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Programma Cinema Ritrovato 2018

il-cinema-ritrovato-bologna-23-giugno-1-luglio-2018Il Cinema Ritrovato 2018 è ormai alle porte e con la pubblicazione del programma generale torna la nostra consuetudine di pubblicare quello dei soli film muti della rassegna. Tra le notizie più belle sicuramente quella dell’apertura del Cantiere Modernissimo, ovvero l’ex Cinema Modernissimo che nonostante sia ancora in fase di restauro verrà usato ogni giorno per la proiezione dei film del progetto MultiFlix (Wolves of Kultur). Per il resto la Sala Mastroianni si conferma la casa di ogni amante del muto. Da segnalare anche le serali, davvero ricche tra Piazza Maggiore e l’ormai immancabile appuntamento in Piazzetta Pasolini con la lanterna a carbone. Ovviamente noi racconteremo tutto sia qui che su Cinefilia Ritrovata, che questa volta ospita sia me che Alessia. Per ulteriori informazioni vi consiglio di scaricare il programma completo.

23/06
12.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 1 – The Torture Trap (Rep. ore 19.30)
15.45 Sala Mastroianni – Arrigo Frusta: L’officina della scrittura 1 – Raggio di Sole/Siegfried
17.45 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Segundo de Chomón (rep. 27/06)
18.30 Sala Mastroianni – Napoli che canta 1 – The Tarantella/Neapolitan dance
19.30 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 1 – The Torture Trap (replica)
21.30 Sala Mastroianni – Pina Menichelli – La moglie di Claudio (rep. 28/06)

24/06
09.00 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Les Deux Timides (rep. 29/06)
09.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 2/3 -The Iron Chair/Trapping the traitors (rep. 19.00)
10.30 Sala Mastroianni – 1918: Guerra e Politica – Charlot Soldato (rep. 30/06)
11.45 Sala Mastroianni – Avvento film di avventura – Gerusalemme liberata
14.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Shiraz: A Romance of India (rep. 30/06)
16.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Vita a Venezia
17.45 Sala Mastroianni – W.K.L. Dickson e il Mutoscope & Biograph Syndicate
18.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Der Fall Rosentopf/Grafin Kuchenfee/Puppchen (rep. 30/06)
19.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 2/3 -The Iron Chair/Trapping the traitors (replica)
21.45 Piazza Maggiore – Ritrovati e Restaurati – Rosita e Entr’acte

25/06
09.00 Sala Mastroianni – 1918: Stelle cadenti e bombe a mano (rep. 28/06)
09.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 4/5 -The Ride to Deaths/Through the Flames (rep. 19.00)
10.15 Sala Mastroianni – Avvento film di avventura 2 – Il gioiello di Khama
12.00 Sala Mastroianni – 1918 – La Russia avan-avanguardia – Baryshyna I Chuligan
14.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Christian Wahnschaffe pt.1
16.00 Sala Mastroianni – La donna con la Kinamo: Ella Bergmann-Michel
17.45 Sala Mastroianni – 1898 – Lumière locale: Kríženecký a Praga
18.30 Sala Mastroianni – Napoli che canta 2 – è piccerella (rep. 28/06)
19.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 4/5 -The Ride to Deaths/Through the Flames (replica)
22.15 Piazzetta Pier Paolo Pasolini – Proiezione con lanterna a carbone – Napoli che canta 3 – Un amore selvaggio/Fantasia ‘e surdato

26/06
09.00 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Christian Wahnschaffe pt.2
09.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 6/7 -Trails of Treachery/The Leap of Despair (rep. 19.00)
10.30 Sala Mastroianni – Avvento film di avventura 3 – Tarzan of the Apes
11.45 Sala Mastroianni – Professione: Film director – Woman
14.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Lights of Old Broadway
16.15 Sala Mastroianni – La donna con la Kinamo: Ella Bergmann-Michel
17.00 Sala Cervi – Cinema Ritrovato Kids – Omaggio ad Osvaldo Cavandoli: Antenati ed eredi de La Linea
18.30 Sala Mastroianni – Napoli che canta 4 – Vedi Napule e po’ mori!
19.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 6/7 -Trails of Treachery/The Leap of Despair (replica)
22.15 Piazzetta Pier Paolo Pasolini – Napoli che canta 5 – Naples au Baiser de Feu

27/06
09.00 Sala Mastroianni – Segundo de Chomón (rep. 23/06)
09.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 8 – In the Hands of the Hun (rep. 19.00)
10.00 Sala Mastroianni – 1918: Profession Film Director – Ucitel Orientalinich Jazyku
11.45 Sala Mastroianni – 1918: Apogeo del Diva film – L’Avarizia
14.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Rue de la paix
16.15 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Salon de Lectures: Ames de fous
16.15 Auditorium DAMSlab – Documenti e Documentari – Sydney: the other Chaplin
19.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 8 – In the Hands of the Hun (replica)
21.30 Sala Mastroianni – 1918: Lyda Borelli si ritira – Carnevalesca
21.45 Piazza Maggiore – Ritrovati e Restaurati – 7th Heaven

28/06
09.00 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Lights of old Broadway
09.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 9/10/11 (rep. 19.00)
10.30 Sala Mastroianni – 1918: Stelle cadenti e bombe a mano (rep 25/06)
11.45 Sala Mastroianni – 1918: Apogeo del diva film – La Moglie di Claudio (rep. 23/06)
14.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Émile Cohl Nuovi restauri
15.15 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati –Marey, Painlevé, Mol tra Scienza e Avanguardia
16.00 Sala Mastroianni – Arrigo Frusta: L’officina della scrittura 2 – Spergiure
17.45 Sala Mastroianni – 1898: Science and Science Fiction/ Méliès e l’arte del meraviglioso/vedute Lumière
18.30 Sala Mastroianni – 1918: Star Dust – Bany Titka pt1
19.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 9/10/11 (replica)
21.30 Sala Mastroianni – Napoli che canta 2 – è piccerella (rep. 25/06)

29/06
09.00 Sala Mastroianni – 1918: Star Dust – Bany Titka pt. 2
09.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 12/13 – Tower of Tears/The Hun’s Hell Trap (rep. 19.00)
10.45 Sala Mastroianni – 1918: Bergman 100 – Nattliga Toner
12.00 Sala Mastroianni – 1918: War and Politics – Revolutionens Datter
14.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Les Deux Timides (Rep. 24/06)
16.00 Sala Mastroianni – Arrigo Frusta: L’officina della scrittura 3
17.45 Sala Mastroianni – Directing films in 1898: Hatot e Breteau
18.30 Sala Mastroianni – Progetto Keaton – Go West
19.15 Sala Scorsese – Seconda utopia: 1934 – Naslednyk Princ Respubliki
19.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 12/13 – Tower of Tears/The Hun’s Hell Trap (replica)
22.15 Piazzetta Pier Paolo Pasolini– Napoli che canta 6 – ‘ A Santanotte

30/06
09.00 Sala Mastroianni – Arrigo Frusta: L’officina della scrittura 4
09.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 14/15 – Code of Hate/Reward of Patriotism (rep. 19.00)
11.00 Sala Mastroianni – 1918 – Otec Sergij
11.00 Sala Cervi – Workshop – Arrigo Frusta: storia e metodo di lavoro
14.30 Sala Mastroianni – Alla ricerca del colore dei film: Kinemacolor
15.15 Sala Mastroianni – 1918: Restaurati Muti – Der Fall Rosentopf/Charlot Soldato (rep 24/06)
16.15 Auditorium DAMSlab – Lezione di Cinema – Napoli che canta
16.45 Sala Mastroianni – Arrigo Frusta: L’officina della scrittura 5 – Santarellina
17.30 Auditorium DAMSlab – Documenti e Documentari – Douglas Fairbanks
18.15 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Two Early Disney from Norvegia/Progetto Keaton – The Navigator
18.15 Sala Scorsese – Seconda utopia: 1934 – Pridanoe Zuzuny
19.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 14/15 – Code of Hate/Reward of Patriotism (replica)
21.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Shiraz: A Romance of India (rep 24/06)

Legenda:
Cinema Lumière, via Azzo Gardino 65:
Piazzetta Pier Paolo Pasolini – Numero di posti: ?
Sala Mastroianni – Numero posti: 174
Sala Scorsese – Numero posti: 144
Auditorium DAMSlab – Numero posti: 216

Cantiere Modernissimo – Via Rizzoli 1/2 – Numero posti: ?
Sala Cervi – via Riva di Reno, 72 – Numero posti: 44

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PRELUDIO – Il fiacre n. 13 (1917)

Tube, frac, omicidi e una carrozza dal numero non molto felice.

Questo è il sunto del quarto episodio di Il fiacre n. 13, film tratto dall’omonimo romanzo edito nel 1881 da Xavier de Montépin, autore francese di romanzi d’appendice in voga quegli anni. Nel film l’influenza del feuilleton e del genere poliziesco francese c’è e si vede; è inoltre inevitabile non fare un confronto con un altro serial italiano contemporaneo quale I topi grigi di Emilio Ghione: l’ambientazione parigina (in realtà gli studi torinesi della Ambrosio), i costumi, i sotterfugi, la donna da salvare. Insomma, praticamente una versione un po’ più benestante di Za la Mort che, per spostarsi da una bettola all’altra, non potendo permettersi una carrozza, preferiva andare a piedi (come scordarsi gli ultimi, lunghi fotogrammi di Dollari e fracks…) o adoperando una più comoda Lancia.Schermata 2018-04-19 alle 16.31.15

Peccato aver visionato all’archivio audiovisivi della Cineteca di Bologna solamente il quarto episodio Giustizia!, (*) l’unico insieme a Gian Giovedì, il secondo, ad essere completamente risparmiato dalle lame della censura (Il delitto al Ponte di Neuilly non venne nemmeno distribuito). Tant’é che vedere un film solo nella sua parte finale comprendendo molto poco di quanto accaduto prima non è proprio il massimo. Se si vuole, l’unico vantaggio che il cinema muto italiano offre (degli anni Dieci almeno) è che mediamente il cast di un lungometraggio comprende sì e no una decina di interpreti; pertanto, grazie anche alla cospicua presenza di didascalie esplicative che danno un ritmo serrato alla narrazione, non è stato così complicato tessere le fila della storia.

Ambientato in un contesto aristocratico, il duca George de Latour (Vasco Creti), insieme all’amante Berta (Helena Makowska) vuole interrompere una volta per tutte l’agiatezza famigliare del fratello che ha appena avuto un erede, intascandosi così tutti i suoi beni, ingaggiando l’apache Gian Giovedì (Alberto Capozzi). Da qui parrebbe esserci tutto un susseguirsi di sottotrame e personaggi secondari che col passare degli episodi acquisiscono una maggior fisionomia e psicologia, così come certi rapporti svelati solo in Giustizia!. Dico parrebbe per i motivi spiegati sopra. Ho intenzione di approfondire il tutto andando alla ricerca degli altri tre episodi della “carrozza sventurata”: prego i lettori di considerare questo breve articolo come un preludio a quello che verrà, o come input per cercare insieme a me i restanti episodi.

(*) Convintissima di trovare sul supporto dvd tutti gli episodi, mi si è presentato invece il titolo “Episodio IV: Giustizia!”. Sono sicura che il lettore proverà una certa empatia nei confronti del mio disappunto e della mia delusione.

Il fiacre n. 13 (Episodio I: Il delitto al Ponte di Neuilly; Episodio II: Gian Giovedì; Episodio III: La figlia del ghigliottinaio; Episodio IV: Giustizia!) / Alberto Capozzi e Gero Zambuto. – Soggetto: Xavier de Montépin – Sceneggiatura: Giuseppe Paolo Pacchierotti . – Torino, Società Anonima Ambrosio, 1917. – Con Alberto Capozzi, Helena Makowska, Gigetta Morano, Fernanda Negri Pouget, Vasco Creti, Diana Karenne. Lunghezza: metri 5520 circa. 

Visto di Censura: Il delitto al Ponte di Neuilly – 12414, 30 marzo 1917, vietata;

Gian Giovedì – 12415, 20 gennaio 1917, approvata; 

La figlia del ghigliottinaio – 12416, 20 gennaio 1917, approvata con riserva;

Giustizia! – 12417, 20 gennaio 1917, approvata.

Stato: parzialmente sopravvissuto.

Limite – Mario Peixoto (1931)

aprile 5, 2018 2 commenti

Limite.1931.720p.BluRay.AVC-mfcorrea.mkv_snapshot_00.01.38Uno dei più grandi momenti della storia del Cinema è l’attimo in cui Mario Peixoto decide di togliere le briglie alla macchina da presa per rappresentare la vertigine di una donna che sta immaginando cosa proverà nel momento in cui si lancerà dall’alto di un dirupo. Vedere per credere. Siamo in Brasile ed è il 1930, Peixoto ha solo ventidue anni e sta girando il suo unico film: un capolavoro.

Limite racconta la storia di tre persone, un uomo e due donne, che, avendo raggiunto il culmine di disperazione nelle rispettive vite, scelgono di fuggire imbarcandosi, senza prospettiva e senza mezzi. La barca a remi è presentata ferma, come il suo carico immobile, siamo al centro di un mare privo di orizzonti visibili. I tre sono senza bagaglio, quindi senza passato, e senza cibo, quindi senza futuro: il loro è un presente eterno, sostanzialmente una nuova prigione.
Le prime immagini del film sono figlie del surrealismo e dell’espressionismo, non solo cinematografico: degli occhi di donna, aperti e fieri sull’avvenire, si sovrappongono al mare placido e scintillante, ma il montaggio frenetico e tagliente incrina quest’impressione serena e compiuta con le immagini macabre di un cadavere rovistato dagli avvoltoi e con delle manette che legano delle mani di donna che neppure tentano di liberarsi. È in questa frizione, in questo dialogo già perso in partenza, che il film si costruisce e si erge poderoso su ogni altro tentativo simile di fare cinema sul fallimento e sulla rassegnazione.

I tre personaggi non hanno nome né una precisa identità, così come i luoghi restano indefiniti, più luoghi dell’anima, stazioni di un personale calvario, che siti realmente collocabili. L’assenza di contingenza risulta in quell’aspecifico che fa di Limite un classico universale, seppur trascurato. L’uomo, la donna vestita di bianco e la donna vestita di nero hanno in comune solo la conoscenza del fondo, del buio tetro senza soluzione. L’uomo ha perso la donna amata e contesa, la donna in bianco si sente legata e oppressa dal suo lavoro di sarta, la donna in nero ha un matrimonio infelice e privo di vita come i pesci che porta in un cesto. Ma la sostanza e la grandiosità di Limite non sta nell’interazione d queste storie, né nei temi – di storie disperate e strappalacrime il muto abbonda – bensì nella forza dei simboli e dei dettagli di immagini sommate e accostate come versi, come figure poetiche, così come il cinema oggi dimentica troppo spesso di saper e poter fare. Ciò è dimostrato anche da molte inquadrature – che fungono da vere e proprie dichiarazioni di poetica – in cui il vero soggetto è fuori fuoco, tagliato, confuso, mentre il protagonista è un falso soggetto, fatto di pareti, foglie, fango, strade, oggetti, tetti, steccati, ossia il contorno, il contesto, la società costituente il limite.

 

La sarta ricorda il suo passato e nel ricordo ci sono fili, passaggi obbligati nella macchina da cucire, bottoni, metri e ancora fili: sono i suoi legami, ciò che la confina e misura. In più la ruota che aziona la macchina da cucito non fa che ricordarle le ruote dei treni che vanno via e portano cambiamenti sempre ad altre persone, mai a lei. Nell’istante in cui decide di scappare prende in mano le forbici inquadrate in primissimo piano: sta per tagliare i suoi fili.

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Il marito della donna in nero fa il pianista nei cinema, sulla sua musica e grazie alle sue mani tutti sorridono e si divertono, ma sua moglie ogni sera vede solo un individuo cupo e sfuggente. L’acqua, che darebbe vita ai pesci che porta nel cesto, altrove è abbondante: la sequenza ripetuta di una fontana che scorre copiosa si sovrappone, diventando un tutt’uno, all’immagine del marito, con altri generoso, ma con lei avido e arido.

 

Le impronte ed i passi sono invece il simbolo ricorrente nei ricordi dell’uomo sulla barca. Con estrema eleganza Peixoto racconta la morte della moglie senza mostrarela, facendo uso solamente delle impronte sulla spiaggia: i due camminano tenendosi per mano e tracciando vie nella sabbia, proseguono pari e senza esitazione, poi si avvicinano al bagnasciuga, la macchina da presa si ferma, non li segue più e l’inquadratura fissa registra il mare cancellare le impronte di lei, onda dopo onda, fino a farle scomparire, lasciando solo quelle dell’uomo. È una sequenza asciutta e allo stesso tempo anche didascalica, ma capace di ottenere il sentimento del tragico con una semplicità strabiliante.

 

Basterebbe quanto si è detto a fare di Limite un’opera capitale per ogni percorso serio sul muto e un riferimento fondamentale per ogni studioso di cinema. La World Cinema Foundation e la Cineteca di Bologna hanno fatto il possibile per riportare Peixoto e la sua opera sugli schermi con il loro magistrale restauro. Ora tocca a critici, cinefili e spettatori ridare a questo autore il posto che gli spetta.

Il cinema muto in Italia // Sonorizzazione Live Rapsodia Satanica. Raia Fiorito Duo Live Stage

borelli-rapsodia-satanica_pLa sera di martedì 6 marzo (l’ultima fredda prima del tepore primaverile di questi ultimi due giorni) mi avvio a piedi verso il Centro Culturale Telling Stories APS “fabbrica di idee e laboratori” di via del Borgo di San Pietro 99/N. Sono d’accordo di trovarmi lì con un’amica, che tra l’altro é colei che mi ha segnalato l’evento dedicato alla sonorizzazione di Rapsodia Satanica (Nino Oxilia, 1917). So che la serata é organizzata da COEMA, collettivo che si impegna nella realizzazione di eventi musicali e collaborazioni con le tante realtà culturali di Bologna (Poverarte – Festival di tutte le Arti, Mikasa, Mercato Sonato e Loft Kinodromo); dopo aver preso una Corona sale e limone e addentato un trancio di pizza fredda al piano bar, scambio due chiacchiere con la mia amica, precisandole di essere lì perchè il connubio inconsueto film muto-musica ambient / sperimentale mi stupisce e incuriosisce. Intanto alle mie spalle vengono proiettati una serie di film muti italiani in ordine cronologico: vedo riprese fisse di paesaggi di campagna, vedute colorate, La Presa di Roma di Alberini e L’Inferno di Bertolini, de Liguoro e Padovan. In sottofondo c’é la classica musica da aperitivo lounge delle sette di sera, la gente é poca, qualcuno gioca a biliardo, altri parlottano, io, la mia amica e il suo coinquilino aspettiamo che si facciano le dieci e mezza. Mezz’ora dopo (ritardo più che normale, la fretta non é nel dna dei collettivi culturali) Antonio Raia e Renato Fiorito danno inizio alla parte decisamente più interessante della serata: il primo imbraccia il sassofono, il secondo va in consolle e sincronizza immagine e suono (skippando le didascalie di testa). Il film inizia a scorrere liquido, placido e poetico e più passano i minuti, più mi accorgo che questo accostamento così singolare tra immagine, musica elettronica e le calde note diffuse grazie ad uno strumento ad ancia semplice non mi dispiace affatto. Sono una che ama le contaminazioni tra le arti e gli aspetti di ricerca sonoro-visuale, quindi ben vengano le sovrapposizioni tra vecchio e nuovo, tra passato e presente; in certi momenti penso che al mio posto un altro appassionato di cinema muto dalla visione un poco più conservatrice della mia, assumerebbe un’aria schifata e scapperebbe a gambe levate dopo un minuto e mezzo completamente scandalizzato dalla cosa. Ammetto che in alcuni punti, come all’apparizione di Mefisto che perseguita la contessa Alba d’Oltrevita, fa strano anche a me sentire i beat martellanti intervallati da note estremamente acute e staccate, quasi una cacofonia, emesse dal sassofono tenore di Raia. Ma la chiave per comprendere questo mix così bizzarro sta proprio qui: l’opera di Nino Oxilia nel 1917 era già di suo un esperimento, una novità per quanto riguarda l’esperienza sensoriale e sinestetica tra musica e colore. La partitura musicale originale di Pietro Mascagni era stata composta (“lavoro lungo, improbo e difficilissimo”) appositamente per conferire allo spettatore la percezione dell’arte nella sua totalità. Centouno anni dopo, Raia e Fiorito si dedicano alla ricerca di nuove sperimentazioni e alla creazione di suoni minimal, spesso frutto di improvvisazione, in ambienti spogli, ma avvolgenti. Esperimento visivo ed esperimento acustico, ecco perchè nel complesso la visione di Rapsodia Satanica con sonorizzazione ambient non destabilizza e non crea sconcerto. Anzi, sono proprio queste sonorità naturali create da un computer o dall’immissione di saliva nell’imboccatura del sassofono di Raia (il risultato è un suono molto simile al vento tra rami di betulle) che immergono nella visione dannunziana e decadente del paesaggio della pellicola.
Antonio Raia e Renato Fiorito, entrambi laureati in musica, condividono frequentemente il palco insieme e collaborano con artisti sia italiani che stranieri, sono impegnati in concerti e performance live nei club e locali di tutta Europa e presenziano a numerosi festival. Bravi.

Da Giselda a Leda – “Trappola” (1922)

gennaio 18, 2018 2 commenti

IMG_0187Siamo negli anni Dieci del Novecento e il nome di Giselda Lombardi (Roma, 10 marzo 1892 – Roma, 2 ottobre 1957) può non dire molto, eppure, poco più che ventenne, è la musa e compagna di Trilussa, il quale le anagramma il nome in Leda Gys e le toglie gli abiti da comune ragazza borghese di Trastevere, per introdurla in quel sontuoso mondo costellato da icone del cinema come Francesca Bertini, Lyda Borelli, Alberto Collo, Emilio Ghione, Hesperia, Maria Jacobini, Amleto Novelli. Da Giselda a Leda. Un’attrice del cinematografo, una (anti)diva, una signorina dei caffé e dei salotti romani, una stella dagli occhi bistrati e vispi e dal piglio sbarazzino, un’artista unica nel suo genere e inconsueta nel suo personalissimo modo di recitare dato da due sole regole: l’improvvisazione e la spontaneità. Ne parlerò meglio più avanti con il film Trappola che ho visionato personalmente alla Cineteca di Bologna.
La carriera di Giselda, quindi, inizia completamente in discesa, grazie ad una bellezza che non passa inosservata e alla raccomandazione di Trilussa che la indirizza alle neonate Case di produzione Cines e Celio; esordisce nel gennaio 1913 in tre brevi film: L’albero che parla (raccontino sentimentale), Amore e automobilismo (commedia) e La dama di picche (dramma). Non trovo affatto scontato sottolineare come si tratti di tre pellicole di lunghezza non considerevole: difatti, le prime vere esperienze di Leda Gys coincidono in primis con il delicato passaggio da corto (pellicola di lunghezza inferiore ai 500 metri) a lungometraggio (il suo primo film ufficiale è, appunto L’Histoire d’un Pierrot, di Baldassarre Negroni del 1914 lungo 1200 metri circa) con il riassetto dell’organizzazione produttiva e della distribuzione, il ricambio generazionale di attori, scrittori, intellettuali e drammaturghi e, in favore della Gys, lo spostamento del centro produttivo nazionale da Torino a Roma.
Sotto Cines e Celio, Leda Gys impersona ruoli di ragazza ingenua e romantica, spesso vittima di padri e mariti, inserita quindi nel genere della commedia sentimentale; successivamente, nasce un sodalizio artistico con Mario Caserini e, a causa dello scoppio della Prima Guerra Mondiale, il genere tramuta in propagandistico e patriottico con film come Sempre nel cor la Patria!… (1915) di Carmine Gallone o Passano gli Unni (1915) di Caserini.
Il tono generale delle pellicole in cui compare Leda Gys vira ulteriormente nel biennio 1916-1917 verso la tragedia, specchio della produzione italiana di quegli anni in cui si trovano temi come prostituzione e maternità illegittima (Fiore d’autunno, M. Caserini, 1916), droga (Chi mi darà l’oblio, M. Caserini, 1917) o incesto (Come in quel giorno, M. Caserini, 1916); questi tre film hanno un vastissimo successo di pubblico in Spagna, in cui la figura di Leda Gys acquisisce una grande popolarità.
Dopo la conclusione della fruttuosa collaborazione con Caserini e la fine della relazione con Trilussa, una cospicua fetta di carriera é dedicata al cinema napoletano con la Poli Film, successivamente assorbita dalla Lombardo-Film, una delle poche case di produzione a sopravvivere, grazie all’accortezza di Gustavo Lombardo e di Stefano Pittaluga, alla terribile crisi e bancarotta del 1921 che manda letteralmente al macero gli sfarzi e gli orpelli delle produzioni di pochi anni prima, crisi da cui il cinema muto italiano non si riprenderà mai del tutto. Il proposito della Casa è quello di trasformare Leda Gys in una diva dannunziana e femme-fatale: l’ennesimo cambio di genere è evidente in Io ti uccido! (Giulio Antamoro, 1919) e Leda senza cigno (Giulio Antamoro, 1918, dall’omonimo romanzo di Gabriele D’Annunzio). Il 1918 segna l’incontro tra Leda Gys e Lombardo, il quale trasforma la Poli Film in Lombardo Film, grazie ad un’acuta strategia e politica di valorizzazione del cinema partenopeo. I due si legano professionalmente e sentimentalmente e la carriera della Gys sottolinea un ritorno alla commedia frivola di ambiente napoletano.
Pochissime delle circa novanta produzioni in vent’anni di carriera ci sono pervenute: Leda Gys viene dimenticata subito dopo il ritiro a vita privata nel 1930 per dedicarsi completamente alla crescita e all’istruzione del figlio Goffredo (diventato uno dei principali produttori italiani del secondo dopoguerra, nonché proprietario della Casa cinematografica Titanus); cadere nel dimenticatoio è un destino comune a tanti attori del cinema muto che, con la novità del cinema sonoro, trovano inammissibile e quasi

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 intollerabile sentire la loro voce riprodotta sul grande schermo. Uno dei pochi film sopravvissuti è Trappola: l’ho scelto perchè è a

parer mio il film che può esemplificare meglio il grande talento recitativo di Leda Gys, la sua versatilità e la sua autoironia. Trappola (distribuito anche come In Trappola) é quello che oggi si potrebbe definire un badass girl movie, un incrocio tra l’impertinenza di Matilda 6 mitica e l’irriverenza di Mean girls, ovviamente con un minimo di decoro e decenza in più rispetto al film di Mark Waters. Una commedia che in qualche modo anticipa di una decina d’anni i dettami della screwball comedy del cinema classico

 hollywoodiano, ma che include certe tecniche di regia abbastanza insolite per questo tipo di genere, come dissolvenze oniriche, carrellate, dialoghi rapidi e poco duraturi o un certo indugio a mantenere la camera fissa su un primissimo piano di un personaggio.
Girato sotto la Lombardo Film nel 1922 con la regia di Eugenio Perego, già collaboratore con Case come Pasquali Film, Milano Films, Do. Re. Mi. e Fert, Trappola é il primo dei sette film nati dal legame professionale di Leda Gys con Perego, tutti girati a Napoli dal 1922 al 1928, che comprendono Santarellina (1923), Vedi Napule e po’ mori (1924), Napoli è una canzone (1927), Napule…e niente cchiù (1928), Rondine (1929) e La signorina Chicchirichì (1929).
La sfrontatezza é evidente sia nell’andamento narrativo che nella recitazione di Leda Gys, qui nei panni di Leda, un’orfana ribelle rinchiusa in un educandato che combina scherzi e marachelle per non soccombere alle rigide regole imposte da suore che campano di Ave Maria non proprio sinceri e di minestrone riscaldato del giorno prima. Un giorno la sua migliore amica Laura lascia l’istituto per intraprendere lo studio privato IMG_0209a casa, ma le due non perdono i contatti: con un acuto stratagemma, incarica l’ignaro professore di ginnastica e dizione Don Bernardo, di spedire e ricevere lettere da Laura, la quale le confida che il suo fidanzato Carlo (Gian Paolo Rosmino, già presente in Ma l’amor mio non muore!) la tradisce con un’ artista circense/attrice/diva, tale Furetta (Suzanne Fabre). In nome della solida amicizia con Laura, Leda fugge dalla prigione-istituto e si reca al teatro di posa (uno studio della Lombardo) dove Furetta sta girando un film. Travestitasi da cavaliere medievale e assunta come comparsa, Leda scopre che Furetta tradisce a sua volta Claudio con il primo attore della casa di produzione per cui lavora. La reciproca antipatia tra Leda e Furetta sfocia poi in un’esilarante lite con mani tra i capelli, morsi calci e pugni, ripresa dal regista del teatro per utilizzarla come materiale filmico che “può venire bene per un altro film”. Attratto dalla vivacità e dall’animo frizzante di Leda, diversamente da Furetta, Claudio se ne invaghisce, ricambiato (la trappola, appunto), ma il senso di colpa nei confronti dell’amica del cuore fa sì che, sotto consiglio di Don Bernardo, divenuto nel frattempo il suo mentore, Leda debba restituire al mittente ciò che non le potrebbe mai appartenere. Laura si è però innamorata di un altro, riuscendo a dimenticare Carlo e le sue pene d’amore e tutto si aggiusta con un lieto fine da favola.
Oltre ad essere una commedia leggera, divertente e piena di equivoci, che spessissimo riesce a strappare qualche risata, Trappola è anche una critica non troppo velata verso l’avarizia, l’ipocrisia e l’estrema severità educativa delle istituzioni religiose (sfido chiunque a trattenere un sorrisetto quando Leda riempie la cena delle suore di olio di ricino) e nei confronti del fenomeno del divismo, qui ridotto a “quattro smorfie che saprei fare pure io” e a un teatrino fatto di erotismo scialbo, automobili regalate, vestiti scollati e finti svenimenti.
La Leda personaggio é tosta, indipendente ed emancipata: non ci pensa due volte a mollare un ceffone (che sa molto di improvvisazione bella e buona) alla comparsa che tenta di molestarla, o a dirne quattro alle forze dell’ordine (“pescecane!”) che la arrestano ingiustamente scambiandola per una ladra di gioielli; il suo spirito di folletto burlone si alterna a quello di una ragazza romantica che scopre l’amore e sospira accarezzandosi il viso con un mazzo di rose, scrive lettere e diari pieni di pathos ed è disposta a tutto pur di preservare gli affetti e le amicizie.
La Leda attrice che fa le boccacce, strabuzza gli occhi, balla sui tavoli (scena scrupolosamente accorciata dalla censura), gira in mutande per l’istituto o stampa un bacio pieno di passione, fanno della Gys una donna moderna e lontana dagli stereotipi del tempo, tanto da renderla un’artista capace di passare con estrema facilità da un genere all’altro, al di là di ottenere apprezzamenti da parte di critica e pubblico in un periodo estremamente difficile per la cinematografia italiana dei primi anni Venti.
Trappola, insieme ai tre film del filone napoletano Vedi Napule e po’ mori, Napoli è una canzone e Napule…e niente cchiù! ad oggi sopravvissuti, è conservato presso la Cineteca di Bologna. I quadri sono in buono stato, sebbene molte didascalie al momento della visione siano di durata eccessivamente breve, tanto da ostacolarne l’immediata lettura; è inoltre evidente che alcune scene siano andate perdute: ad esempio, non è di chiara comprensione il motivo per cui Leda, dopo la fuga dall’istituto, si ritrovi improvvisamente con un cagnolino in braccio, totalmente assente nelle sequenze successive.

Trappola / Eugenio Perego. – Soggetto e sceneggiatura: Eugenio Perego. – Napoli: Lombardo Film, 1922. – Con Leda Gys, Gian Paolo Rosmino, Suzanne Fabre, Claudio Mari, Carlos Reiter.
Lunghezza: metri 1596.
Visto di Censura: 17019, 11 maggio 1922.
Prima visione: 6 giugno 1922.
Stato: sopravvissuto.

Fonte: Aldo Bernardini, Vittorio Martinelli, Leda Gys, Attrice, Milano, Coliseum, 1987.

Kikos (Кикос) – Patvakan Barkhudarian (1931)

2yvkthcTra i film presentati durante il Cinema Ritrovato 2015 Kikos è stato uno dei più interessanti. Sotto forma di un tragicommedia, le vicende dle contadino Kikos si svolgono intorno al 1920 nel corso della brevissima Prima Repubblica d’Armenia venutasi a creare a seguito del vuoto di potere immediatamente successivo alla Rivoluzione Russa. A capo della Republica c’era la Federazione Rivoluzionaria, il Dashnaktsutyun (Դաշնակցություն). La storia è tratta dall’omonimo racconto di Matvei Darbinian sceneggiato da Patvakan Barkhudarian e Matvei Darbinian.Un film come questo non deve stupire, l’Unione Sovietica in quegli anni si rivolse verso le periferie soffermandosi sui costumi locali. L’Armenia aveva quindi tutti i requisiti per essere protagonista di un suo “cinema”. Potete immaginare come la propaganda si celi anche in questi film “armeni” proprio perché voluti dal regime centrale. Prima di iniziare premetto che è passato tanto tempo dalla visione quindi potrei essermi confuso con qualche ruolo.

Kikos (Ambartsum Kachanian) è un contadino come tanti, che poco si interessa della politica quanto del suo bestiame. Quando scoppia la guerra contro l’armata sovietica egli vorrebbe defilarsi ma viene forzato dal comandante della città (Amasi Marirosian) a combattere per la repubblica. Kikos si ritrova al fronte e impaurito non riesce a sparare un colpo. Si ritrova così catturato dai comunisti e teme la pena capitale. Qui però incontra fortunatamente il suo amico Armen (Grachia Nersesian), diventato uno dei capi rivoluzionari, che conoscendo la sua indole lo grazia e lo invita ad unirsi al suo esercito. Ma Kikos non ha molta fortuna e poco dopo viene catturato dai repubblicani che, credendolo il capo dell’inserruzione comunista, organizzano un’esecuzione il pubblica piazza. Il timido e impacciato Kikos diventa allora davvero simbolo della rivoluzione e grazie a lui la popolazione trova il coraggio di ribellarsi ai malvagi repubblicani. L’Armenia entra allora a far parte dell’Unione Sovietica. A darne il via sarà proprio Kikos che imbraccerà finalmente il fucile contro i nemici dei soviet.

Kikos vuole essere un esempio di come la classe minuta possa, se unita, spodestare il regime tirannico e oppressore. In piccolo, questo esempio armeno mostra come la rivoluzione possa essere estesa a tutti i contesti e come tutti possano partecipare ad essa, anche “gli ultimi”. Questa idea rimanda chiaramente ad uno stereotipo nato con La Madre (Мать) di Pudovkin (1926), dove il “piccolo uomo” prende coscienza politica. Da contadino interessato solo alla sua terra, Kikos diventa un combattente, un eroe tragicomico pronto a sacrificarsi per la collettività. Il protagonista, Ambartsum Kachanian, si specializzò in ruoli buffoneschi e fu molto celebre in quegli anni in Armenia. Un personaggio del genere potrebbe sembrare poco adatto alla vicenda drammatico, ma aiuta forse a stemperare la vicenda rendendola meno cruda. La fotografia di Aleksandr Stanke è in linea con la produzione sovietica di questo tipo e regala interessanti spunti sul paesaggio e i costumi locali. Come potete immaginare non esiste una copia in dvd del film e festival come quello di Bologna rappresentano l’unico modo per affacciarsi a questa realtà più o meno locale.

L’esilio (A Tolonc) – Mihály Kertész (1914)

Prima di andare negli Stati Uniti e vincere due Oscar, Micheal Curtiz aveva conosciuto il successo in Ungheria. Tra i suoi primi lungometraggi troviamo A Tolonc, presentato al Cinema Ritrovato per la prima volta in Italia. Devo ammettere che questo film mi è piaciuto più delle aspettative e mi ha riportato alla mente alcune delle opere del mio amato Victor Sjöström, questo perché il regista è molto attento all’elemento naturalistico così come a quello dei costumi locali.

Liszka (Lili Berky) scopre alla morte del padre, di essere stata adottata. Il suo vero padre era un uomo violento e la madre (Mari Jászai) è finita in prigione (per averlo ucciso?) ed egli non è in grado di dire se sia ancora viva o meno. Liszka lascia il suo paese natale e va in città in cerca di lavoro. Viene assunta come domestica da Kontráné (Mariska Simon), sposatasi in seconde nozze con un inguaribile farfallone (Gyula Nagy?). Dal suo primo matrimonio la signora ha avuto Miklós (Várkonyi Mihály), un bel ragazzo che si innamora subito, ricambiato, di Liszka.La situazione idilliaca ambia all’improvviso: Il patrigno di Miklós importuna la ragazza proprio quando Kontráné fa il suo ingresso in scena. Per scusarsi l’uomo accusa lei di aver fatto il primo passo. In tutta risposta Kontráné decide di riportare al suo paese natale Liszka per farla giudicare lì (dovrebbe essere un’usanza locale fino agli inizi del ‘900). Chiude così la ragazza in casa e va alla ricerca dello sceriffo locale. Interviene Miklós che sfonda la porta e libera la sua amata con la quale si allontana per parlare della situazione. Proprio in quel momento un vagabondo locale (István Szentgyörgyi?) entra in casa e ruba tutte le cose di valore. Tornata a casa Kontráné accusa la domestica del furto, e lo stesso Miklos è incerto se credere o meno all’accusa. La ragazza viene portata quindi indietro a casa, la segue il vagabondo ansioso di andarsene dal luogo del furto. Qui si è stabilità da tempo la madre, ormai uscita di prigione, che non sogna altro se non di rivedere la figlia. Nei concitati minuti successivi madre e figlia si ricongiungono, ma solo per un attimo: Liszka ha avvelenato il suo vino per uccidersi, sentendosi umiliata dall’accusa, e quando scopre di aver ritrovato la madre sviene. Questa per rifocillarla le fa bere qualche goccio di vino avvelenato e poi lo beve a sua volta, morendo. Liszka riperde i sensi ma non prima di essersi riconciliata con l’amato, sopraggiunto per stare con lei, dopo aver smascherato il vagabondo che, ubriaco, ostenta il suo bottino. Chiarito l’equivoco i due innamorati possono sposarsi e vivere felici e contenti.

Racconto la trama per intero perché questa è probabilmente l’unica recensione che ne parla. Mi scuso per altro per le incertezza sull’attribuzione di due personaggi, ma è difficile comprendere dal catalogo chi sia chi. Le immagini presenti in rete non aiutano affatto. Ovviamente se qualcuno vuole fare correzioni è il benvenuto. A Tolonc è stato presentato per la prima volta lo scorso anno a Budapest e se bene stia girando per il mondo, sono poche le occasioni per vederlo e poche di capire di cosa parla. Lo stesso Maestro Antonio Coppola, da me sentito prima della proiezione, non sapeva cosa aspettarsi dalla visione. Il catalogo del Cinema Ritrovato non aiutava più di tanto. Forse proprio questo alone di mistero ha reso più piacevole la scoperta del film che fino ad oggi credo sia la migliore scoperta del festival per quanto riguarda il cinema muto. I momenti drammatici e quelli comici sono sapientemente alternati, gli attori, quasi tutti affermati a livelllo teatrale, fanno registrare un’ottima interpretazione. Questo unito all’attenzione con la natura e la tradizione locale già citata a inizio articolo. Film davvero molto bello che mi ha fatto maturare la scelta di esplorare il cinema muto ungherese di cui sinceramente conosco davvero poco. Non sia mai che questo sia l’inizio per un futuro progetto tematico.

Per ulteriori informazioni leggere l’articolo su cinefilia ritrovata