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Irish Destiny – George Dewhurst (1926)
Solo chi mi conosce può sapere quanto ami l’Irlanda e la sua cultura. Sono cresciuto ascoltando musica irlandese di tutti i tipi dalla “purezza” tradizionale dei Chieftains a suoni più punk rock con i Pogues. Mi pareva quindi impossibile non parlare prima o poi di Irish Destiny, il manifesto della filmografia muta irlandese. Le vicende riprendono gli ultimi momenti della guerra di indipendenza irlandese che avrebbe poi portato alla nascita ufficiale dello Stato Libero d’Irlanda.
Denis O’Hara (Paddy Dunne Cullinan) è un ragazzo molto devoto ai genitori (Daisy Campbell – Clifford Pembroke) ma al contempo incapace di vedere la propria patria vittima di ingiustizie da parte dei Britannici. Lascia quindi tutto, compreso la fidanzata Moria Barry (Frances Macnamarra) per fare un’importante consegna per l’IRA. Nonostante riesca ad effettuare la consegna, Denis viene intercettato e ferito gravemente. A casa O’Hara viene data la notizia della sua morte e la madre perde la vista per il dolore. Inutile dire che Denis è in realtà ancora vivo e tornando è in tempo per compiere un’ultima impresa. La sua amata Moria è infatti stata rapita da Gilbert Beecher (Brian Magowan) un produttore illegale di poteen, in combutta con i britannici, che vuole abusare di lei.
Il film mescola la fiction ad immagini di repertorio relative ai giorni dei disordini bellici ed, è evidentemente, una sorta di manifesto propagandistico rivoluzionario. Negli anni successivi alla fine del primo conflitto bellico mondiale con la fine dei grandi imperi e la nascita di tante nazioni indipendenti, questo genere di film iniziarono a nascere e diffondersi come tentativo di legittimare sul grande schermo la propria emancipazione. Irish Destiny ha nella fotografia e nei paesaggi il suo più grande pregio ma non è da sottovalutare neanche l’incredibile scena di corsa a cavallo di Denis partito alla volta di Dublino per consegnare il messaggio al centro di comando dell’IRA. Non banale neanche la mancanza del totale lieto fine, con la riacquisizione della vista da parte della madre che certamente sarebbe stata immancabile in un film americano dell’epoca.
Ritrovato solo nel 1991, il film è stato splendidamente restaurato e corredato di una colonna sonora incredibile commissionata a Mícheál Ó Súilleabháin e che andrebbe ascoltata anche a parte. Se volete scoprire un pezzo di storia dell’Irlanda questo è il film che fa per voi: un’esaltazione del neonato stato fatto da irlandesi per irlandesi e restaurato dalla loro cineteca nazionale con estrema cura.
Settimo cielo (Seventh Heaven) – Frank Borzage (1927)
Nel 1927 vedeva la luce Seventh Heaven di Frank Borzage, un film che sarebbe entrato nella storia del cinema per aver fatto incetta di premi alla prima edizione degli Academy Award portando a casa la statuetta per la migliore regia, miglior attrice protagonista e miglior sceneggiatura non originale. Ma si tratta realmente di un gran film? Prima di tutto 7th Heaven fa parte di un trittico di film in cui ritroviamo la coppia di attori protagonisti Janet Gaynor e Charles Farrell, di cui già vi preannuncio che ci occuperemo. Le vicende si giocano sempre sulla storia d’amore tra i personaggi interpretati tra i due con vicende storiche o meno che fanno da contorno più o meno riuscito. Con questo film siamo in Francia nel 1914 quando la guerra sta per scoppiare:
Chico (Charles Farrell) è un pulitore di fogne che aspira a fare il grande salto diventando netturbino. Diane (Janet Gaynor) è una povera disperata che viene continuamente vessata dalla sorella Nana (Gladys Brockwell), tossicodipendente e violenta. I due sono destini dei due sono destinati a incrociarsi. Un giorno i ricchi zii di Diane vanno a casa di lei e accettano di prenderla assieme alla sorella a patto che dicano di aver vissuto in maniera decorosa. La giovane non riesce a mentire e rivela la dipendenza della sorella facendo perdere la ghiotta occasione di redenzione a entrambe. Al culmine della furia, Nana la insegue per le strade e cerca di ucciderla. Viene salvata proprio da Chico che prima mette in fuga la sua aguzzina e poi, davanti a dei poliziotti, finge di essere il marito di Diane per salvarla dal carcere. Le forze dell’ordine si ripromettono di controllare se i due effettivamente sono sposati e Chico è costretto a portarsi a casa la ragazza per non finire nei guai. Nel frattempo il giovane aveva effettivamente realizzato il suo sogno ottenendo un posto da netturbino grazie all’intercessione di Padre Chevillon (Emile Chautard). Inutile dire che la finta relazione diventerà presto una vera relazione che verrà bruscamente interrotta dallo scoppio della guerra a cui Chico parteciperà come volontario insieme all’amico e collega Gobin (David Butler). A vigilare sulla sua amata ci sarà Papà Boul (Albert Gran) costretto poi a sua volta a partire perché possesore di una macchina sgangherata di nome Eloise. Nella produzione filmica di Borzage ci sono sempre uno o più temi ricorrenti che uniscono i due innamorati. In questo caso è un orario, le 11, durante il quale loro si fermeranno per pensare uno all’altro (anche durante la battaglia…). Vi ricordo che qui siamo soliti fare spoiler, quindi non leggete da ora in poi se non volete sapere la fine della storia. In guerra Chico viene dato per morto e proprio il giorno della fine della guerra Diane riceve la triste notizia. Sarà il colonnello Brissac (Ben Bard) a portarle la notizia proponendole di aiutarla (da tempo le faceva la corte). La ragazza è disperata e non crede alla notizia finché Padre Chevillon non le consegna la medaglietta religiosa simbolo della loro unione. Con un montaggio alternato scopriamo però che la sorte di Chico è stata diversa e, proprio allo scoccare delle 11, si presenterà a casa per abbracciare la sua amata. Come potete immaginare in realtà non era morto ma a causa di un ordigno ha perso la vista, pur affermando che “niente può tenere Chico cieco a lungo” quasi a rassicurare gli spettatori sulla temporaneità della sua condizione (vedi Lucky star).
Sono molto legato alla capacità di Borzage di creare film molto lacrimevoli ma mai eccessivi, con una tenerezza di fondo che ancora oggi riescono a far passare in secondo piano tutte le problematiche del film. 7th Heaven è un film importante per la storia del cinema, come abbiamo visto, eppure è probabilmente il più debole dei tre film Gaynor-Farrell e a livello di trama si regge sulla parte centrale. Nella prima sezione i personaggi sono di un naïve insopportabile: sono i classici buoni talmente buoni da essere stupidi. Nella parte centrale si costruisce l’ingenua ma toccante relazione d’amore tra Diane e Chico, storia d’amore che cresce con l’evolversi dei personaggi ma che al proprio al culmine viene interrotta dall’arrivo della guerra. Qui il film genera con un intermezzo comico di Papa Boul con la sua Eloise in guerra e nell’incapacità di Borzage nel gestire le scene di massa. La costruzione del finale, con gli occhi di oggi, è a mio avviso costruita male: fino a quel momento lo spettatore, così come Diane, è convinto che Chico sia morto e non si aspetta il suo arrivo. Sarebbe stato molto più forte un suo ingresso in scena alle 11 in punto piuttosto che vederlo prima in mezzo alla folla e, con il montaggio alternato, seguirlo in cammino verso casa. Infine l’introduzione della cecità è veramente anticlimatica, perché prima vediamo Chico muoversi tra la folla e sicuro della sua strada e infine scopriamo questa condizione che parrebbe però temporanea in baffo ai veri invalidi. Bisogna dire che la questione dell’invalidità di guerra è toccata perché nella scena finale si intravede un Gobin tornato a casa decisamente malfermo (vedi immagini). Un’altra tematica che non mi ha entusiasmato è quella della religiosità: Chico si professa ateo ma in realtà, ovviamente, “le bon dieu” lo segue sempre e provvede alla sua sopravvivenza. Proprio in fase di partenza per la guerra avviene una sorta di conversione che forse lo aiuterà a sopravvivere. Un piccolo tocco di classe è invece l’utilizzo, da parte degli attori, di alcune parole francesi mentre parlano. Lo si capisce chiaramente dal labiale ed è veramente carino vista l’ambientazione! Inoltre, anche se vedremo picchi nei prossimi due film, Borzage si dimostra abilissimo nel fare riprese in movimento con piani sequenza e non solo. Bellissima è la parte (che vedete parzialmente in gif) in cui i due salgono i sette piani di scale (da qui il settimo cielo) che portano alla casa di Chico con la loro ascesa che viene ripresa dalla cinepresa come se fosse un ascensore (non è una novità, ma è una ripresa davvero ben fatta). Come in tutti i film di Borzage di questo periodo, c’è un generale mood di dolcezza che non raggiunge mai l’eccesso che mi ha lasciato in una strana condizione di spirito, difficile da descrivere, che mi ha tenuto con il sorriso e una lacrimuccia pronta a scendere.
Concludendo questo 7th Heaven è un film gradevole ma ha qualche piccola pecca che non lascia pienamente soddisfatti. La cosa positiva è che, dei tre film che andremo ad analizzare, questo è a mio avviso il meno bello, quindi se ve li gustate in ordine cronologico potrete sicuramente trovare grande piacere dalla visione.
Asfalto (Asphalt) – Joe May (1929)
Oggi parliamo di un grande classico del cinema tedesco, che ha saputo affascinare generazioni di spettatori. Protagonista iconica è Betty Amann, qui nel ruolo di una vamp capace di rompere col il suo fascino anche il più rigido dei poliziotti, interpretato da un Gustav Fröhlich, che forse avrete sentito nominare per essere il Freder di un certo Metropolis (sono ovviamente ironico).
Holt (Gustav Fröhlich), giovane Sergente che porta avanti la tradizione di famiglia, mentre è in servizio si ritrova a dover fermare una ragazza, Elsa (Betty Amann), che ha tentato di rubare dei diamanti in una gioielleria. Holt vuole portarla in commissariato ma si ritrova senza rendersi bene conto in che modo, a casa sua e poi a letto con lei. Distrutto per la vergogna, torna a casa evitando di incontrare lo sguardo dei genitori (Albert Steinrück – Else Heller). Elsa, intanto, non riesce a smettere di pensare a Holt, ma al contempo ha altro a cui pensare: è infatti la compagna del Console Francese Langen (Hans Adalbert Schlettow), in realtà un ladro incredibilmente capace, che dopo aver compiuto un colpo internazionale sta per fare ritorno a casa. Tornerà proprio quando Elsa e Holt si trovano nuovamente insieme. I due uomini iniziano un combattimento furibondo che terminerà con la morte di Langen. Holt andrà quindi dal padre Sergente per costituirsi ma, a sorpresa, Elsa si presenterà in commissariato per svelare le attività malavitose del compagno morto e finendo in carcere. Nel finale Holt promette di aspettarla quando avrà scontato la sua pena.
Asphalt mi ha decisamente colpito perché è uno dei rari casi in cui ho odiato entrambi i personaggi più o meno dall’inizio fino alla fine senza riuscire a smettere di farlo. Eppure nelle primissime fasi il film mi era parso fantastico: c’è un’introduzione con “sinfonia della città” che è qualcosa di splendido a livello visivo, con telecamera in movimento e un montaggio serrato che, uniti a uno splendido restauro, mi hanno fatto sembrare di essere un’epoca ben successiva a quel 1929. Ma Albert e Helse proprio non li reggo! Credo sia voluto ma nessuno dei due riesce mai ad esprimere il suo pieno potenziale: inizialmente è lei che è particolarmente espressiva nel fare l’oca prima per derubare il gioielliere e poi per non farsi portare in carcere, ma appena il gioco della seduzione ha avuto luogo lei diventa la classica vamp mono-espressiva con una gestualità che definire lenta è dire poco. Albert, al contrario, prima è un ceppo di legno, poi diventa un nugolo di gesti inconsulti che sicuramente rappresentano i sentimenti del personaggio ma non mi hanno mai permesso di simpatizzare con lui. La trama è di una povertà imbarazzante ma ci può stare, abbiamo visto di recente con varieté che la trama può essere accessoria, ma qui il ritmo è troppo lento e, lo ripeto per l’ultima volta, i protagonisti non hanno contribuito a farmi apprezzare il film.
1914-1920: i film muti di Mimì Aylmer
Pagine pubblicitarie del film Ri. Ki. Ki. (1917), Cinemagraf, n.1-2, 1917, pp. 12-13.
Quasi certamente il nome di Mimì Aylmer suona sconosciuto ai più. Nome d’arte di Eugenia Spadoni (Roma, 29 maggio 1896 – Bologna, 20 ottobre 1992), attrice prevalentemente di teatro, ma anche di cinema muto e sonoro, scrittrice, cantante e musicista, di Mimì Aylmer abbiamo ben poche fonti, ma da queste possiamo raccogliere informazioni molto importanti che ci fanno capire l’evoluzione di una diva minore nella personale carriera artistica dagli anni Dieci agli anni Cinquanta. Sebbene ricopra ruoli marginali o di spalla nelle pellicole che ci sono giunte, Mimì Aylmer passa dalla commedia al dramma con estrema disinvoltura, complice il fatto che ad Aylmer, del cinema, non importi poi molto. Amante del teatro e dei palchi, prova un profondo fastidio nei confronti della macchina da presa, della ripetizione delle scene e del mezzo comunicativo così diverso da quello teatrale. In poche parole, trova impieghi nel cinema solo per ragioni economiche, soprattutto in mancanza di finanziamenti concreti (Aylmer attraversa e vive due guerre mondiali). Eppure ecco che troviamo Mimì Aylmer diretta da Amleto Palermi, Eleuterio Rodolfi e Ugo Falena nei muti, da Mario Camerini, Baldassarre Negroni e Nunzio Malasomma nei sonori, accompagnata da cast artistici di tutto rispetto. La storia del cinema parte proprio da pochi titoli che abbiamo da cui si possono trarre tantissime informazioni e curiosità, titoli nel nostro caso, naturalmente, muti. Tutti i film risultano irreperibili e sfortunatamente perduti.
Questa lista di film ha preso forma grazie allo studio del romanzo autobiografico di Mimì Aylmer (Eugenia Spadoni, 1896-1992) Il Romanzo della mia vita (Milano, Gastaldi, 1966) e grazie alle ricerche svoltesi nell’inverno a cavallo tra il 2019 e il 2020 al fondo Mimì Aylmer della Casa di Riposo “Lyda Borelli” per Artisti Drammatici Italiani di Bologna. Un progetto più ampio sul fondo Aylmer, sui film dell’attrice e sulla sua biografia ha visto la luce nella mia tesi di laurea magistrale in Metodologia della Ricerca sui Media Audiovisivi L’archivio di Mimì Aylmer presso la Fondazione Casa di Riposo “Lyda Borelli” di Bologna, seguita dai proff. Michele Canosa e Paolo Noto.
1914: Colei che tutto soffre (Amleto Palermi, Film Artistica Gloria, Torino). La pellicola segna il debutto al cinema di Mimì Aylmer sotto la direzione di Amleto Palermi. Aylmer viene contattata da Mario Caserini nel 1913 che le propone un provino cinematografico presso gli stabilimenti torinesi della Film Artistica Gloria, dopo averla vista in uno spettacolo teatrale a Roma. Con la partecipazione di Mario Bonnard e Maria Caserini-Gasparini, si tratta di un dramma passionale. Marcello (Bonnard), Duca di Santelmo, ha sperperato tutti i suoi averi per una donna (Aylmer) e raggiunge l’apice della passione quando si ritrova a duellare con un rivale. Sconfitto e ferito, cade in disgrazia e in povertà, arrivando alla sofferta decisione di partire per l’America insieme alla madre (Caserini-Gasparini). Spettatrice di tutte queste disgrazie è proprio quest’ultima, che, una volta attraversato l’oceano, inizia a gestire un ranch, trovandosi giorno per giorno a difendere la propria vita dagli attacchi dei cowboy. Frattanto, Marcello non ha perduto il vizio di cacciarsi in guai di natura amorosa e viene arrestato per aver ucciso un membro della banda del cowboy. Marcello, per conto della legge della prateria, deve essere giustiziato. Ma il sacrificio della madre, che accetta di sottostare ai i desideri del capo-banda riuscendo così a liberare il povero figlio, pone la parola fine alle grandi sofferenze di un uomo e di una madre: si toglie la vita per non essere presa e perdere il suo onore.
1917: Quando nacque la vita…il dolore la uccise! (Regista ignoto, M.I.C.A., luogo di produzione sconosciuto). Nulla o poco più si sa di Quando nacque la vita…il dolore la uccise!. Il film è stato scoperto da Vittorio Martinelli, grazie ad una lettera indirizzata ad Aylmer, nella quale chiede informazioni circa la filmografia muta integrale dell’attrice. Della casa di produzione M.I.C.A. si conosce solo un’altra pellicola dal titolo Due mamme del 1917.
1917: Ri. Ki. Ki. (Eleuterio Rodolfi, Jupiter Films, Torino). Ampiamente pubblicizzato dalle riviste di settore, Ri. Ki. Ki. viene menzionato nel romanzo autobiografico di Aylmer sotto il nome di Richichich et Nounounch, trattasi quasi certamente dei buffi nomi dei protagonisti maschili, due perdigiorno che decidono di migliorare le loro vite e trovare due ragazze con cui passare il resto dei loro giorni. Il film appare spesso coi titoli alternativi Rikiki o Ki Ki Ki e vede la partecipazione di Jolande Joldy e di Eleuterio Rodolfi.
1920: Il Trittico dell’amore (Ugo Falena, Bernini Film, Roma). Si tratta di una “fantasia” in tre novelle (Come si amò; Come si amava; Come si ama) ambientate in tre epoche diverse: a fine Settecento, nella seconda metà dell’Ottocento e negli anni Dieci del Novecento. Mimì Aylmer veste in abiti maschili e viene affiancata dalle attrici Silvia Malinverni e Maria Melato; il lungometraggio di Falena viene riportato più volte nel romanzo e negli album del fondo fotografico con il nome di Cupido, probabile titolo alternativo comunicato alla troupe, poi cambiato per volere della Bernini Film.
Potenziali partecipazioni a film muti mai realizzati o a cui Mimì Aylmer non prende parte.
1922: Glauco (Leopoldo Carlucci, Compagnia Grandi Edizioni Cinematografiche – De Palma & C., Milano). Questo film sembra essere stato effettivamente girato a Catania (con molta probabilità solo qualche scena), ma ad oggi non risulta una prima visione, tantomeno un visto di censura, e se ne trova traccia solo grazie ad un contratto di lavoro del 23 febbraio 1922 conservato presso l’archivio personale dell’attrice. Aylmer riceve tale lettera dattiloscritta da G. De Palma per l’interpretazione di Scilla nella trasposizione cinematografica dell’opera teatrale Glauco (1919) di Ercole Luigi Morselli. La direzione artistica è affidata a Leopoldo Carlucci, già regista di Teodora (Ambrosio-Zanotta, 1922); non si conosce il cast artistico, tantomeno il cast tecnico del film. Il contratto di lavoro viene poi scisso cinque giorni dopo, firmato da Aylmer stessa e da Armando Zanotta, titolare delle Officine Meccaniche Zanotta di Milano. Si deduce quindi che la Compagnia Grandi Edizioni Cinematografiche di Milano di cui ad oggi non si hanno notizie, sia una piccola casa di produzione appartenente alla società Zanotta, negli stessi anni, tra l’altro, affiliata alla Ambrosio di Torino. Due anni dopo, nel 1924, le “cattive condizioni” delle innumerevoli case di produzione milanesi, decretano il fallimento della Ambrosio e, conseguentemente, delle società ad essa collegate.
1927: Il Carnevale di Venezia (Mario Almirante, Società Anonima Stefano Pittaluga, Torino). Per questo film, abbiamo un telegramma inviato a Mimì Aylmer direttamente da Mario Almirante il 5 luglio 1927. Alcuni passaggi del telegramma lasciano ipotizzare il fatto che il film proposto da Almirante sia Il Carnevale di Venezia. Ad esempio, Almirante riporta il nome della Ditta Pittaluga e il periodo in cui Aymer dovrà assicurare l’impegno lavorativo, cioè tra il 15 luglio e il 15 settembre 1927. La pellicola così come ci è giunta ha come prima visione romana il 2 gennaio 1928 e come visto di censura 23904 del 31 dicembre 1927 approvato con riserva. Il film viene quindi plausibilmente prodotto e girato tra l’estate e l’autunno del 1927. La location inoltre, come riporta il telegramma, comprende gli stabilimenti Pittaluga di Torino, Venezia e Montecarlo. Il “ruolo importantissimo” citato da Almirante si riferisce probabilmente a quello della protagonista Graziella Morosin, poi andato a Maria Jacobini, rientrata in Italia dopo un periodo in Germania in cui partecipa a film molto popolari. Un ulteriore indizio ci viene fornito dal romanzo in un capitolo ambientato all’incirca a metà del 1927, in cui il fidanzato di Aylmer le domanda per quale motivo non si trovi a Montecarlo (“- Va bene! Ma ditemi come mai siete qua, avevo letto che eravate in vacanza, e vi credevo a Montecarlo”. “- Macché, dovevo andarvi, ma prima avevo da fare un salto a Viareggio. Per via della Citroen, che si era guastata vicino a Pavia, siamo qua, bloccati e appiedati”). Si può quindi presumere che Mimì Aylmer abbia dapprima accettato l’incarico e poi lo abbia rifiutato all’ultimo minuto.
Fotografia di scena del film Il trittico dell’amore (1920), BALB, Archivio fotografico di Mimì Aylmer, album, ALB.FMA.2743.
Pagina pubblicitaria delle produzioni della Bernini Film, tra cui Il trittico dell’amore (1920), Film, n.36, 25 novembre 1919, p.6.
Fonti:
Mimy Aylmer, Il Romanzo della mia vita, Milano, Gastaldi, 1966.
Alessia Carcaterra, L’archivio di Mimì Aylmer presso la Fondazione Casa di Riposo “Lyda Borelli” di Bologna, 2020. Tesi di laurea magistrale in Metodologia della Ricerca sui Media Audiovisivi, relatore prof. Michele Canosa, correlatore prof. Paolo Noto, Alma Mater Studiorum – Università di Bologna, a.a. 2018-2019.
Melchiad Koloman – Rudolf Liebscher (1920)
Quale miglior modo per unire il progetto dei film cechi e slovacchi con quello di fantascienza se non con una bella monnezza? Questo Melchiad Koloman è veramente molto molto brutto e il fatto di detenere il prima di prima produzione cinematografica fantascientifica in terra ceca non servirà certo a riabilitarlo.
Ci sono un ceco, un giapponese e un indiano che…no, sul serio, giuro che ci sono davvero! Il Professor Dobner (František Čekanský) è alla disperata ricerca del segreto di Melchiad Koloman (Josef Javorčák), un uomo capace di trovare il segreto della pietra filosofale poco prima di essere ucciso. Con l’aiuto del giapponese Nakahito (Vojtěch Záhořík) e del fachiro Arkaj (Josef Hořánek) cercherà di riportarlo in vita usando il giovane Marcel (Rudolf Liebscher) come cavia. Quest’ultimo farà in tempo ad iniziare una storia d’amore con Vlasta (Táňa Horská), la figlia di Dobner ,prima che l’esperimento abbia inizio. Il gran giorno il fachiro riesce a riportare in vita Koloman con l’aiuto anche di strani macchinari elettrici inventati da Dobner. Koloman scrive la formula ma scompare armeggiando con le macchine di cui sopra; Nakahito tenta prima di avvelenare Dobner e poi a seguito dei danni provocati da Koloman muore in un incendio che distrugge e rende inaccessibile il laboratorio. Dobner si ritrova così nuovamente senza pietra filosofale ma diventerà nonno con la figlia felice dopo il matrimonio con Marcel.
Il film è veramente acerbo sia dal punto di vista della macchiettistica trama che per quanto riguarda la fotografia. La telecamera è statica, a volte decentrata, alterna primissimi piani a riprese in cui i personaggi sono eccessivamente lontani dalla stessa. Non credo sia un caso che questo sia stato il primo e unico film di Rudolf Liebscher. Ho davvero poco altro da dire, se non fosse per le mie manie di completismo me lo sarei volentieri evitato. Melchiad Koloman è un inno al mio masochismo.
Cinema e cultura nel modernismo statunitense: Theda Bara e Louise Brooks parte 3 (di 3)
Si conclude l’articolo in tre parti con questa terza parte. Se volete recuperare le parti precedenti potete cliccare qui: parte 1 – parte 2.
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Capitolo 3. Charleston e disinibizione: Louise Brooks
Arriviamo 
finalmente al periodo del grande cambiamento culturale negli Stati Uniti d’America: gli anni Venti. Nel 1920 esce nelle sale Gli zaffiri di Kim, diretto da Alan Crosland. Si tratta del primo lungometraggio a ritrarre una nuova tipologia di donna che piano piano si stava affermando nello scenario socio-culturale degli Stati Uniti a cavallo tra la fine degli anni Dieci e l’avvento degli anni Venti. Come suggerisce il titolo originale della pellicola, la nuova donna viene definita flapper.[1] Cosa significa flapper? Il verbo to flap denota irrequietezza: agitare, agitarsi, colpire, battere, dondolare; addirittura volare via, to flap away.
In particolare, una vera flapper, sembra avere queste caratteristiche ben definite:
– Ballerina indipendente di charleston.
– Fumatrice, alla pari degli uomini.
– Dedita al consumo di alcool.
– Disinvoltura e libertà sessuale.
– Taglio di capelli “alla maschietta” o bob haircut.
– Superamento definitivo dei costumi e degli abiti ottocenteschi “proibitivi”.
La flapper girl, ispirata da una novella di Francis Scott Fitzgerald, This side of Paradise, si distingue per la gioventù, l’indipendenza, la capricciosa volubilità e fiducia nel futuro nonché per l’assenza delle tradizionali virtù femminili (quali la fedeltà) e, nel tipo fisico, per una figura snella e quasi da ragazzo sottolineata dal corto taglio di capelli acconciati a caschetto. Guarda caso, il carattere irriducibile e disinibito fa della Brooks il prototipo perfetto della ragazza flapper, caratteristica che riuscirà a trasferire nelle prime commedie della propria carriera cinematografica. Louise Brooks, quindi, si inserisce perfettamente in questo contesto sociale e anti-convenzionale.
In principio, fu sua madre ad iniziarla verso la sua passione principale, la danza: una passione così forte da spingerla ad abbandonare il liceo per fuggire a New York, dove studia alla scuola di ballo Denishawn con compagne di corso dal calibro di Marta Graham.[2] In poco tempo, Louise Brooks divenne una “It girl” dei roaring twenties, insieme ad altre stelle nascenti come Coleen Moore, Clara Bow o Joan Crawford.[3]
Vale la pena rimarcare, come questo atteggiamento sociale ribalti, anche qui, le norme culturali dell’ormai dimenticato periodo vittoriano.
“ ‘It’ was the Jazz Age term for sex appeal or animal magnetism coined by British novelist Elinor Glyn.[4] The It Girl was a dynamo of impulses, or what Fitzgerald, the unofficial spokesman for the Jazz Age, described as a young thing with a splendid talent for life. She also became synonymous with the flapper’s disregard for convention. With her modern look and her free-spirited personality, Louise Brooks certainly hit the bill. She also had the attitude. She boasted that she and her peers were “inhumane executioners of the bogus” who confronted the ‘ugly” and the ‘abhorrent’ head-on. They had introduced into what was able of polite society a full spectrum of slang. […] They eliminated words overused by their Victorian predecessors, such as ‘sacred,’ “sacrifice’ and ‘soul’. Louise also acquired a very jazzy moniker, ‘hellcat’ and often referred to herself as a ‘startling little barbarian’.”[5]
Adotterà poi il canonico taglio “alla maschietta” o bob haircut che diventerà il suo marchio di fabbrica, stravolgendo gli standard estetici di qualche anno prima.
“a generational gap began to form between the new woman of the twenties and the older generations of women who were constrained by rigid social norms. Less enclosed by the rigid conventions of bizarre Victorian standards, the new woman had a greater freedom to obtain public recognition in various fields”.[6]
Anche molti suoi contemporanei denunciarono atteggiamenti comportamentali fuori dalle righe.
“Molto bella, straordinariamente fotogenica, sarebbe stata un’ottima attrice se non avesse avuto il vizio di bere. Non faceva che inghiottire cognac e champagne. La sua ubriachezza cominciava alle quattro del mattino […] Dormiva sempre […] si svegliava solo per girare la scena; dopodiché tornava a bere e si rimetteva a dormire. Era l’amante di un barman. Il giorno in cui dovevamo fare l’ultima scena, sparì di scena. Fu necessario affidarsi alla polizia, che la trovò in un castello, naturalmente ubriaca.”[7]
“As Brooks recalls, contemporary critics complained that her performance was an utter blank: ‘Louise Brooks cannot act. She does not suffer. She does nothing.’ But, this was precisely the point. Frank Wedekind, the dramatist who created the character in the 1890s, had said: ‘Lulu is not a real character but the personification of primitive sexuality, who inspires evil unawares. She plays a purely passive role.’ Other actresses had played Lulu, and other artists had told her story (most notably Allan Berg, who wrote his great opera during the same year that Pabst directed Brooks in Pandora’s Box). No one, however, had followed Wedekind’s conception so closely as Pabst, who also conceived of her as a woman completely unaffected by a sense of sin.”[8]
3.1 Il Vaso di Pandora (1929)
Dati tecnici.
Titolo: Il Vaso di Pandora
Titolo originale: Die Büchse der Pandora
Regia: Georg Wilhelm Pabst
Paese e casa di produzione: Germania, Berlino: Nero-Film AG
Anno: 1929
Cast: Louise Brooks, Fritz Kortner, Franz Lederer, Carl Goetz
Lulù, è una fioraia ambulante, giovane e bella, innocente, ma dai gusti perversi, figlia di un mendicante, che intrattiene rapporti altalenanti con diversi uomini: lo speculatore borghese Schön, l’atleta e saltimbanco Rodrigo e con il giovane figlio di Schön, Schilgoch. Tutti si invaghiscono di Lulù a causa della sua ambiguità, e gli uomini che si imbattono in lei vi riconoscono le falsità delle loro vite e la propria perdizione. In seguito a drammatiche disavventure, la vita sempre in fuga di Lulù avrà fine a Londra dove, ridotta ad adescare clienti per strada, viene uccisa da Jack lo Squartatore.
Coevo a La Canarina assassinata, Il vaso di Pandora, liberamente ispirato all’opera di Franz Wedekind, rappresenta il primo momento della collaborazione fra il regista austriaco Georg Wilhelm Pabst e Louise Brooks. Narrano le cronache che come protagonista fosse stata in un primo momento scelta Marlene Dietrich, che venne però scartata a favore di una più giovane e affascinante Brooks. L’attrice ricordò che quando le venne presentato il copione quasi non si rese conto di come il personaggio che doveva interpretare rappresentasse nel modo più completo la sua personalità. Proprio questa capacità di raffigurare nel modo più profondo la complessa personalità di Lulu risultò la carta vincente che fece del film un’opera mirabile. Il film fu oggetto di scandalo, scioccò il pubblico per la storia immorale riguardo una prostituta che trae benefici dalle sue prestazioni e suscitò polemiche anche per il tema dell’omosessualità e della ninfomania. A causa di questi elementi ritenuti scabrosi, alcuni paesi apportarono modifiche al metraggio. Ad esempio, nel Regno Unito, il personaggio della contessa Geschwitz che intrattiene una relazione con Lulu, venne completamente eliminato, negli Stati Uniti il finale venne sostituito totalmente e in Francia Alwa Schön, figlio di Ludwig, ne diviene il segretario, scatenando l’effetto contrario, in quanto molti videro nei due un rapporto omosessuale.[9]
Lulu rappresenta davvero lo spirito della terra, un erotismo immediato, elementale, fuori dalla società e dalla storia; in Lulu tutti si perdono poiché il suo istinto non conosce mascheramenti o valori, e gli uomini che si imbattono in lei, che in essi e per essi vivono, riconosceranno in Lulu la falsità della vita normale e la propria perdizione.
Nel film, che procede per quadri descrittivi, per slanci improvvisi, le istituzioni vengono necessariamente svelate nella loro menzogna, dall’arte (il teatro, la rivista) al matrimonio, dal mondo degli affari (rappresentato da Schön) alla Giustizia (nella scena del processo), dalla putrescenza dell’aristocrazia all’ ipocrita filantropia dell’Esercito della Salvezza sino alla perversione.
Se storicamente il film decifra il disagio della Germania pre-nazista, esso può venir letto come uno scontro tra una civiltà che mente a se stessa per sopravvivere e la vera ed aspra natura umana.
Concludiamo con una citazione di Paolo Mereghetti tratta dal dizionario dei film del 2002.
“[…] Lulu è soprattutto il trionfo della bellezza di Louise Brooks […]. Un viso bianco e perfetto, inquadrato dal caschetto di capelli neri, e una recitazione capace di farla passare attraverso le prove più umilianti con una sconvolgente capacità di restare pulita, scatenarono la fantasia del pubblico: ‘incarnazione libertaria e anarchica dell’amour fou e della rivolta senza compromessi contro la società, femminista ante litteram e insieme eroina di un melodramma incandescente vittima degli uomini e di una morale in putrefazione. Lulu/Brooks divenne l’indimenticabile protagonista di una danza, letteraria e metafisica insieme, tra l’amore e la morte’ […].”[10]
Conclusioni
In questo e nei precedenti due articoli si è cercato di dare spazio e immagine a Theda Bara e Louise Brooks che, nella loro diversità artistica, hanno avuto un posto nella storia della cultura nordamericana, in decenni differenti e nell’interpretazione di pellicole di genere diverso l’una dall’altra.
Se Theda Bara ha saputo ricoprire il ruolo di “prima vamp della storia del cinema”, ricoprendo stili recitativi ed interpretativi iconici, Louise Brooks appartiene al periodo della storia del cinema che molto si discosta dagli ultimi anni del decennio 1910-1919.
Si è cercato di inserire queste due personalità intrise in un’aura di divismo in un contesto totalmente innovativo nella storia e nella cultura statunitense dei primi due decenni del Ventesimo secolo. Gli anni Dieci proposero un modello di donna cinematografica ancora abbastanza simile ai canoni costumistici dell’Ottocento, ma con una morale ed un’etica appartenenti a donne seduttrici e perverse.
Dall’altro lato, a partire dagli anni Venti, la donna sullo schermo acquisisce sempre di più una certa carica sessuale esplicita, sia privata che cinematografica, complice il taglio di capelli “alla maschietta”, la libertà nel consumo di alcool, la disinibizione nei luoghi pubblici e di svago e i ruoli cinematografici ambigui.
[1] In particolar modo, il termine fu coniato da figure di spicco come F. Scott Fitzgerald o Anita Loos e definito come “A lovely girl, expensive, and about nineteen”. Isabel María García Conesa, Antonio Daniel Juan Rubio, American Women and Leisure in the 1920s, Murcia, Centro Universitario de la Defensa San Javier, 2013, p.156.
[2] Louise Brooks, Lulu a Hollywood, Milano, Ubulibri, 1984, pp. 5-7.
[3] Kristine Somerville, The Thoroughly Modern World of Louise Brooks, The Missouri Review, Volume 35, Number 3, Fall 2012, p.113.
[4] Un’ipotetica traduzione italiana potrebbe essere “Quel certo non so che”.
[5] Kristine Somerville, The Thoroughly Modern World of Louise Brooks, p.114.
[6] Ibidem, p.155.
[7] http://xoomer.virgilio.it/louisebrooks/giudizi.htm.
[8] Donald McNamara, Louise Brooks, Lulu in Rochester: Self-Portrait of an Anti-Star, The Missouri Review, vol.6, n.3, summer 1983, p.65.
[9] https://www.enquire.it/2012/06/16/louise-brooks-cinema-muto.
[10] Paolo Mereghetti, Dizionario dei film 2002, Baldini e Castoldi, 2001.
Corti fantascientifici
Come di consueto procediamo con i nostri aggiornamenti fantascientifici che questa volta riguardano tre cortometraggi di varia natura.
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– Rêve à la Lune AKA L’amant de la Lune – Ferdinand Zecca & Gastón Velle (1905)
Questo primo, in ordine cronologico, corto ritrovato è anche il più brutto dei tre. Un uomo ubriaco sogna di andare nella luna (proprio dentro la sua bocca), ma quando si sveglia capisce che si tratta di un sogno e se la prende con l’orologio a pendolo.
Complice l’orrida qualità del video che ho potuto visionare, Rêve à la Lune mi è sembrata una comica scarsa e poco innovativa. Da Zecca mi sarei aspettato qualcosina in più.
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– Le Voyage sur Jupiter – Segundo de Chomón (1909)
Questo corto di Segundo de Chomón non è certamente originalissimo nella trama, troviamo il solito personaggio dall’aspetto principesco che assieme ai suoi collaboratori scruta gli astri e, nel sonno, immagina di raggiungerli. Verrà svegliato bruscamente quando il sogno si trasformerà in un incubo…
Se la trama non è certo fantastica lo scopo del regista risce ancora a fare centro: grazie a una splendida copia a colori, restaurata a fine anni ’90 dalla cineteca di Bologna, è possibile ancora rimanere stupiti dalla bellezza delle immagini e delle trovate buffe che de Chomón mette in atto. Capiamoci bene, siamo il 1909, un po’ fuori tempo massimo per filmati del genere, ma nonostante tutto il corto è gradevole.
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– Pirates of 1920 – David Aylott & A.E. Coleby (1911)
Con largo anticipo rispetto al nostro Filibus e rendendo più complessi gli esperimenti dei vari Destroyer di Booth, in Gran Bretagna vedeva la luce questo interessante Pirates of 1920, che giunge a noi in condizioni assolutamente perfette. Un gruppo di pirati dell’aria attacca una nave e ne ruba i tesori per poi distruggerla. L’eroico Jack Manley ne approfitta per salire a bordo del dirigibile da cui viene fatto scendere con la forza. Riuscendosi miracolosamente a salvare, il giovane corre ad avvertire la polizia. Ma i pirati dell’aria non perdono tempo e compiono un’altra malefatta rapendo la giovane Marie Thompson. Questa riesce prima ad avvertire le forze dell’ordine gettando dal dirigibile un messaggio a un poliziotto, e poi a prendere una bomba a mano che minaccia di far esplendere se i malfattori non faranno atterrare il velivolo. Una volta giunti a terra, però, la banda inizia a inseguirla e qui si interrompe la pellicola lasciando però presagire un intervento tempestivo con vittoria da parte di Jack e dei poliziotti.
Nel corto, che secondo i dati doveva durare 15 minuti, ci sono alcune trovate carine e in generale l’ho trovato piuttosto ben fatto nonostante ci siano alcune ingenuità e i personaggi siano molto macchiettistici (ma cavolo, è un corto del 1911!). La versione che vedete qui sotto ha evidentemente problemi di framerate e vi consiglio di velocizzarla leggermente.
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Cinema e cultura nel modernismo statunitense: Theda Bara e Louise Brooks parte 2 (di 3)
Proseguiamo con la seconda parte dell’articolo scritto da Alessia Carcaterra. Se volete recuperare la prima parte potete cliccare qui.
Buona lettura!
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Capitolo 2. La ragazza di Cincinnati: Theda Bara
Gli anni Dieci furono gli anni in cui le donne si affermarono sul grande schermo. Fino a quel momento, salvo rare eccezioni, erano state figure di sfondo, e raramente i nomi delle attrici apparivano nei cartelli dei titoli di testa. Le cose iniziarono a cambiare quando il cinema iniziò a rispecchiare i mutamenti che stavano avvenendo nella società: ecco dunque apparire un lungo ciclo di serial di successo, nei quali, al centro dell’azione, non vi era più un maschio aitante (o almeno, non solo), ma una donna spregiudicata e intraprendente, dotata di senso dell’avventura. La più celebre, in principio, fu Pauline interpretata da Pearl White.[1] In parallelo, vi fu l’ascesa irrefrenabile della “fidanzatina d’America” Mary Pickford, con una galleria di personaggi ancora riconoscenti verso la narrativa ottocentesca e dickensiana, ravvivati però da una certa vivacità e simpatia: più avanti la fama della Pickford e le sue indubbie capacità da imprenditrice furono tali da costringere l’industria del cinema a riconsiderare il ruolo (anche contrattuale) della donna. Per quanto riguarda, invece, la figura della donna legata alla sessualità e alla trasgressione, il cinema statunitense guardava oltreoceano: in Danimarca, ad esempio, c’era Asta Nielsen[2] con le sue pellicole intrise di erotismo, realismo e modernità che mettevano in primo piano i desideri e la vita sessuale di una donna. Oppure in Italia con le sue dive peccatrici disposte a tutto per la passione.[3] Ma quando decideva di giocare in casa, il cinema statunitense lo faceva creando figure mitiche ed esotiche, sensazionali e leggendarie, delle “attrazioni” come avveniva pochi anni prima quando nei nickelodeon le sale cinematografiche vi erano ancora spettacoli affini al teatro di vaudeville. Una di queste nuove e innovative attrazioni esotiche fu proprio Theda Bara.[4]
L’immagine di Theda Bara, dai lunghi capelli neri, gli occhi vagamente assonnati evidenziati da un trucco pesante, vestita con veli e pelli di animale, colpì il pubblico: quasi come se fosse un essere mitologico, una donna proveniente da un’altra dimensione.[5] Theda Bara fu una star in un periodo in cui fatti e fantasie circa le personalità dello spettacolo venivano mescolati e confusi come d’abitudine dagli agenti e dalla stampa. Nel momento in cui gli storici se ne interessarono, era troppo. Theda Bara e i suoi più stretti collaboratori non erano quasi più in grado di separare gli eventi reali dalle invenzioni. Di fatto, furono inventate moltissime storie a proposito del suo debutto al cinematografo e sostanzialmente non si riusciva più a distinguere realtà dalla fantasia. Theodosia Goodman era davvero nata in Africa da padre arabo? Era stata concepita sulle sponde del Nilo? Da dove veniva davvero?[6]
La realtà supera la leggenda, poiché fu a New York che avvenne il debutto cinematografico di questa donna di trent’anni proveniente da Cincinnati, Ohio. Lanciata dallo stesso William Fox, le venne coniato appositamente il nome d’arte Theda Bara (artisticamente come anagramma di “Arab Death”, morte araba; meno fantasiosamente “Theda” era il diminutivo di Theodosia”, mentre “Bara” era la contrazione del cognome del nonno materno François Baranger de Coppet), a detta del produttore “più esotico e adatto alla figura di Theodosia”.[7] Sin da adolescente aveva una sfrenata passione per il teatro e per la lettura di libri. Conclusi gli studi con successo alla Walnut Hills School, nel 1903[8] prese una decisione importante per quell’epoca, ovvero tingersi i capelli biondi naturali di nero, scelta di stile e di estetica che si rivelò sicuramente azzeccatissima e fondamentale per la sua futura carriera. Durante i due anni in cui frequentò l’università di Cincinnati, iniziò ad avvicinarsi al mondo della recitazione lavorando per alcune produzioni teatrali.[9]
Viene anche soprannominata, in virtù della sua misteriosa nascita, “Serpent of the Nile”. Bara ha ventisette anni e conquistarsi un ruolo da protagonista, solitamente riservato alle giovani attrici, è alquanto insolito. La Fox Film Corporation non è ancora un vero e proprio studio, ingaggiare una sconosciuta è una scommessa certamente meno azzardata dell’assumere qualche attore famoso particolarmente esoso nei compensi.[10] I produttori le cuciono addosso l’immagine di donna perversa, spudorata tentatrice,[11] che si compiace nel rendere sottomessi gli uomini, usandoli e lasciandoli appena la devozione è esasperata. Perfino le riviste specializzate la etichettano come “Queen of Vampires”, “The Wickedest Woman in the World”, “Purgatory’s Ivory Angel”, “The Devil’s Handmaiden”. Theda oramai vamp viene pubblicizzata con esotici e sensuali abiti egizi, attorniata da ragnatele e serpenti, incessantemente distesa su pelli di animali, carica di bigiotteria. Le campagne pubblicitarie la ritraggono semi nuda accanto a scheletri, uomini-prede divorati dalla femme fatale dominatrice.[12]
Ad oggi non è più possibile fruire delle produzioni a cui Theda Bara lavorò: nel 1937 un incendio alla Fox nel New Jersey ha distrutto la maggior parte dei suoi film girati con pellicole in nitrato di cellulosa, altamente infiammabili; delle 40 pellicole girate da Bara fra il 1914 e il 1926 ne rimangono complete solo quattro:
– The Stain 1914.
– La Vampira 1915.
– East Lynne 1916.
– The Unchastened Woman 1925.
Frequentemente, la vita privata di Bara non riscontrava quasi mai una verità certa; quello che è sicuro, però, è l’accostamento che si provava a fare nei confronti dell’attrice con Sarah Bernhardt: entrambe sembravano violare i canoni vittoriani della donna spirituale e sacrificata.
“Bernhardt was ‘The Divine Sarah’; Bara became ‘The Divine Theda’. In interviews, Bara claimed that she, too, was a veteran of the French stage, and had even been ‘trained’ by Bernhardt when she was in Paris, where Isadora Duncan also taught her how to walk in the ‘serpentine fashion’. In reality, Bara had never been to France, let alone met Bernhardt — but the association was complete. As film scholar Gaylyn Studlar points out, “Bernhardt’s performances, like Bara’s, violated the dearly held Victorian belief that women were primarily spiritual rather than sexual or physical beings.”[13]
Altrettanto spesso, su tende a sottolineare come Bara sarebbe la prima sex-simbol e donna vampiro del cinema. Theda Bara non era la prima vampyr dello schermo, per cui si intende una specie specifica di femme fatale che attirava gli uomini sposati in sordidi affari e poi li lasciava senza un soldo, ricoperti di vergogna e talvolta persino mezzi agonizzanti o morti. Ma fu lei a far entrare questo termine nell’accezione linguistica comune. Ha creato anche un verbo: vampirizzare, riferito soprattutto alle donne comuni che temevano che i loro mariti fossero vampirizzati.[14]
Ciò è tendenzialmente vero, se si pensa al primo ruolo sotto il nome d’arte ufficiale e il tipo di donna che dovette interpretare in La Vampira: donna fatale e seduttrice che porta ad un’imponente distruzione del sesso opposto, vittima della carica seduttiva e malvagia che la donna incarnava in sé. Eppure, poco prima, giusto un paio d’anni vi fu in Europa un’altra presenza femminile e fatale che rubava ai ricchi per donare ai buoni: l’altra “Vampira” Musidora, donna perversa che apparve nei panni di Irma Vep nei primi serial francesi di Louis Feuillade dedicati alla banda dei Vampiri e ai misteriosi casi di omicidio che il reporter Guérande doveva risolvere per riportare la giustizia nel cuore di Parigi.[15]
Nonostante l’enorme popolarità, dopo il 1919 la Fox non rinnovò il contratto, poiché l’industria cinematografica si stava muovendo verso un’immagine più “pulita” di sessualità, lasciando spazio ad un personaggio femminile “alla maschietta” simbolo dell’età del jazz. Naturalmente le donne seduttrici sarebbero abbondate negli anni a venire, ma senza quella carica di mistero che aveva definito i ruoli leggendari e peccaminosi che interpretò Theda Bara. Dopo il 1920 Bara interpretò solo altri due film, nel 1925, con The Unchastened Woman e nel 1926 con Madame Mystery.
Nella sua carriera, che si concluse nel 1926, girò oltre 40 pellicole, in poco più di dieci anni e si ritirò a vita privata con il marito, il regista inglese Charles J. Brabin, sposato nel 1921.[16]
3.1 La Vampira (1915)
Dati tecnici.
Titolo: La Vampira
Titolo originale: A Fool There Was
Regia: Frank Powell
Paese e casa di produzione: Stati Uniti d’America, William Fox Vaudeville Company.
Anno: 1915
Cast: Edward José, Theda Bara, May Allison, Clifford Bruce
John Schuyler (Edward José) è un uomo agiato, padre di famiglia amoroso e devoto, ma, quando viene inviato in Inghilterra in missione diplomatica, incontra sulla nave una donna misteriosa e seducente (Theda Bara) che abbandona i suoi amanti dopo aver distrutto le loro vite. Costei, che ha raccolto informazioni su di lui, si è imbarcata appositamente per sedurlo. E riesce nel suo intento. Anziché rimanere un solo mese a Londra, Schuyler trascorre mesi interi con lei in Italia, abbandonando la famiglia e rovinandosi infine la carriera, nonostante gli sforzi della moglie (Mabel Frenyear), della sorella di lei (May Allison) e del suo più caro amico, Tom (Clifford Bruce) per salvarlo dalle grinfie della “vampira”. Tornato in America, morirà solo, distrutto dall’alcool e abbandonato dalla sua crudele amante.[17]
Due anni prima del kolossal andato perduto Cleopatra (1917), Theda Bara gira con Frank Powell l’omonimo lungometraggio tratto da un poema di Rdyard Kipling, A Fool there was che compare anche nel primo cartello del film.
A Fool there was and he made his prayer
(Even as you and I.)
To a rag and a bone and a hank of hair
(We called her the woman who did not care)
But the fool he called her his lady fair
(Even as you and I.)[18]
Traducibile come:
C’era un pazzo che pregava
(Come me e come voi)
Stracci, ossa e un ciuffo di capelli
(La chiameremo la donna senza scrupoli).
Ma il pazzo, lui la chiamava la sua bella signora
(come me e come voi).
Degno di nota è il fatto che in A Fool There Was la città (la New York modernista?) ha un ruolo dirimente, quale luogo di dissoluzione e di opulenza, scrigno occluso di nefandezze e piaceri, visione apocalittica in cui un Male manipolatore, il vampiro proveniente da sottoterra, trasforma gli esseri umani in burattini soggiogati al suo volere e li lega a lui attraverso fili invisibili che ne inibiscono la volontà, obbligandoli a mettersi al suo servizio. Una distruzione netta di tutti quei valori morali di equilibrio e compostezza dell’età vittoriana. Già con A Fool There Was, questi valori, non esistono più.
[1] Monica Dall’Asta, Trame spezzate. Archeologia del film seriale, Recco, Le Mani, 2009, p.35.
[2] Julie Allen, “Asta Nielsen”, https://wfpp.columbia.edu/pioneer/asta-nielsen-2/.
[3] Aldo Bernardini, Cinema muto italiano: protagonisti, Bologna, Cineteca di Bologna, 2018, p.59.
[4] Vittorio Renzi, “A Fool There Was”, 10/02/2019 https://garden-of-silence.com/2019/02/10/a-fool-there-was-1915.
[5] Madeleine Marsh, Compacts and Cosmetics: Beauty from Victorian Times to the Present Day, Barnsley, Pen & Sword Books, 2009.
[6] Eve Golden, Vamp: The Rise and Fall of Theda Bara, Lanham, Vestal Press, 1996, p. IX.
[7] Mark Andrew Hain, Revamped: Theda Bara, Cultural Memory and the repurposing of Star Image, Ann Arbor, ProQuest, 2015.
[8] Jeffrey Weinstock, “Sans Fangs: Theda Bara, A Fool There Was, and the cinematic Vamp” in Douglas Brode, Leah Deyneka (a cura di), Dracula’s Daughters: The Female Vampire on Film, Lanham, Maryland and London, Scarecrow Press, Inc., 2014.§
[9] Antony Slide, Silent Players: A Biographical and Autobiographical Study of 100 Silent Film Actors and Actresses, Lexington, The University Press of Kentucky, 2002.
[10] Passim, Aubrey Solomon, Twentieth Century-Fox: a Corporate and Financial History, Lanham, Maryland and London, The Scarecrow Press, Inc,, 2002.
[11] Anne Helen Petersen, “Scandals of Classic Hollywood: The Most Wicked Face of Theda Bara”, 08/01/2013 https://medium.com/the-hairpin/scandals-of-classic-hollywood-the-most-wicked-face-of-theda-bara-2aa85ce1a79f.
[12] Ronald Genini, Theda Bara: a Biography of the Silent Screen Vamp, with a Filmography, Jefferson, London, McFarland & Company, 1996, pp. 43-47.
[13] Anne Helen Petersen, “Scandals of Classic Hollywood: The Most Wicked Face of Theda Bara.
[14] Ronald Genini, Theda Bara: a Biography of the Silent Screen Vamp, with a Filmography, pp. 43-47.
[15] Si rimanda alla recensione redatta da chi scrive per un quadro completo della carriera di Musidora, pubblicata su “Cinefilia Ritrovata”, il website di critica della Cineteca di Bologna https://www.cinefiliaritrovata.it/musidora-ladixieme-muse-al-cinema-ritrovato-2019.
[16] Ronald Genini, Theda Bara: a Biography of the Silent Screen Vamp, with a Filmography, p. 113.
[17] http://www.silentera.com/PSFL/data/F/FoolThereWas1915.html.
[18] The Vampire, Rudyard Kipling, 1897.
La Cité foudroyée – Luitz-Morat (1924)
Che fatica! Nel 2013 partiva il mitico progetto fantascienza, primo di una lunga serie su questa piattaforma e forse il più ambizioso assieme a quello della filmografia ceca e slovacca. Trovare certi film è stato ed è veramente difficile ed anno dopo anno riesco a raccogliere qualche pezzettino qua e là. Questo La Cité foudroyée lo cercavo veramente da tanto e non potete immaginare che faccia ho fatto quando mi è capitato casualmente sotto al naso. Non sapevo molto ma mi aspettavo rientrasse nel filone delle armi distruttive fantascientifiche che hanno sempre fatto breccia nel cuore delle persone. Sarà così? Andiamo a scoprirlo insieme:
Quattro cugini si contendono la mano di Huguette de Vrécourt (Jane Maguenat): l’Ingegnere e inventore Richard Gallèe (Daniel Mandaille), il pugile Battling Martel (Paul Journée), il baritono Cuivredasse (Emilien Richaud) e il banchiere Grosset (Lucien Cazalis). Per decidere chi sposare Huguette, che pur preferisce Richard, decide di sfidare i quattro per vedere chi entro una data specifica riuscirà a raggiungere il suo sogno e arricchirsi. Suo padre (Armand Morins), infatti, è caduto in rovina e dovrà pagare una somma entro la data dell’ultimatum o andare in bancarotta. Battling, Cuivredasse e Grosset partono per la città mentre Richard resta nella villa di campagna di Huguette. Egli è ossessionato dalle sue ricerche sui fulmini che nessuno prende sul serio. Entra in ballo anche l’enigmatico vicino di casa Hans Steinberg (Alexis Ghasne) che sentendo quanto Richard dice gli propone un contratto in cambio dell’esclusiva delle sue idee: egli parla infatti di dominare fulmini portando incendio e morte in un punto specifico senza doversi spostare. Avrà fatto bene Richard a cedere l’esclusiva al vicino? Parigi verrà distrutta?
Vi invito a non leggere quanto segue se non volete spoileravi il finale, ma sappiate che alla fine si scopre che i piani di distruzione altro non erano che un’idea per un libro scritto da Richard e pubblicato dal vicino che era un editore. Le confessioni, insomma, erano solo estratti dallo stesso. Ovviamente il libro sarà un best-seller e Richard potrà sposare la sua amata alla faccia degli altri contendenti che hanno invece fallito. Resnais disse di aver amato particolarmente il film: “non ho mai dimenticato La Cité foudroyée […] tra gi undici e i dodici anni ho avuto modo di proiettarlo più di cento volte, gustandomi ogni volta la relazione dello spettatore nel momento in cui l’ultima bobina rivelava che i due terzi del film si erano svolti sono nella testa dell’eroe” (Midi-minuit fantastique n.7 del settembre 1963 – tr. Y. Esvan)
Le opzioni sono due: o La Cité foudroyée aveva un budget sconfinato oppure, come credo, era bassissimo e hanno utilizzato tantissime immagini di archivio di interventi dei pompieri, incendi e cose del genere. Il film alterna pagine scritte come lettere in cui il protagonista fa la sua confessione a posteriori alternate con intertitoli piuttosto bizzarri pieni di punti interrogativi, puntini di sospensione e maiuscole (vedi sotto). Probabilmente se ci fosse stato avrebbero usato il comic sans! Scherzi a parte per tutta la visione si avverte una certa leggerezza che stride con le vicende di Richard fino al finale a sorpresa che sicuramente è interessante ma non aiuta a riabilitare un soggetto piuttosto debolino. Alcune immagini sono molto suggestive ma nelle riprese di scena la telecamera è sempre fissa e senza guizzi particolari. Chi ha montato La Cité foudroyée ha sicuramente dovuto fare un lavoraccio.
Le scene sicuramente più memorabili riguardano i danni provocati “dalla macchina fulminatrice” e, con quel tipico interesse morboso per i grandi monumenti distrutti, la vista di Torre Eiffel, Gare du Nord e Madeleine in macerie. Insomma, molto prima di Indipendence Day o altri film del genere, anche il cinema muto aveva regalato scene del genere (vedere per credere).
Insomma, è valsa la pena aspettare tutto questo tempo? La risposta che mi viene spontanea è un bel NO, però sono certo che superata la delusione per un qualcosa di molto differente da quel che mi aspettavo saprò rivalutare alcune parti di questo film. Devo dire che veramente si salva solo il montaggio e qualche idea carina qua e là, per il resto i personaggi sono piatti e stucchevoli, il soggetto molto discutibile e sviluppato da cani. Ci sono tante variazioni di location e situazioni (teatro, ring, città e campagna), il finale è certamente sorprendente ma non basta a salvare il mio giudizio.
Cinema e cultura nel modernismo statunitense: Theda Bara e Louise Brooks parte 1 (di 3)
Note di redazione: presentiamo qui in tre parti una ricerca fatta da Alessia Carcaterra e sistemata per la pubblicazione in questa sede da Esse.
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Introduzione
Negli Stati Uniti d’America, a partire dagli anni Dieci del Novecento, vi fu un proliferare di mode, stili e tendenze che si staccarono gradualmente e infine completamente dalla visione di fine Ottocento appartenente al periodo storico inglese dell’età vittoriana.
Un lavoro che può aiutare nella ricerca e in una più completa visione di questo rifiuto da parte dei modernisti e degli appartenenti alla corrente filosofico-estetica nei confronti dei predecessori europei di fine Ottocento, è il libro della saggista statunitense Ann Douglas Terrible Honesy: mongrel Manhattan in the 1920s. (1995). Con quest’ultimo, Douglas ha così completato il suo precedente lavoro The Feminization of American Culture (1977) in cui esplorava nel profondo l’etica moralista e sentimentale dell’età vittoriana.
In questo caso di studio verrà fatto un breve ed esaustivo percorso storico-culturale di come e in che modo lo sfogo della corrente del modernismo diede mostra di un atteggiamento aggressivo nei confronti del passato recente. In particolar modo, si è scelto di riferirsi all’arte del cinema, confrontando due attrici-dive dello nascente star-system statunitense:
Theda Bara (Cincinnati, 29 luglio 1885 – Los Angeles, 7 aprile 1955) e Louise Brooks (Cherryvale, 14 novembre 1906 – Rochester, 8 agosto 1985), inserendole nel contesto della “scossa adrenalinica modernista” della cultura occidentale, in primis statunitense.
Nel secondo e nel terzo capitolo verranno presi in esame due esempi di lungometraggi che rendono iconiche le due star: rispettivamente La Vampira (1915) e Il Vaso di Pandora (1929). Di questi, verranno forniti gli strumenti analitici per comprendere quali furono i punti di innovazione dal punto di vista tecnico, recitativo, interpretativo e storiografico che definirono e rispecchiarono nel particolare quelle tendenze sociali e morali degli anni Dieci e Venti del Novecento.
Capitolo 1. La new generation modernista negli Stati Uniti d’America
Per l’elaborazione di questo caso di studio si è scelto di partire dalla pubblicazione dell’autrice e saggista statunitense Ann Douglas Terrible Honesty: mongrel Manhattan in the 1920s (New York, Farrar, Strauss & Giroux, 1995). Trattasi del ritratto di una generazione, l’autrice conferisce una visione personale di quella che fu la New York dei primi anni immediatamente dopo la fine della Prima Guerra Mondiale e di come la metropoli della costa orientale statunitense divenne il cuore di un vero e proprio cambiamento storico e culturale negli Stati Uniti d’America. L’obiettivo di Douglas è quello di dimostrare come la New York degli anni Venti fu il soggetto agente di un cruciale turning point in cui vi confluirono tutti i caratteri di precedenti forme di cultura bassa, che mutò successivamente in una più adatta alle masse, più energetica e adrenalinica, che arrivò infine ad influenzare le arti visive, musicali e cinematografiche.
Nelle prime pagine del volume, Douglas specifica e sottolinea il forte distacco che l’America dei primi anni del Novecento provava nei confronti dell’età Vittoriana, definita dall’autrice “matriarcale”. Matriarcale nel senso dispregiativo del termine, coniato dai modernisti per descrivere certe personalità femminili della letteratura della seconda metà dell’Ottocento. In particolare:
“The powerful white-middle class matriarch of the recent Victorian past […] had seized the reins of national culture in the mid- and late-Victorian era. Harriet Beecher Stowe wrote the century biggest best-seller in Uncle Tom’s Cabin (1852) and consolidated the virtual stranglehold of America’s women authors of the fiction market. Frances E. Willard headed the Women’s Christian Temperance Union, which made prohibition thr law of the land in 1919; […] in calling these women ‘matriarchs’, I follow their own usage; this way the first generation of women to explore, however imprecisely, the notion of ‘matriarchy’, or female dominated society, and to make it their goal and ideal.”[1]
In questo modo:
“The moderns aimed to ridicule and overturn everything the matriarch had championed. […] The moderns’ case against the white middle-class Victorian Woman is nonetheless a pressing one. Although nineteenth-century America may have been in historical fact far from the matriarchy its feminist leaders envisioned and idealized, its mainstream cultural expression was almost as ‘feminized’ as its later detractors claimed.”[2]
Un’ emancipazione che coincide con quella che si definisce corrente del modernismo, in cui rompere con il passato separandosene totalmente facendolo a pezzi era la prassi. Un vero e proprio stravolgimento che puntava ad un rimodellamento dei contenuti, complici anche le nuove teorie filosofiche e della psicanalisi. Di fatto, la concezione di arte modernista seguiva i canoni di un’arte fondata sulla verticalità, sulle dimensioni interiori, psicologiche e intime che andavano a cancellare i dettami di ordine: la regola era decostruire le forme dello spazio e del tempo.[3]
Per contro, la società occidentale dei primi decenni del ventesimo secolo sembra seguire una divisione di almeno sei correnti culturali: high art, modernist art, avant-garde art, folk art, popular art, mass art. Tutte e sei costituiscono una rete sociale, in grado di generare immagini, storie e musiche.[4] Ci interessa, in questo caso, la seconda, profondamente influenzata da Nietzsche, Marx, Freud e dalla seconda rivoluzione industriale, per cui “modernism never established a comfortable home in the empirical, humanistic enviroment in England”.[5]
In ogni caso, vi era una certa volontà di elevare culturalmente il cinema dalla dimensione attrazionale e scientifica, soprattutto attraverso il riferimento alla vecchia cultura cercando di rendere il cinema appetibile per un altro tipo di pubblico: un cinema, in questo caso, tesa verso una dimensione più narrativa che attrazionale. Parallelamente a questa corrente progressista di separazione dal vecchio, vi è il primo regista della storia del cinema: David Wark Griffith[6], il quale esprime i modelli di una cultura ottocentesca, quale espressione di un periodo della storia degli Stati Uniti che da un lato ci ricorda che nell’Upper East (di tipo borghese) vigeva una cultura di tipo vittoriano, che non coincide del tutto con la cultura vittoriana britannica, ma ha qualche elemento in comune (il discorso sulla famiglia e la donna), dall’altro gli ideali puritani protestanti da cui Griffith venne fortemente influenzato.
Come sottolinea il credo vittoriano, la concezione della vita era votata alla repressione dei propri istinti e delle proprie pulsioni; importante era l’idea del sacrificio del sé. L’idea della donna era, chiaramente, pre-femminista; la donna non madre era necessariamente una prostituta e bisognava rispettare decisamente i canoni dell’ordine, della compostezza, della purezza e del rigore spirituale.[7]
Grazie a questo slancio verso il nuovo e verso la massificazione, si vengono ad istituire i concetti di star system e Casa di Produzione che assumeranno maggiore importanza nella consolidazione di Hollywood qualche decennio più tardi.[8] Come esordisce Franco la Polla in Introduzione al cinema di Hollywood, “il cinema hollywoodiano non nasce a Hollywood, ma sulla costa orientale degli Stati Uniti”.[9] Insieme a tutta una costellazione di inventori e pionieri, vi furono anche i primi germi delle nascenti case di produzione che, proprio nella New York in pieno fermento culturale (o anche nei dintorni) avrebbero avuto vita breve o lunga che fosse. Tra le tante ed innumerevoli, vi fu il caso della Fox, fondata da William Fox e Sol Brill che insieme acquistarono una peep show machine. Dal 1906 al 1913 la Fox si occupava solo di esercitare sale cinematografiche, ma da quell’anno si occupò anche della produzione e distribuzione di pellicole proprie. Tra i primi, vi fu Frank Powell, già collaboratore di Griffith, che introdusse nelle produzioni Fox la “vampira” Theda Bara.[10]
Con le prime fondamenta di majors e minors, apparve anche il primo sentore di divismo nordamericano, maschile e femminile, che si consoliderà negli anni Venti. Oltre alla già citata Theda Bara, appaiono sul grande schermo nomi come Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Charlie Chaplin. Ad esempio Fairbanks ha una stazza fisica imponente, è l’uomo sportivo, l’uomo atletico e di grande energia. Questa energia non ci rimanda ad un ideale di mascolinità ottocentesco, non c’è questo senso di paura nei confronti del mondo moderno della città, e Fairbanks è un personaggio che vive nella modernità, è legato allo sport, che nasce in senso agonistico in questi anni, diventando un fenomeno di massa.[11]
Questo periodo florido per la nascita e lo sviluppo del cinema sul suolo statunitense è definito come Golden Age del cinema muto americano. Poco prima della crisi del 1929 e l’avvio della Grande Depressione, gli Stati Uniti conoscono un periodo di fervido benessere economico e culturale: il consolidamento dell’industria cinematografica (e il passaggio da muto a sonoro), l’esplosione della musica jazz, il fenomeno dell’espansione industriale, la costituzione di mode e tendenze, hanno determinato il decennio 1920-1929 degli anni ruggenti. In questo caso, si assiste anche al passaggio da cinema di attrazione, al cinema di consumo.[12]
Si tratta di vero consumo vorace: Hollywood è la massima espressione di tutto questo, e ha luogo perché ci sono molte persone che vogliono consumare questi prodotti, in quanto si rendono conto di avere molto più tempo libero. E tutto questo diventa fondamentale negli anni Venti: questo giustifica pienamente la trasformazione dell’industria americana. Non si vogliono quindi produrre oggetti narrativi educati, istruttivi e addomesticanti, ma prodotti di intrattenimento immediati, non mediati attraverso la dimensione artistica. Conta prima di tutto il profitto per i tycoons di Hollywood; conseguentemente, il cinema, diventa qualcosa che viene consumato da varie fasce sociali e nascono perciò mode e stili che segneranno indelebilmente questo decennio rendendolo iconico.[13]
Distaccandoci quindi sempre di più dai dettami della società vittoriana, vediamo nello specifico due attrici che caratterizzarono gli anni Dieci e Venti della sempre più consolidata macchina del cinema: Theda Bara e la carriera breve ma fiorente a partire da metà degli anni Dieci e Louise Brooks, che con il suo moderno e iconico appeal divenne a tutti gli effetti il simbolo del decennio 1920-1929.
[1] Ann Douglas, Terrible Honesty: mongrel Manhattan in the 1920s , New York, Farrar, Strauss & Giroux, 1995, p. 6.
[2] Ibidem, p. 7
[3] Franco La Polla, Stili americani, Bologna, Bononia University Press, 2003, p. 384.
[4] James Naremore, Patrick Brantlinger, “Introduction: Six Artistic Cultures”, in James Naremore, Patrick Brantlinger,
Modernity and Mass Culture, Indianapolis, Indiana University Press, 1991, p.8.
[5] Ibidem, p. 10.
[6] Passim, Paolo Bertetto, Introduzione alla storia del cinema, Torino, UTET, 2002.
[7] Lary May, Screening out the past. The Birth of Mass Culture and the Motion Picture Industry, Chicago, The
University of Chicago Press, 1983, p.46.
[8] Passim, Guido Aristarco, Il mito dell’attore. Come l’industria della star produce sex symbol, Bari, Edizioni Dedalo,
1983.
[9] Franco La Polla, Introduzione al cinema di Hollywood, Milano, Mondadori Università, 2006, p.11.
[10] La cui figura verrà approfondita nel prossimo articolo.
[11] Passim, Franco La Polla, Sogno e realtà americana nel cinema di Hollywood, Milano, Il Castoro, 2004.
[12] Jerome Charyn, New York, l’età del jazz e la nascita di un mito, Milano, il Saggiatore, 2006, pp. 10-14.
[13] Franco La Polla, Sogno e realtà americana nel cinema di Hollywood, p.21.
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Autori
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alessiacarcaterra
- 1914-1920: i film muti di Mimì Aylmer
- Cinema e cultura nel modernismo statunitense: Theda Bara e Louise Brooks parte 3 (di 3)
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