioni pessime rispetto al resto del film, ma dopo un lavoro di restuaro sono stati inseriti all’interno delle nuove versioni in DVD e Blu-ray.

Il denaro (L’argent) – Marcel L’Herbier (1928)

Le opere adattate sono solamente un materiale da cui trarre quello che si vuole“, così aveva detto una volta Marcel l’Herbier, e la cosa traspare ne “L’argent”, omonimo adattamento del romanzo di Zola. Il regista plasma la vicenda originale e la trasporta ai suoi giorni, modernizzandola e modellandola per i suoi scopi. Il risultato fu ovviamente molto discusso tanto che Antoine arrivò a definire il film “una manipolazione del testo, un sacrilegio commesso da un arrivista ambizioso e incoscente”. Parole forti, che non tengono sicuramente conto del grande valore di L’Herbier e del contributo che aveva dato al cinema francese ed internazionale. Purtroppo però la pellicola non ebbe neppure un grande successo di pubblico, sia per la durata, quasi tre ore nonostante la lunghezza fosse stata di gran lunga ridotta rispetto a quella originaria, sia per l’argomento: un intrigo finanziario, sebbene infarcito di violenze ed amori proibiti, che mal venivano digerito dalla popolazione. A partire dagli anni ’60 il film è stato giustamente riscoperto ed apprezzato, tanto da essere considerato “un faro della modernità“. L’affermazione è certamente esagerata ma fa capire il grande valore che ebbe questo film grazie ai suoi espendienti tecnici, le sue splendide immagini e le innovazioni nelle inquadrature. Alle soglie del 1930, a questo film sembra mancare solo il suono, ma la sua assenza viene sopperita da uno splendido gioco con le didascalie, ottime inquadrature e scene ben congeniate.

Il Banchiere Saccard (Pierre Alcover) tenta di speculare sulle imprese dell’aviatore Jacques Hamelin (Henry Victor) intenzionato a compiere un proibitivo volo fino in Guyana, ricca di petrolio da sfruttare. Mentre il ragazzo compie la sua missione, il perfido banchiere cerca di sedurne la moglie Line (Mary Glory) con mezzi più o meno leciti. Ma le malefatte vengono sempre pagate: Saccard finisce in prigione dopo che il suo rivale in affari Gunderman (Alfred Abel) con l’aiuto della Baronessa Sandorf (la Brigitte Helm di Metropolis e Atlantide) riesce a convincere Line a sporgere denuncia contro di lui. Il finale lascia intendere che al banchiere non è bastata la lezione appena subita.

Prima della crisi degli anni ’30 e dopo la grande depressione di fine Ottocento, l’Herbier dipinge un ritratto del mondo finanziario dell’epoca, mettendo a nudo la brama di denaro degli speculatori. La morale sembra suggerire che il denaro non permette tutto, anche se nel finale sembra serpeggiare quasi il messaggio contrario. Il denaro è il vero protagonista della vicenda, e porta avanti la narrazione con autorità. Bisogna però puntualizzare che il regista non voleva attaccare il mondo della finanza in generale, ma descriverne la sua degenerazione, raccontando la storia di un uomo divorato dalla brama di ricchezze. L’Herbier ci regala delle inquadrature stupende, ben 1952, per un totale di sette secondi per inquadratura circa, una cifra davvero elevata per l’epoca. La scena più nota del film, quella in cui i finanzieri si affollano nella borsa, consta quasi duemila comparse e venne ripresa da ben quindici fotocamere, di cui una che calava da diversi metri di altezza. Al gran numero di inquadrature si contrappone una recitazione molto semplice, data dalle splendide interpretazioni degli attori, tra cui spicca il massiccio Alcover, che viene valorizzato maggiormente grazie all’espediente della ripresa contre-plongée, che rafforza ulteriormente la sua mole. Al suo fianco figurano attori che non hanno certo bisogno di presentazioni, essendo conosciuti al grande pubblico per aver preso parte a pellicole di grande spessore. Nel complesso, “il denaro” risulta un’opera molto interessante penalizzata, forse, dalla lunga durata. Nonostante questo l’Herbier riesce comunque a catturare l’attenzione dello spettatore con numerosi espendienti. Il film, nella sua edizione restaurata, non è edito in Italia ma è facilmente reperibile nella sua edizione francese o anglosassone. Consiglio in particolare l’edizione Eureka della collana Masters of Cinema.