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Programma Cinema Ritrovato 2018
Il Cinema Ritrovato 2018 è ormai alle porte e con la pubblicazione del programma generale torna la nostra consuetudine di pubblicare quello dei soli film muti della rassegna. Tra le notizie più belle sicuramente quella dell’apertura del Cantiere Modernissimo, ovvero l’ex Cinema Modernissimo che nonostante sia ancora in fase di restauro verrà usato ogni giorno per la proiezione dei film del progetto MultiFlix (Wolves of Kultur). Per il resto la Sala Mastroianni si conferma la casa di ogni amante del muto. Da segnalare anche le serali, davvero ricche tra Piazza Maggiore e l’ormai immancabile appuntamento in Piazzetta Pasolini con la lanterna a carbone. Ovviamente noi racconteremo tutto sia qui che su Cinefilia Ritrovata, che questa volta ospita sia me che Alessia. Per ulteriori informazioni vi consiglio di scaricare il programma completo.
23/06
12.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 1 – The Torture Trap (Rep. ore 19.30)
15.45 Sala Mastroianni – Arrigo Frusta: L’officina della scrittura 1 – Raggio di Sole/Siegfried
17.45 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Segundo de Chomón (rep. 27/06)
18.30 Sala Mastroianni – Napoli che canta 1 – The Tarantella/Neapolitan dance
19.30 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 1 – The Torture Trap (replica)
21.30 Sala Mastroianni – Pina Menichelli – La moglie di Claudio (rep. 28/06)
24/06
09.00 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Les Deux Timides (rep. 29/06)
09.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 2/3 -The Iron Chair/Trapping the traitors (rep. 19.00)
10.30 Sala Mastroianni – 1918: Guerra e Politica – Charlot Soldato (rep. 30/06)
11.45 Sala Mastroianni – Avvento film di avventura – Gerusalemme liberata
14.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Shiraz: A Romance of India (rep. 30/06)
16.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Vita a Venezia
17.45 Sala Mastroianni – W.K.L. Dickson e il Mutoscope & Biograph Syndicate
18.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Der Fall Rosentopf/Grafin Kuchenfee/Puppchen (rep. 30/06)
19.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 2/3 -The Iron Chair/Trapping the traitors (replica)
21.45 Piazza Maggiore – Ritrovati e Restaurati – Rosita e Entr’acte
25/06
09.00 Sala Mastroianni – 1918: Stelle cadenti e bombe a mano (rep. 28/06)
09.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 4/5 -The Ride to Deaths/Through the Flames (rep. 19.00)
10.15 Sala Mastroianni – Avvento film di avventura 2 – Il gioiello di Khama
12.00 Sala Mastroianni – 1918 – La Russia avan-avanguardia – Baryshyna I Chuligan
14.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Christian Wahnschaffe pt.1
16.00 Sala Mastroianni – La donna con la Kinamo: Ella Bergmann-Michel
17.45 Sala Mastroianni – 1898 – Lumière locale: Kríženecký a Praga
18.30 Sala Mastroianni – Napoli che canta 2 – è piccerella (rep. 28/06)
19.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 4/5 -The Ride to Deaths/Through the Flames (replica)
22.15 Piazzetta Pier Paolo Pasolini – Proiezione con lanterna a carbone – Napoli che canta 3 – Un amore selvaggio/Fantasia ‘e surdato
26/06
09.00 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Christian Wahnschaffe pt.2
09.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 6/7 -Trails of Treachery/The Leap of Despair (rep. 19.00)
10.30 Sala Mastroianni – Avvento film di avventura 3 – Tarzan of the Apes
11.45 Sala Mastroianni – Professione: Film director – Woman
14.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Lights of Old Broadway
16.15 Sala Mastroianni – La donna con la Kinamo: Ella Bergmann-Michel
17.00 Sala Cervi – Cinema Ritrovato Kids – Omaggio ad Osvaldo Cavandoli: Antenati ed eredi de La Linea
18.30 Sala Mastroianni – Napoli che canta 4 – Vedi Napule e po’ mori!
19.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 6/7 -Trails of Treachery/The Leap of Despair (replica)
22.15 Piazzetta Pier Paolo Pasolini – Napoli che canta 5 – Naples au Baiser de Feu
27/06
09.00 Sala Mastroianni – Segundo de Chomón (rep. 23/06)
09.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 8 – In the Hands of the Hun (rep. 19.00)
10.00 Sala Mastroianni – 1918: Profession Film Director – Ucitel Orientalinich Jazyku
11.45 Sala Mastroianni – 1918: Apogeo del Diva film – L’Avarizia
14.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Rue de la paix
16.15 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Salon de Lectures: Ames de fous
16.15 Auditorium DAMSlab – Documenti e Documentari – Sydney: the other Chaplin
19.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 8 – In the Hands of the Hun (replica)
21.30 Sala Mastroianni – 1918: Lyda Borelli si ritira – Carnevalesca
21.45 Piazza Maggiore – Ritrovati e Restaurati – 7th Heaven
28/06
09.00 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Lights of old Broadway
09.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 9/10/11 (rep. 19.00)
10.30 Sala Mastroianni – 1918: Stelle cadenti e bombe a mano (rep 25/06)
11.45 Sala Mastroianni – 1918: Apogeo del diva film – La Moglie di Claudio (rep. 23/06)
14.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Émile Cohl Nuovi restauri
15.15 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati –Marey, Painlevé, Mol tra Scienza e Avanguardia
16.00 Sala Mastroianni – Arrigo Frusta: L’officina della scrittura 2 – Spergiure
17.45 Sala Mastroianni – 1898: Science and Science Fiction/ Méliès e l’arte del meraviglioso/vedute Lumière
18.30 Sala Mastroianni – 1918: Star Dust – Bany Titka pt1
19.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 9/10/11 (replica)
21.30 Sala Mastroianni – Napoli che canta 2 – è piccerella (rep. 25/06)
29/06
09.00 Sala Mastroianni – 1918: Star Dust – Bany Titka pt. 2
09.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 12/13 – Tower of Tears/The Hun’s Hell Trap (rep. 19.00)
10.45 Sala Mastroianni – 1918: Bergman 100 – Nattliga Toner
12.00 Sala Mastroianni – 1918: War and Politics – Revolutionens Datter
14.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Les Deux Timides (Rep. 24/06)
16.00 Sala Mastroianni – Arrigo Frusta: L’officina della scrittura 3
17.45 Sala Mastroianni – Directing films in 1898: Hatot e Breteau
18.30 Sala Mastroianni – Progetto Keaton – Go West
19.15 Sala Scorsese – Seconda utopia: 1934 – Naslednyk Princ Respubliki
19.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 12/13 – Tower of Tears/The Hun’s Hell Trap (replica)
22.15 Piazzetta Pier Paolo Pasolini– Napoli che canta 6 – ‘ A Santanotte
30/06
09.00 Sala Mastroianni – Arrigo Frusta: L’officina della scrittura 4
09.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 14/15 – Code of Hate/Reward of Patriotism (rep. 19.00)
11.00 Sala Mastroianni – 1918 – Otec Sergij
11.00 Sala Cervi – Workshop – Arrigo Frusta: storia e metodo di lavoro
14.30 Sala Mastroianni – Alla ricerca del colore dei film: Kinemacolo
15.15 Sala Mastroianni – 1918: Restaurati Muti – Der Fall Rosentopf/Charlot Soldato (rep 24/06)
16.15 Auditorium DAMSlab – Lezione di Cinema – Napoli che canta
16.45 Sala Mastroianni – Arrigo Frusta: L’officina della scrittura 5 – Santarellina
17.30 Auditorium DAMSlab – Documenti e Documentari – Douglas Fairbanks
18.15 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Two Early Disney from Norvegia/Progetto Keaton – The Navigator
18.15 Sala Scorsese – Seconda utopia: 1934 – Pridanoe Zuzuny
19.00 Cantiere Modernissimo – Wolves of Kultur 14/15 – Code of Hate/Reward of Patriotism (replica)
21.30 Sala Mastroianni – Ritrovati e Restaurati – Shiraz: A Romance of India (rep 24/06)
Legenda:
–Cinema Lumière, via Azzo Gardino 65:
Piazzetta Pier Paolo Pasolini – Numero di posti: ?
Sala Mastroianni – Numero posti: 174
Sala Scorsese – Numero posti: 144
Auditorium DAMSlab – Numero posti: 216
–Cantiere Modernissimo – Via Rizzoli 1/2 – Numero posti: ?
–Sala Cervi – via Riva di Reno, 72 – Numero posti: 44
I Vampiri, episodio 2: L’anello che uccide (Louis Feuillade, 1915)
Articolo breve ma intenso del secondo episodio del serial cinematografico I Vampiri, sia
per un bisogno di risparmio di energie in vista del Cinema Ritrovato 2018, che per una questione di lunghezza del secondo episodio La bague qui tue (L’anello che uccide), proprio per questo motivo distribuito insieme al primo episodio La Tête coupée (La testa mozzata) di cui ho parlato un mese fa. Nonostante, appunto, la durata di 13 minuti, ne La testa mozzata assistiamo a ben due omicidi da parte dei “Cavalieri delle tenebre” (epiteto aggiunto come sottotitolo alla versione distribuita in Italia). La prima vittima è Marfa Koutiloff (Stacia Napierkowska), ballerina e nuova fiamma di Philippe Guérande (Édouard Mathé) che si esibisce nei primi minuti del film nell’iconica danza su un palcoscenico di un teatro senza nome con scenografia gotica travestita da pipistrello che ronza intorno a una giovane ragazza addormentata, quasi una controparte creepy delle danze serpentine di Loïe Fuller di fine Ottocento. Dopo essersi librata in aria sostenuta da dei fili invisibili, la donna accenna un malore e cade a terra. I soccorsi sono inutili e la donna muore. L’artefice dell’assassinio è il Gran Vampiro (Jean Aymé) travestito da Conte di Noirmoutier (sottolineo come Feuillade giochi bene sui nomi del Gran Vampiro quando è altro da sè stesso), il quale le aveva donato prima dell’esibizione un anello avvelenato (forse intriso di veleno di Aconite che può essere assorbito immediatamente dalla pelle e portare alla morte senza possibilità di antidoto nel giro di qualche ora) per sviare l’attenzione del pubblico dalle tematiche della danza rievocanti le gesta dei Vampiri. Guérande (Édouard Mathé) nota una certa somiglianza del conte con il Dr. Nox già incontrato in precedenza, lo segue, ma viene catturato. Si risveglia in uno scantinato in compagnia di Mazamette (Marcel Lévesque), vampiro pentito che lo aiuta nelle sue indagini. I due riescono a scappare sul fare della mezzanotte, imprigionando il Grande Inquisitore giunto per interrogare Guérande. Successivamente si presenta il Gran Vampiro insieme al Comitato Nero, ma all’arrivo improvviso della polizia sono costretti a fuggire, non prima di aver ucciso a sangue freddo il prigioniero nella convinzione che si tratti di Guérande. La polizia, seguita dal vero Guérande, scopre l’identità del prigioniero: è Henri Delegue, Giudice Capo della Corte Suprema di Giustizia. Guérande giura di catturare personalmente i Vampiri e l’episodio di conclude. Qui dinamismo e colpi di scena si susseguono rapidamente e in poco tempo. Sicuramente la sequenza catalizzante è quella con la Koutiloff, imprevedibilmente vampira al contrario, carnefice sì, sul palcoscenico, nella finzione, tra le quinte di un teatro, ma vittima innocente di una gara di omicidi che non fa distinzioni. La bague qui tue è una parentesi della crudeltà di una banda senza scrupoli, anche qui con Guérande che funge da pedina nelle mani del Gran Vampiro e che riceve una bella batosta psicologica; un interludio che precede e stende un tappeto rosso a Irma Vep ne Il Crittogramma rosso, episodio intriso di crimini sempre più crudeli e sempre più oscuri.
[continua]
Les Vampires – La bague qui tue / Louis Feuillade. – Soggetto e sceneggiatura: Louis Feuillade. – Francia: Société des Etablissements L. Gaumont, 1915. – Con Édouard Mathé, Marcel Lévesque, Jean Aymé, Stacia Napierkowska. Lunghezza: metri 350 circa.
Visto di Censura (in Italia): 11946, 17 agosto 1916.
Prima visione francese: 13 novembre 1915.
Stato: sopravvissuto.
Due commedie fantascientifiche
Siamo quasi al capolinea con i nostri aggiornamenti fantascientifici, questa volta sono riuscito a recuperare due commedie piuttosto rare. Andiamo a vedere di cosa si tratta:
– Laughing at Danger – James W. Horne (1924)
Laughing at danger rientra in quel filone di film “fantascientfici” molto stunt e poca trama che abbiamo imparato a conoscere nel corso del nostro progetto fantascienza. Tra questi citiamo ovviamente i film e serial con Houdini protagonista. Il film di cui parliamo oggi si differenzia un pochino dagli altri per il fatto che nasce come commedia, il protagonista, come vedremo, non si rende affatto conto che quanto sta accadendo è reale e non uno scherzo ben organizzato. A tirare il carro del film c’è Richard Talmadge, attore, stuntman e regista tedesco che deve il suo primo successo proprio alle sue prodezze sconsiderate davanti alla cinepresa.
Alan (Richard Talmadge) è lo spensierato figlio di Cyrus Remington (Joseph W. Girard), uomo politico che sta gestendo la trattativa per l’acquisizione di un raggio della morte capace di porre fine a tutte le guerre. Peccato che a casa Remington ci sia una talpa, Darwin Kershaw (Stanhope Wheatcroft), in realtà capo di una terribile banda criminale che vuole usare per i suoi loschi scopi la nuova arma. Quest’ultimo rapisce il Dr. Hollister (Joseph Harrington), inventore della macchina e unico a saperla usare, e sua figlia Carolyn (Eva Novak). Fin qui sembrerebbe tutto normale, ma a questa vicenda più seriosa si mischia quella di Alan, per l’appunto, che dopo l’ennesima delusione d’amore viene invitato dal medico curante a fare cose emozionanti. Così quando i malviventi iniziano a rincorrerlo e minacciarlo perché è entrato fortunosamente in possesso dell’unica chiave in grado di far funzionare la macchina mortale, egli crede si tratti di una farsa inventata dal padre per tirarlo su. Così il nostro eroe diverte a malmenare con chiunque gli si pari davanti. Il lieto fine è ovviamente scontato…
Il film ha il pregio di essere breve, ma di contenuti ne ha davvero pochi. In 60 minuti assistiamo a 20′ di scazzottate, 20′ di stunt e 20′ del protagonista che se la ride pensando sia tutto uno scherzo. Bisogna dire che alcune scene sono spettacolari, in particolare quella finale in cui una nave della marina fa esplodere con un missile il rifugio dei banditi (già ovviamente ripulito dal nostro eroe a furia di sganassoni). Il livello recitativo è tutto sommato dignitoso, con Talmadge a reggere sulle proprie spalle il peso della narrazione. Di certo da un film di James W. Horne mi sarei aspettato un pochino di più. La scena scelta nelle immagini è tratta dal finale ed è una delle poche che mi ha fatto sorridere, sia per il riferimento metacinematografico che per il felice ammiccamento tra i due padri davanti ai figli che stanno per fidanzarsi.
– Her First Flame – Bruno C. Becker (1920)
Le premesse per fare un corto carino con Her First Flame c’erano tutte, l’inizio sembrava promettente con una didascalia che possiamo tradurre con “Immagina che sia il 1950 e fossero le donne a portare il pane a casa, mentre gli uomini si occupano della casa (dai, prova ad usare l’immaginazione!)“. Da queste prime parole mi immaginavo una commedia intelligente che scardinasse la pretesa superiorità maschile sulle donne. E invece? Si tratta di una commediola maschilista decisamente bruttina e poco divertente. In questo mondo le donne impersonano, male, il ruolo che dovrebbe, secondo i canoni dell’epoca, essere quello degli uomini, mentre questi ultimi agiscono come le peggiori e stereotipate donnette smorfiose. Con la frase “fanno, male, gli uomini”, intendo dire che le donne non riescono a interpretare bene il ruolo del maschio alpha, anche quando ricoprono cariche importanti. Sembrerebbe insomma una controprova di come in un mondo al contrario le donne non potrebbero mai fare con successo ciò che gli uomini fanno regolarmente.
La vicenda vede contrapposte due donne: Lizzie Hap (Gale Henry), donna dalla discreta inventiva e decisamente pasticciona, e Minnie Fish (Phyllis Allen), donna decisamente più quadrata nonché ricca e piuttosto popolare. Entrambe si contendono il posto di capo dei vigili del fuoco nonché le grazie del “bel” Willie Wart (Milburn Moranti), il cui padre
(Hap H. Ward), preferisce di gran lunga il buon partito di Minnie. Visto che nessuna persona di senno la voterebbe, Lizzie si traveste da tanti personaggi diversi, tra cui una donna nera con il razzistissimo trucco black face, buttando dentro l’urna chili di schede con il suo nome (grasse risate!). Così la protagonista ottiene il ruolo con l’inganno. Un giorno Minnie fa ubriacare Willie e tenta di ottenere le sue grazie con la violenza, ne segue una colluttazione che scatena un incendio. Lizzie salva il suo amato e riceve finalmente il benestare del padre di lui.
Non ho molto da dire, odio il modo di recitare di Gale Henry, davvero macchiettistico e, a mio avviso, poco divertente. Le situazioni sono davvero straviste e uno spunto interessante è stato gettato alle ortiche. Per fortuna oggi fa ridere pensare che un film di fantascienza sia incentrato sul predominio sociale delle donne, chissà cosa penserebbero gli sceneggiatori del film vedendo alcune donne degli anni 2000, seppur purtroppo ancora di rado, svolgere con estrema perizia ruoli di alta responsabilità.
Pioggia (Regen) – Joris Ivens (1929)
Chi ci segue e conosce le origini del cinema e del muto ha ben nota la bipartizione, riassunta nella coppia Lumiere – Melies, con cui si annunciano già dai primi anni le strade maestre dell’arte cinematografica: la finzione e il documentario. Se la prima ha il merito di creare altri mondi e altre realtà possibili, la seconda si è caricata del compito di mostrare, non lasciandolo sfuggire, la vita che scorre quotidianamente sotto i nostri occhi o lontano da essi. Razionalizzando, nessun film e nessun prodotto audiovisivo è puramente l’una o l’altra cosa, ma ciascun’opera è a suo modo un ibrido personalissimo, per vocazione o per necessità. C’è anche chi, da documentarista, ha voluto ugualmente sfidare la creazione e dare un volto completamente nuovo alla realtà, non puntando alla fedeltà o alla testimonianza, ma al racconto e allo sviluppo di una forma narrativa, al contempo idealista e critica.
Tra questi Joris Ivens, uno dei maggiori autori cinematografici olandesi ed europei, che cominciò a “giocare” con una cinepresa presa in prestito dal negozio del padre, fotografo di Nimega, un’antica città dei Paesi Bassi al confine con la Germania, per poi interessarsi sempre più seriamente alle capacità della fotografia e del montaggio. Per anni girò scene “cittadine” con una cinepresa leggera e molto maneggevole, la Kinamo, semplicemente andando a spasso per i viali e riprendendo ogni quadro che gli sembrava interessante. Col passar del tempo si focalizzo su due soggetti di ricerca: il ponte sollevabile di Rotterdam e la pioggia con i fenomeni atmosferici ad essa collegati. Ne risultarono due film, intitolati proprio Il ponte (1927) e Pioggia (1929), di cui curò ogni parte del progetto, riprese, sviluppo, montaggio. Tutte tranne una, il commento musicale. Tra i due fu Pioggia, il cui titolo originale è l’olandese Regen, ad avere maggiore successo e a lanciare Ivens nel panorama mondiale: non di secondaria importanza fu la proiezione alla serata conclusiva della prima Mostra internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia del ’32, dove accolse ottime critiche e impressioni. Erano gli anni della rivoluzione musicale di Schonberg, Webern e Stravinskij, delle avanguardie storiche e degli sperimentalismi letterari. Ivens è imbevuto di tale fermento e con Pioggia mette in scena un formalismo narrativo e figurativo non senza precedenti ma forse più carico e potente di episodi simili.
La città protagonista è Amsterdam e la trama, se così si può definire, ha al centro il passaggio di una perturbazione atmosferica, descritta nel suo arrivo, nel suo crescendo di intensità e nel degradare finale fino al ritorno del bel tempo. L’andamento è musicale, ritmico, come un contrappunto a tre voci tra movimento interno alla scena, movimento della cinepresa e tagli di montaggio. Sono frequenti le ripetizioni o la riproposizione di figure simili tra loro, quasi si procedesse per imitazione a partire da un tema di per sé semplice e essenziale, che se si fosse in musica si direbbe breve e composto da intervalli stretti. La pioggia rivela, grazie a Ivens, tutta la sua capacità di trasformare il mondo e di svelarne uno differente: gli oggetti e le strade da superfici opache diventano specchi in cui tutto è deformato, mobile e capovolto; al contrario tutto ciò che era trasparente diventa opaco e segnato, coperto da una patina che rende irriconoscibile il conosciuto.
Pioggia è pieno di riprese centrate su questi ostacoli visivi e su queste visioni riflesse e cangianti, sono quasi assenti riprese da angolature canoniche, ad altezza di sguardo, come assente è l’uomo come protagonista attivo, fatta eccezione per l’inquadratura in cui un uomo tira fuori la mano dalla tasca per verificare se stia piovendo o meno, per poi tirarsi su il bavero. L’uomo è una figura, una forma, così come gli uccelli che volano nervosi, le barche, le foglie cadute nel fiume, i tubi, i canali sul tetto e le gocce stesse. Non c’è gerarchia, come se si fosse in un’orchestra e ciascuno abbia un ruolo definito e fondamentale.
Non siamo lontani da Berlino – Sinfonia di una grande città (1927) di Walter Ruttmann o da L’uomo con la macchina da presa (1929) di Dziga Vertov, ma i risultati, gli ibridi come si diceva in principio, sono ben diversi. Pioggia è più vicino ad un cinema lirico – è stato infatti definito un cine-poema – in cui le scene e le immagini non sono scelte per mostrare, né per dimostrare, ma piuttosto per evocare sensazioni e collegamenti figurativi imprevisti.
Pioggia, per le sue qualità ritmiche e “musicali”, ha ispirato più compositori lungo l’arco del novecento, tanto che l’edizione restaurata pubblicata dalla Just Bridge Entertainment sul primo dei cinque dvd contenuti nel cofanetto Joris Ivens, Wereldcineast, in cui è sintetizzata gran parte della sua opera e del suo percorso artistico, contiene ben tre versioni di Pioggia. Due con il commento sonoro di Lou Lichtveld, nelle registrazioni del 1932 e quella superba del 2002, e la terza frutto di una versione sonora del 1941, con musiche di Hanns Eisler. Quello di Lichtveld sembra di gran lunga l’accompagnamento ideale, è di carattere impressionista, a volte ricorda Debussy ed è puntellato da molti momenti di crisi tonale: la parte affidata ad un’arpa non accordata in maniera convenzionale è un piccolo capolavoro che descrive la caduta delle ultime gocce e l’aprirsi-allontanarsi delle nuvole. Eisler invece forza la mano puntando ad un approccio dodecafonico piuttosto fine a sé stesso e il suo commento sembra restare scollegato dallo sviluppo delle immagini di Ivens. Stessa sorte, in parte, ha l’accompagnamento per chitarra sola di Larry Marotta scelto per l’edizione Kino. Si tenga conto che quest’edizione, per quanto riguarda la parte visiva, non presenta il frutto di alcun restauro e la qualità è piuttosto scadente, non fornendo un supporto adeguato a godere di un’opera che proprio nei dettagli, nei contrasti e nelle minuzie visive ha i suoi protagonisti.
Pioggia venne profondamente apprezzato niente meno che da Pudovkin, in quel momento al vertice della sua attività artistica e teorica, che chiamò Ivens per presentare i suoi lavori a Mosca ad una riunione dell’Unione dei registi cinematografici sovietici. Il suo occhio attento alle città, alle industrie e, nei lavori successivi a Pioggia, al popolo e alle condizioni sociali ed economiche dei lavoratori non poteva che renderlo familiare al clima russo, che lo accolse con favore e lo stimolò a realizzare alcuni film che segnarono definitivamente il suo futuro artistico.
The Salvation Hunters – Josef Von Sternberg (1925)
Josef Von Sternberg, al contrario di tanti registi stranieri, non arrivò in America da personaggio affermato. La sua è la storia della realizzazione del sogno americano e al contempo quella di un uomo capace di mantere la sua impronta culturale europea negli Stati Uniti e portarla al successo. Nato a Vienna da una modesta famiglia ebrea si trasferì nel nuovo mondo assieme alla sua famiglia appena quattordicenne. Dopo una gavetta come assistente tuttofare, a 31 anni si sentì pronto per imbracciare la telecamera e girare il suo primo film in maniera del tutto indipendente. Nacque così The Salvation Hunter. Il costo del film è dibattuto, secondo quanto riportato da Sarris si aggirò intorno ai 5000$. Con il suo primo film, di cui curò regia e sceneggiatura, Von Sternberg mette subito in chiaro quali saranno i suoi punti saldi: attenzione per i bassifondi e i reietti, per i personaggi complessi capaci di cambiare la loro vita con la forza del dolore e delle emozioni, una sensibilità fotografica con pochi paragoni. Per risparmiare vennero scritturati attori all’epoca quasi sconosciuti: tra questi troviamo la protagonista femminile Georgia Hale, ex Miss Chicago, che fece battere il cuore a Chaplin che la volle subito dopo in The Gold Rush. Sì, perché Chaplin vide il film e se ne innamorò decretandone di fatto il successo, visto che la sua United Artists decise di distribuirlo nei cinema. Andiamo alla trama:
I protagonisti sono tre: un ragazzo (George K. Arthur), una ragazza (Georgia Hale) e un bambino orfano da loro salvato (Bruce Guerin). Sono Figli del Fango, che vagano tra i disperati del porto in cerca di lavoretti per pagarsi un pasto. Un giorno il ragazzo decide che è giunta l’ora di liberarsi da questa schiavitù e propone ai due di andare in città in cerca di una vità felice. Qui la situazione non è migliore: un uomo (Otto Matieson) poco rispettabile mette gli occhi sulla ragazza e si propone di ospitarla probabilmente per spingerla alla prostituzione una volta che la fame sarà diventata troppo forte. Vuole infatti sostituire l’ormai vecchia donna (Nellie Bly Baker) che ormai attirava pochi clienti. Spinta dalla miseria la ragazza sta per cedere ma, con un moto di orgoglio, ci ripensa. L’uomo tenta allora l’ultima mossa, porta i tre in campagna dove cerca di sedurre la ragazza per poi manipolarla a suo piacere. Il protagonista esce allora dala sua apatia e con un moto di orgoglio sfoga tutte le sue frustrazioni sull’uomo, rompendo il legame con il fango e diventano un Figlio del sole, pronto a prendersi il posto che merita nel mondo.
Come potete capire dalla trama, la storia è molto retorica, e vi assicuro che anche le didascalie lo sono moltissimo. Però questo piccolo difetto passa decisamente in secondo piano di fronte alla bellezza delle immagini, ai quei piccoli tocchi personali del regista che rendono decisamente poco americano questo film. Ciliegina sulla torta la rissa finale, dove il ragazzo si ritrova a mettere KO il suo avversario sotto a un evocativo cartello “Qui i vostri sogni diverranno realtà”. Sarà proprio così per il protagonista che otterrà in un colpo solo il rispetto per se stesso e quello della sua amata e del suo ormai figlio adottivo. Le scritte ricorrono in tutto il film, certamente quella più importante è un “Jesus Saves” che la ragazza vede quando ha ormai deciso di andare a prostituirsi. Sarà proprio questo segno a farle cambiare idea. Prima ancora in una bellissima scena Von Sternberg decide di rappresentare la sofferta decisione presa dalla ragazza con una mano che scende sofferente dalle scale quasi aggrappandosi al muro dietro di lei (vedi sotto). Allo stesso modo l’uomo viene spesso inquadrato in piedi davanti a due corna-trofeo decisamente mefistofeliche, proprio a voler evidenziare la sua natura malvagia e manipolatrice.
The Salvation Hunters mi è piaciuto davvero tanto, un’opera prima veramente straordinaria e curata, che pur nei suoi difetti mi ha conquistato per genuinità e per la maturità registica di Von Sternberg. Alcune delle prime scene portuali in particolare mi hanno riportato alla mente alcune splendide inquadrature di Jean Epstein in Finis terrae (1929), autore che poco ha a che vedere con il cinema americano, e conferma quindi la straordinarietà di Von Sternberg nel riuscire a portare un suo stile così atipico vicino al gusto hollywoodiano. Se volete godere a pieno della visione di questo film la Filmmuseum ha di recente messo in vendita l’edizione restaurata in dvd che potete trovare su amazon. Io ho visionato una vecchia versione in VHS che però, come potete vedere dalle foto, era già di ottima qualità.
Bibliografia consultata:
J. Baxter, Von Sternberg, Kentucky, 2010.
A. Sarris, The Films of Josef Von Sternberg, New York, 1966.
J. Von Sternberg, Fun in a Chinese Laundry, London, 1965.
H. G. Weinberg, Josef Von Sternberg: A critical study of the great film director, New York, 1967.
Addio Giovinezza! – Augusto Genina (1927)
Durante il Cinema Ritrovato 2014 venne presentata, dopo due restauri e una storia travagliata, Addio Giovinezza! nella versione di Augusto Genina del 1918. Come molti sapranno, questo adattamento cinematografico doveva essere orginariamente diretto da Nino Oxilia, autore assieme a Camasio della commedia originale, che però morì sul fronte durante il primo conflitto mondiale. La sua prematura dipartita portò a un cambiamento dei piani e alla scleta di Genina come regista. Il film fu un successo e così, a quasi dieci anni di distanza dalla suddetta versione, lo stesso Genina ripropose sul grande schermo la commedia che gli aveva dato tanta notorietà: con quale risultato? Andiamo a scoprirlo dopo aver riassunto brevemente la trama:
Mario (Walter Slezak) è un giovane di provincia che si sposta a Torino per frequentare l’Università. Qui incontra Leone (Augusto Bandini), ragazzo sbadato ma estremamente generoso. Dopo alcuni tentativi di trovare una casa, Mario prende in affitto una camera dalla giovane Dorina (Carmen Boni). I due si innamorano e iniziano presto un’intensa relazione. Purtroppo a minare la tranquillità della coppia si mette Elena (Elena Sangro), una donna ricca e annoiata che ha notato Mario e tenta di sedurlo senza troppi scrupoli. La situazione diventa incandescente e di fronte all’interesse di Mario per la nobildonna, Dorina non riesce a restare impassibile: i due litigano e si separano. Rispetto alla versione del 1918 questa non ha, almeno nella versione da me visionata, probabilmente un riversamento da VHS, il lieto fine come quella del 1918. Nel finale Dorina sta andando a cercare Mario qualche mese dopo il loro litigio, davanti all’uscio di casa decide però di desistere. La scena cambia e troviamo Mario all’Università che supera gli esami o forse la laurea (è piuttosto confusa questa parte) annunciando poi ai suoi tramite lettera il suo ritorno.
In generale rispeto alla prima versione, questo remake è decisamente deboluccio e la cosa viene segnalata già dalla stampa dell’epoca1. Alessandro Blasetti per il Cinematografo si mette in risalto il coraggio di “presentare ad un pubblico americanizzato […] un film di carattere squisitamente italiano e riportantesi alla sensibilità della gioventù di vent’anni or sono”. I giornalisti di cui citiamo gli interventi sono però concordi nel dare merito a Genina di aver diretto molto bene il film, il quale presenta comunque dei difetti anche se “là ove c’è manchevolezza, fredezza, incertezza, ciò si deve al fatto che gli attori non hanno risposto all’appello. […] Walter Slezak, ch’era Mario, è fisicamente antipatico e flaccido, con un sorriso vacuo per non dire ebete che infastidiva non soltanto me, ma il pubblico. […] Dimenticavo dire di Elena Sangro, inelegante e nienteaffatto gran dama” (Giulio Doria per Cinema-Star). Al contempo si loda la prestazione di Carmen Boni “graziosa e spigliata piccola attrice […] le va di diritto la lode e il più incondizionato incoraggiamento” (Doria) e ancora dicendo che “ha superato ottimamente la difficile prova cui s’era sottoposta, riuscendo a non richiamare nostalgie né confronti con la celebre interprete della precedente edizione del lavoro” (Blasetti). Personalmente non sono del tutto d’accordo con Blasetti: per quanto la Dorina della Boni risulti un personaggio dolce e ben calzato, la Jacobini resta decisamente ineguagliata e ho avuto una certa nostalgia per la sua interpretazione. Altro motivo di disaccordo è sulle considerazioni di Doria riguardo Augusto Bandini che avrebbe interpertato Leone con “efficacissima e non esagerata comicità“, aggettivi che io ribalterei in toto definendo la sua intepretazione poco efficace ed esageratamente “comica”, ricca di scene poco memorabili che avrei volentieri saltato.
In conclusione se dovessi consigliare una versione di Addio Giovinezza!, in assenza dell’originale di Oxilia del 1913, consiglierei la prima versione di Genina e non certo questa. Nonostante ciò il regista riesce a dare il suo tocco regalandoci alcune belle scene e una buona fotografia che hanno anche il merito di darci un piccolo spaccato della vita dei giovani universitari dell’epoca. Per ulteriori informazioni e per leggere l’articolo integrale di Doria rimando all’articolo di Sempre in Penombra a cui ho rubato, chiedo venia, la locandina.
1 Estratti degli articoli tratti da S.G. Germani – V. Martinelli, il cinema di Augusto Genina, Udine 1989.
I Vampiri, episodio 1: La testa mozzata (L. Feuillade, 1915)
In questi giorni sto studiando per (provare a) dare l’esame di Storia della Serialità e in bibliografia ho un testo che tratta della serialità delle origini, vale a dire i primi rudimenti delle produzioni mute in serie, concatenate tra loro e legate da una cornice socio-politica in comune. Sto parlando di Trame spezzate. Archeologia del film seriale di Monica Dall’Asta (Recco, Le Mani, 2009), un testo illuminante e fondamentale, credo, per chi si occupa di cinema muto. Già avevo avuto modo di sfogliarlo per la mia tesi di laurea triennale Emilio Ghione regista del cinema muto italiano. Il mio amato Za la Mort è un esempio rappresentativo della prima serialità italiana, sebbene non segua una continuità narrativa lineare, ma parlerei volentieri dell’apache dal volto scavato prossimamente. I film muti in serie dei primi anni del Novecento sono vari ed eventuali, ma principalmente le produzioni sono francesi e statunitensi: ad esempio Victorin-Hyppolite Jasset per Nick Carter, Pearl White nei ruoli delle eroine anticonformiste Pauline, Elaine e Pearl e Louis Feuillade per Judex e Fantômas.
Louis Feuillade è un nome che ricorre tantissimo nel libro di Monica Dall’Asta e vorrei inaugurare con questo articolo un mio personale racconto del serial I Vampiri 
episodio per episodio, tutti e dieci scritti e diretti dal regista francese. Personalmente adoro tantissimo le atmosfere tetre, fumogene e sinistre della Parigi dei primi anni Dieci, immersa ancora per poco negli ultimi granelli di benessere sociale della Belle Époque prima dello scoppio della Prima Guerra Mondiale. Insieme a Zigomar con la Banda degli Z e Fantômas scortato dai suoi fedelissimi apache, i Vampiri sono un gruppo criminale che nella realtà infestano il cinematografo a partire dal 1915 e nella
finzione terrorizzano la classe borghese parigina. Nessuno sa di preciso chi faccia parte dei Vampiri, perfino il capo cambia nome nel corso della serie (più che altro per 
un’esigenza organizzativa degli attori chiamati al fronte), dal Gran Vampiro, passando per Satanas, arrivando a Vénénos. La sola figura fissa, ricorrente nel corso dei dieci episodi della serie è la leggendaria Irma Vep (Musidora), l’unica donna, pare, che compare in maniera sorprendente nel terzo episodio Le Cryptogramme rouge (Il crittogramma rosso). Tutti i membri dei Vampiri agiscono mascherati, coperti da cima a fondo mediante una tuta nera aderentissima; conseguentemente è più difficile essere riconosciuti in caso di testimonianze oculari. Il travestimento è un espediente fondamentale per portare a termine un colpo o un omicidio: difatti, negli anni Dieci, il corpo di Polizia ha da poco iniziato un accurato procedimento di schedatura dei volti finalizzato al riconoscimento facciale mediante caratteristiche fisiognomiche. Con una tuta nera, però, il criminale può agire indisturbato nell’ombra. Sono quindi le ombre e gli inganni il minimo comun denominatore del 
primo episodio della durata di mezz’ora circa intitolato La Testa mozzata. Veniamo ai fatti. Il reporter Philippe Guérande (Édouard Mathé) sta investigando sul caso dei Vampiri, veri e propri seminatori di paura, quando riceve un telegramma che lo informa che il corpo dell’ispettore Durtal, il quale stava indagando anch’esso sulla banda dei Vampiri, è stato trovato senza testa nelle paludi nei pressi di Saint-Clement-Sur-Cher; Guérande parte e si reca al castello del Dr. Nox (Jean Aymé), amico di famiglia, per saperne di più. Nel frattempo si unisce a lui Margaret Simpson (Rita Herlor), una milionaria statunitense giunta in Francia per concludere l’affare di compravendita del castello con il Dr. Nox. La notte stessa la signora Simpson viene derubata di tutti i suoi averi da una figura nera che si introduce nel castello e Guérande viene colto, inspiegabilmente, in possesso di un prezioso portasigarette, l’unico oggetto scampato al furto. Dichiaratosi giustamente innocente, Guérande corre dal magistrato del paese Hamel (Thelès) per denunciare l’accaduto, seguito dal Dr. Nox e la signora Simpson. Guérande e Hamel tornano al castello dopo aver fatto blindare ogni uscita della magistratura da degli agenti, chiudendo il Dr. Nox e la signora Simpson in una stanza. I 
due, al castello, scoprono un passaggio segreto che li conduce al ritrovamento di una scatola al cui interno vi è la testa mozzata di Durtal. Sconvolti, tornano all’ufficio e trovano la signora Simpson senza vita. Del Dr. Nox non vi è alcuna traccia: solo un biglietto su cui vi è scritto che il vero Nox è stato ucciso e che in realtà il Gran Vampiro si è sempre celato sotto le sue fattezze. La camera stacca e segue per qualche minuto i passi di una figura nera sui tetti del paese, la scena più emblematica di tutto il film, dopodichè sfuma al nero.
Volenti o nolenti La Testa mozzata è l’episodio che introduce immediatamente e senza troppi giri di parole nella situazione: è già ovvio e risaputo che I Vampiri sono una temutissima banda criminale da annientare il prima possibile per ripristinare l’ordine cittadino. Si è irreparabilmente coinvolti nelle indagini di Guérande, ma in qualche modo si resta affascinati dall’ambiguità di queste figure nere di cui non si conoscono la natura e lo scopo della loro esistenza. Fossimo catapultati ai giorni nostri, La Testa mozzata avrebbe tutta l’aria di essere un pilot, l’ouverture che indirizza verso crimini molto più grandi di un cadavere decapitato e dell’omicidio di una persona altolocata.
Devo ancora capire se provo maggior empatia verso Guérande o verso I Vampiri, se voglio che la banda sia smascherata una volta per tutte o che le tute nere creino ancora un po’ di scompiglio prima di scomparire nell’ombra, fatto sta che I Vampiri in quanto film mi inquieta non poco ed è veramente giusto così.
[…continua]
Les Vampires – La Tête coupée / Louis Feuillade. – Soggetto e sceneggiatura: Louis Feuillade. – Francia: Société des Etablissements L. Gaumont, 1915. – Con Édouard Mathé, Thelès, Jean Aymé, Rita Herlor. Lunghezza: metri 950 circa.
Visto di Censura (in Italia): 11946, 17 agosto 1916.
Prima visione francese: 13 novembre 1915.
Stato: sopravvissuto.
Fonte: Monica Dall’Asta, Trame spezzate. Archeologia del film seriale, Recco, Le Mani, 2009.
Senza Voce
le voyage dans la lune
