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I Vampiri, episodio 3: Il Crittogramma rosso (L. Feuillade, 1915)

ottobre 5, 2018 1 commento

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Come in ogni serie che si rispetti, c’é sempre quell’ episodio che colpisce più di tutti, che lascia un segno indelebile e indimenticabile. Il Crittogramma rosso, non ho dubbi, é l’episodio più memorabile del serial di Feuillade I Vampiri ed é merito di un personaggio, se la serie si fa sempre più avvincente e oscura: Irma Vep (l’immensa Musidora), il cuore pulsante e chiave delle malefatte della banda criminale. Guérande, il giornalista-ispettore coinvolto nell’intricato gioco del mordi-fuggi tra bene e male, é diretto verso il locale notturno “Al Gatto ululante”, dopo aver seguito le indicazioni di un taccuino rosso sottratto precedentemente al Grande Inquisitore [incontrato nel secondo episodio], che contiene importanti informazioni criptate circa i movimenti dei Vampiri. Fuori dal locale Guerande é attratto da un’affiche ritraente una figuratumblr_o18fxyzn9S1snmmclo1_500 femminile e una scritta a caratteri cubitali “IRMA VEP”. L’ispettore si sofferma per un attimo a osservare meglio e nota come il nome dell’attrice di punta sia l’anagramma di “VAMPIRE“. Effettivamente un trucco tecnico (e iconico) in stop-motion ci mostra le lettere scomporsi e ricomporsi secondo l’immaginazione del povero Guérande che, per poter investigare sulle malefatte dei criminali oscuri, deve fingersi malato sottoponendosi alle amorevoli e un poco insistenti cure della madre. Irma Vep “La Vampira” per eccellenza è l’attrice dello squallido caffé, ricoperta di applausi e acclamata dal pubblico abituale. Non é difficile capire come mai, data la carica sensuale e selvatica che questa donna incarna. Un tango apache si svolge a spettacolo terminato nel seminterrato della bettola, in presenza del Gran Vampiro che fornisce indicazioni alla donna su come intralciare le indagini di Guérande, cioè intrufolarsi a casa sua camuffata da domestica, tentare di avvelenarlo tumblr_o1odsgslyk1snmmclo1_500e appropriarsi del prezioso taccuino. Irma Vep, interpretata dalla grande Musidora, una volta infiltrata nella casa di Guérande di tempo non ne perde e mette a punto il piano per sbarazzarsi dell’obbiettivo. Guérande, però, riconosce Irma Vep grazie ad una fotografia, reagisce e tenta di spararle: la Vampira si dà alla fuga, scomparendo nell’oscurità. Nel frattempo, attirata da un tranello, la madre di Guérande viene rapita e fatta ostaggio dagli accoliti del Gran Vampiro. Grazie, però, a una penna avvelenata donata da Mazamette (Vampiro pentito e attuale collaboratore della polizia parigina), Madame Guérande ferisce il suo carceriere riuscendo a fuggire dal Gran Vampiro e da Irma Vep i quali, giunti nel luogo dove la donna era tenuta prigioniera, riconoscono la penna, una volta appartenuta al gran Vampiro: qualcuno, quindi, é un traditore ed é assolutamente necessario eliminare la “mela marcia” dell’organizzazione criminale.les-vampires-2

Chi? Cosa? Quando? Dove?” domanda il manifesto ufficiale del serial. Chi é davvero Irma Vep e perché collabora coi Vampiri? L’abilità trasformista della malefica donna, che di buono sembra non avere nulla, passa da attrice dei bassifondi che digrigna i denti e guarda in camera come a voler sfidare lo spettatore “temete i Vampiri, vi verranno a prendere”, a criminale mascherata e completamente celata da una tuta nera. Irma Vep, come il Gran Vampiro, come tutti i seguaci dei Vampiri, é ovunque, cambia forma, personalità, si confonde con la quotidianità di chiunque, vive la notte, vive il giorno. Se nei primi due episodi i Vampiri, quando figure agenti, erano ombre, losche trame senza un volto, con Irma Vep l’azione si rivela, abbiamo finalmente una personalità fissa che agisce a volto scoperto. Il che é importante, poiché il Gran Vampiro, l’unico personaggio che sapevamo già essere la mente organizzatrice di questa rete, cambia nome, cambia volto e non agisce di persona, sporcandosi le mani. Per questo con Il Crittogramma rosso, dopo il rullaggio in La Testa mozzata L’ Anello che uccide siamo entrati ufficialmente nella fase di decollo dell’inquietante viaggio verso Parigi. Là, i Vampiri ci attendono.

[continua]

Per maggiori approfondimenti sulla serialitá delle origini rimando al libro di Monica Dall’Asta Trame Spezzate. Archeologia del film seriale, Recco, Le Mani, 2009.

Les Vampires – La Cryptogramme rouge / Louis Feuillade. – Soggetto e sceneggiatura: Louis Feuillade. – Francia: Société des Etablissements L. Gaumont, 1915. – Con Musidora, Édouard Mathé, Marcel Lévesque, Jean Aymé. Lunghezza: metri 1005.

Visto di Censura (in Italia): 11946, 16 maggio 1916.

Prima visione francese: 4 dicembre 1915.

Stato: sopravvissuto.

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Lights of Old Broadway – Monta Bell (1925)

Nel pieno della settantacinquesima Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, in cui ogni cinefilo che si rispetti segue con la massima attenzione il susseguirsi di proiezioni, incontri stampa, conferenze, fischi e applausi, qui si continua a dare uno sguardo (ormai nostalgico) a quella che fu la trentatreesima edizione del Cinema Ritrovato.

Direttamente dagli archivi Library of Congress e UCLA abbiamo una copia di Lights of Old Broadway di Monta Bell (già montatore e assistente alla regia per alcuni film di Charlie Chaplin e in seguito regista del primo film americano di Greta Garbo, Torrent), film che venne distribuito anche in Europa: in Spagna e nel Regno Unito con i titoli rispettivamente di Las luces de Broadway e di Little Old New York.

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Un twin movie delle origini, Lights of Old Broadway narra la vicenda delle due sorelle gemelle la bionda Fely e la mora Anne (interpretate entrambe da Marion Davies) separate alla nascita durante la traversata in nave dall’Irlanda agli Stati Uniti: Fely viene adottata dai poverissimi O’Tandy, Anne dalla ricca famiglia De Rhonde. La narrazione si sviluppa intorno alla crescita di Fely, sognatrice romantica e ballerina del teatro di Tony Pastor; innamoratasi, guarda caso, di Dirk De Rhonde (Conrad Nagel), il fratellastro di Anne, verrà a conoscenza dell’esistenza di quest’ultima solo dopo un bel po’ di tempo. La questione, però, lights-of-old-broadway-grangerè meno dolce del previsto. L’effetto sorpresa della riconciliazione tra le due sorelle dura fin troppo poco e non dà spazio a quello che probabilmente chiunque si aspetterebbe, vale a dire lo sviluppo di una sincera amicizia e di una certa complicità tra sorelle. Occhi sgranati, un fugace abbraccio e conoscenti come prima: la gemella perduta Anne viene frettolosamente archiviata, surclassata da Fely, per poi apparire in qualche breve inquadratura del tutto superflua. Da come la trama era inizialmente tutta concentrata su Fely e la sua sgangherata famiglia irlandese, la situazione cambia ben poco. In una New York investita dai primi barlumi della luce elettrica di Thomas Edison, in sostituzione all’obsoleta illuminazione a gas, l’obiettivo primario diventa far riconciliare le famiglie, da sempre rivali, dei futuri sposini. Quindi, dopo un bel po’ manganellate goliardiche tra Don O’Tandy e Mr. De Rhonde, il finale è tanto prevedibile quanto sorprendente. New York finalmente si illumina e acquista nuova luce anche sul piano del materiale della pellicola, passando dal bianco e nero al metodo di colorazione a mano Handschiegl. La bellezza dei fotogrammi e l’imponenza della bandiera degli Stati Uniti con colori veri è il reale punto di forza di Lights of Old Broadway, che rimane comunque una bella commedia, brillante anche nella fluidità dei dialoghi.

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Lights of Old Broadway / Monta Bell. – Soggetto: dal lavoro teatrale Merry Wives of Gotham; or Two and Sixpence(1925) di Laurence Eyre. – Sceneggiatura: Carey Wilson,
Joseph Farnham – Stati Uniti d’America: Cosmopolitan Productions per Metro-Goldwin-Mayer (MGM), 1925. – Con Marion Davies, Conrad Nagel, Frank Currier, Julia Swayne Gordon, Charles McHugh. Lunghezza: 2016 metri circa. Stato: sopravvissuto.

Rosita – Ernst Lubitsch (1923)

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Io adoro Mary Pickford, qui lo dico e qui lo affermo: attrice, diva invidiatissima per i suoi lunghissimi boccoli biondi e soprattutto produttrice, contribuì all’evoluzione dell’industria hollywoodiana, essendo stata co-fondatrice della United Artists insieme a Charlie Chaplin, D. W. Griffith e Douglas Fairbanks nel 1919 e nel 1927 uno dei trentasei fondatori dell’Academy of Motion Picture Arts and Sciences. Una donna fabbro del suo destino e di quello degli altri. La Pickford non era quindi una stupida, a differenza dei personaggi spesso ingenui che doveva interpretare nei suoi film da prima attrice, forse solo un po’ brusca nel dichiarare che “aggiungere il suono ai film sarebbe come mettere il rossetto alla Venere di Milo”, tant’è che nel 1933, guarda un po’, si ritirò dalle scene continuando però a produrre pellicole per la United Artists fino al 1956.

Nel 1922 avvenne l’incontro con Ernst Lubitsch, appena emigrato negli Stati Uniti per lanciarsi in nuove avventure registiche. L’anno dopo produssero insieme Rosita, il primo film americano del regista tedesco. Una collaborazione che doveva essere più longeva (il contratto tra i due prevedeva tre film), ma i progetti si interruppero, così come anni dopo la Pickford decise di testa sua per ragioni sconosciute che Rosita era un film da rottamare, sebbene venne accolto invece molto positivamente da critica e pubblico. Vedere Rosita proiettato una sera di giugno (nemmeno molto calda, fortunatamente) sullo schermo gigante più grande d’Europa in piazza Maggiore a Bologna è stata una soddisfazione immensa per me e per la grande folla che il Crescentone bolognese ha saputo accogliere e, non meno importanti, sono stati i numerosi applausi. Una scelta ottima e coraggiosa da parte della Cineteca di presentare un muto che non fosse il solito Keaton o la certezza Chaplin.

Azzarderei a definire Rosita una commedia: il motivo, tanto banale quanto evidente, è che  non smettevo di sorridere e spesso mi trovavo a ridacchiare e fare commentini sarcastici con la mia amica seduta di fianco a me. Ne sono stata piacevolmente coinvolta e naturalmente non è stato così tanto difficile provare simpatia verso Rosita (Pickford), la musicista spagnola che porta allegria per le strade di Siviglia e sbarca il lunario suonando e cantando per portare a casa qualche soldo. E’ stato anche impossibile non ghignare di fronte alle continue avances nei suoi confronti da parte del pasciuto e infido re di Spagna (Holbrook Brinn), o accennare un risolino divertito ogni volta che appariva la cacofonica famiglia ritratta come buffe figurine di contorno (sì, anche se muto si potevano captare molto bene le imprecazioni e gli improperi della madre di Rosita).

Detto ciò, Rosita è un film simpatico, per i più romantici c’è anche una tenera storiella d’amore tra Rosita e il (bel) capitano Don Diego, una dose di femminismo in endovena (col cavolo che la tostissima Rosita finisce a letto col re!) e l’immancabile Lubitsch touch esportato alla grandissima nel territorio della nascente produzione hollywoodiana dei primi anni Venti. Rosita scorre leggero come le note della chitarra imbracciata dalla Pickford, è un film in cui nessuno è davvero cattivo, nemmeno il re che condanna a morte gratuitamente Don Diego rischiando così di spezzare un amore appena sbocciato, o almeno, è proprio merito di Lubitsch, il quale costruisce una trama psicologica per ogni personaggio tale da forgiare una profonda empatia tra spettatore e protagonista della scena. La testimonianza che ci lasciano Mary Pickford e Ernst Lubitsch è quasi unica, poichè come accennato poco sopra, la produttrice volle ogni che copia del film andasse completamente al macero. Ci riuscì, ma ne sopravvisse una, sempre e solo quel granello di nitrato, una copia piccina e rara, ritrovata improvvisamente in Russia. Ancora una volta un immenso colpo di fortuna che ci mostra la modernità di una commedia di successo: Rosita ce l’ha fatta.

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Rosita / Ernst Lubitsch. – Soggetto: Norbert Falk e Hanns Kräly dall’opera Don César de Bazan di Adolphe Philippe d’Ennery e Philippe-François Pinel. – Sceneggiatura: Edward Knobloch. – Stati Uniti d’America: Mary Pickford Company, 1923. – Con Mary Pickford, Holbrook Blinn, Irene Rich, George Walsh. Lunghezza: 2736 metri circa. Stato: sopravvissuto.

Oswald il coniglio fortunato e ritrovato

 

 

“Tutto è cominciato con un topo” (Walt Disney, Disneyland, 27 ottobre 1954). Mi sento di smentire subito questa affermazione: Mickey* aveva in realtà un fratello maggiore, Oswald. Oswald era un coniglio burbero, pasticcione, dalle lunghe orecchie (spesso prensili) e dagli occhietti scuri, un po’ diverso dall’insicuro, ma saputello, Mickey. Se Mickey ebbe il successo universale che tutti conosciamo a partire dall’iconico Steamboat Willie (1928), l’esistenza del buon Oswald fu breve. O almeno, in casa Disney. La vicenda riguarda un mero fatto burocratico e di diritti: Oswald divenne proprietà di Charles Mintz, distributore della Universal con cui Disney e il suo braccio destro Ub Iwerks avevano stipulato un contratto, consapevole del successo che Oswald stava ottenendo nel 1927. Dopo questa ingiustizia Disney decise che non avrebbe più lavorato all’animazione di un personaggio che non fosse esclusivamente sotto il suo controllo; per questo motivo si mise al lavoro per Mickey Mouse, mentre Oswald continuò ad essere prodotto dalla Universal fino agli anni ’60.

 

 

Oswald fu protagonista di 27 film prima di passare agli studi Winkler (di proprietà di Mintz): fece la prima apparizione in Poor Papa (1927) che non riscosse particolare clamore; al contrario Trolley Troubles (1927) lo portò alla consacrazione. Degni di nota furono anche i successivi Great Guns! (1927), Empty Socks (1927), Tall Timber (1928), Oh What a Knight (1928) e Sleigh Bells (1928). Molti film sono stati riscoperti solo recentemente, quando si presumevano perduti. Empty Socks Tall Timber, ad esempio, sono stati ritrovati in Norvegia: il primo, di cui mancano trenta secondi, nel 2014 nelle collezioni della Biblioteca nazionale norvegese, il secondo nel 2007 presso il Norsk Filminstitutt. Entrambe le copie sono state portate al Cinema Ritrovato 2018 e presentate prima della proiezione di The Navigator (B. Keaton, 1924).

Credo di nutrire una più profonda simpatia nei riguardi di Oswald, piuttosto che verso Mickey. Innanzitutto l’Oswald disneyano non ha subito, giustamente, particolari trasformazioni fisiche (quello della Universal è diventato nel tempo, non so come, la fotocopia di Tippete di Bambi) ed è rimasto sostanzialmente una linea in due dimensioni, continua, chiusa e riempita di nero, come piace a me. Il fatto poi che sia stato “rimpiazzato” da un topo coi guanti non gli rende giustizia. Un’apparizione da guest star avverrà nel 2010 con il videogioco Epic Mickey: Mickey viene inglobato in un mondo parallelo chiamato “Rifiutolandia” (Wasteland) in cui vi abitano i personaggi Disney dimenticati. Inutile dire che Oswald ha un ruolo rilevante nello svolgersi delle cose. Nel graphic novel tratto dal videogioco è memorabile il dialogo-scontro tra Mickey e Oswald. “Ascoltami Oswald…Prima di lasciare Male Street, Clarabella ha detto che potevi aiutarmi a tornare a casa!” “Almeno tu hai una casa! Anch’io ne avevo una…un tempo. Non era un granché, ma almeno era tutta nostra! Ma tu! Tu avevi tutto! Famiglia, amici! Ammiratori! Ammiratori che hanno dimenticato me, ma che erano pronti a dare qualsiasi cosa pur di comprare questa spazzatura…per ricordarsi di te!” (Epic Mickey – La leggendaria sfida di Topolino, 2010).

Oswald è solo un coniglio. Potremmo definirlo un “esperimento”, una premessa, una parentesi sfortunata della carriera di Walt Disney. Oswald, però, è fortunato. Perchè nelle sue rocambolesche disavventure sorride sempre, è felice di vivere nel suo mondo semplice, affiancato dalla gattina Ortensia e di tanto in tanto da dei piccoli coniglietti. Oswald ha vissuto due anni intensi, è stato dimenticato, ma c’è chi ha avuto il piacere di trovarlo, riscoprirlo e restaurarlo. E così Oswald è fortunato anche per questo.

 

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* Chiamo Topolino col nome originale “Mickey”, poiché arriva in Italia per la prima volta nel 1930 sul numero 13 del settimanale torinese “Illustrazione del Popolo”. Solo due anni dopo appare la definitiva traduzione “Topolino” sull’omonimo libro illustrato della casa editrice Nerbini.

Il gioiello perduto di Ernst Lubitsch: Der Fall Rosentopf (1918)

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Il Caso Rosentopf (1918) è un piccolo tesoro, ritenuto perduto, ritrovato e riscoperto recentemente dal Bundesarchiv Filmarchiv. Originariamente composto da quattro atti, possiamo considerarci fortunati di poter vederne i primi due della durata di circa venti minuti. Prima di lasciare la Germania e partire per gli Stati Uniti nel 1922 e di passare definitivamente alla regia nel 1921, Ernst Lubitsch è attore protagonista dei suoi stessi film: apparentemente l’ultima comparsa sul grande schermo come interprete è in Sumurun (1920). Nel Rosentopf Lubitsch interpreta l’ebreo Sally, personaggio molto popolare in Germania, di stampo slapstick già apparso precedentemente Die Firma heiratet (1914), Der Stolz der Firma (1914), Schuhpalast Pinkus (1916) e Der schwarze Moritz (1916). Molti film con Sally protagonista sono da andati perduti, data la natura antisemita e satirica dei soggetti. Sfacciato e insolente, come riporta esaustivamente Andrea Martini: “Sally è qui un aiuto-detective che intascato l’anticipo dal capo lo consuma offrendo champagne a quattro segretarie per poi stancamente mettersi alla ricerca di chi abbia fatto cadere il vaso di fiori assassino, cui allude il titolo. Sally che non ha intenzione di stancarsi troppo pensa di risolvere il caso chiedendo a chi abita nel palazzo se non abbia fatto cascare un vaso e quando la richiesta irrita un borghese inamidato ne riceve uno schiaffo. Ma poiché al tizio nell’assestare il manrovescio scivolano dalla tasca dei denari, subito raccolti da Sally, è possibile mettere in bocca al protagonista la compiaciuta affermazione, ben più che ambigua, vorrei prendere uno schiaffo al giorno.” (Fonte: A. Martini, “Il Lubitsch ritrovato, attore dongiovanni”, Il Sole 24 Ore, 11 giugno 2018). A cavallo tra due decenni, gli anni Dieci tedeschi e gli anni Venti americani, Lubitsch anticipa quindi il suo touch, “tocco”, firma, segno distintivo: il mix equilibrato di erotismo ed umorismo che contraddistingueranno sempre le sue produzioni. Il berlinese Lubitsch è divertente e goffo, cade a terra, si rialza, sgrana gli occhi, picchia i tasti di un pianoforte, ci prova spudoratamente con la ballerina Bella Spaketti (!). Il Sally perduto e ritrovato si interrompe bruscamente lasciandoci con il dubbio su chi abbia lanciato il vaso di fiori, ma, per ora, siamo contenti e ci piace così.

Der Fall Rosentopf / Ernst Lubitsch. – Soggetto e sceneggiatura: Ernst Lubitsch, Hanns Kräly. – Germania: Projektions – AG “Union” (PAGU), 1918. – Con Ferry Sikla, Margarete Kupfer, Ernst Lubitsch, Trude Hesterberg.  Lunghezza frammento: metri 547 circa.

Stato: parzialmente sopravvissuto.

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Quello che resta. Cronaca semiseria di fatti realmente svoltisi al Cinema Ritrovato 2018.

Con la mia tazza di caffè freddo mattutino in mano, il ventilatore acceso al massimo e i capelli raccolti in una crocchia disordinata, mi siedo davanti al computer per aprire un nuovo file word e scrivere il resoconto dei film che ho visto il giorno prima. Oggi non va così perché il Cinema Ritrovato (muto) è finito due giorni fa e il mio ultimo pezzo su Cinefilia Ritrovata è stato pubblicato ieri. La costante abitudine di vedermi tre muti al giorno, scrivere nelle (poche) pause tra una proiezione e l’altra al tavolo riservato a noi redattori in biblioteca Renzo Renzi, sembra essersi fermata improvvisamente. Duemilacinquecento-tremila battute a recensione, il programma cartaceo sotto mano per copiare con precisione nomi stranieri e anni di produzione, concentrazione che andava e veniva, bottigliette d’acqua tiepida scolate in pochi minuti. Alla fine, quelle duemilacinquecento-tremila battute sono state moltiplicate per dodici, il numero totale di recensioni pubblicate su Cinefilia Ritrovata.

Credo sia giunto il momento di lasciarmi finalmente andare e buttare fuori senza trattenermi quello che mi è rimasto di questo CR, tra dietro le quinte e attimi esilaranti.

Porterò sempre nel cuore, ad esempio, Shiraz. A Romance of India (1928), un film molto

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La tizia indiana e assassina di cui ancora non ho capito il ruolo nelle vicende di “Shiraz”.

interessante che ha potuto offrirmi uno sguardo inedito verso il cinema muto orientale. Davvero molto bello, peccato che quel pomeriggio del 24 giugno sono stata colta da violenti colpi di sonno dopo venti minuti dall’inizio del film, me ne sono persa una buona mezz’ora, essendo caduta in preda di un fastidiosissimo dormiveglia. Tuttora non ho la più pallida idea del perché una tizia indiana uccida un’altra tizia indiana mettendole del veleno in un bicchiere d’acqua.

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Eduardo Notari, ‘uaglione ‘e core.

Ricorderò con molto affetto il faccino triste e malinconico di Eduardo “Gennariello” Notari, attore e presenza più che fissa nei film della madre Elvira. Il ‘uaglione ‘e core coi capelli alla Andrea Lucchetta, ma ricci e scuri, che avrà avuto più o meno la mia età nei tre film del ’22 diretti dalla madre (gli unici sopravvissuti della regista partenopea), cerca sempre di fare in modo che la catastrofe non si compia (invano), soffre come un cane, muoiono tutti e lui continua a condurre la sua esistenza in un costante mainagioia. Personaggio perennemente tormentato e per questo degno eroe nazionale del Cinema Ritrovato 2018.

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Lyda Borelli e le sue mani.

Le perle di sceneggiatura di alcuni muti, soprattutto napoletani, non smetteranno mai di sorprendermi. Come il bellissimo scambio di battute in E’ Piccirella (1922) tra Tore, ferito e percosso a sangue per amore di Margaretella, e Gennariello, giunto tempestivamente in soccorso, che sostanzialmente fa: “Resisti Tore, mamma sta morendo, devi andare a salutarla”. Della serie “Per l’onore di mamma aspetta ancora qualche ora, poi per me puoi anche morire dissanguato”. Ok.

O i primi film d’animazione Disney con Oswald il coniglio, talmente strampalati che mi hanno spinta a confermare la mia convinzione che zio Walt assumesse qualcosa di non molto leggero. In confronto, Entr’acte (1924) di René Clair, più che un film dadaista, è una screwball comedy, per dire.

Il tremendo misunderstanding dell’ultimo giorno, in cui sia io che Yann eravamo convinti di stare per vedere Santarellina (1923) di Eugenio Perego con la nostra amatissima Leda Gys. Trepidanti e sereni ci sediamo in sala. “Ma quella non è Leda Gys” mi sussurra dopo qualche minuto Yann. “Eh, direi di no” ribadisco io. Ed effettivamente anche i movimenti di macchina erano un po’ troppo statici per essere una produzione dei primi anni Venti. Riguardiamo bene il programma: è il Santarellina di Mario Caserini del 1913. Yann si abbiocca, io decido di aggiornare i post sull’ account instagram di E Muto Fu e chiudere ogni tanto gli occhi per riposarli. Di una noia mortale, ricordo solo la presenza di un uomo e una donna che parlano separati da un paravento. Fine.

La bambola in The Jealous Doll, or, The Frustrated Elopement (Percy Stow, 1909), che dichiaro miglior personaggio horror del Cinema Ritrovato. Girato in stop motion, il film parla di una bambola che prende vita e si ingelosisce della sua padroncina che l’ha abbandonata momentaneamente. In sostanza la stalkera, tanto da infilarsi a testa in giù tra la ruota e il parafango di un’automobile per raggiungerla nell’hotel dove sta facendo colazione con il suo amichetto di giochi. L’ansia.

E ancora l’ipnosi provocata dal movimento delle mani di Lyda Borelli in Carnevalesca (1918). Altro che “espressività facciale intensa e studiata” e decadentismo, sono le sue mani il vero fulcro del dramma: non so se si possa definire “umano” il fatto che la Borelli le avesse tanto snodabili e flessibili. Fateci caso, la prossima volta che guardate Carnevalesca e vedrete che non sono io che sono pazza.

Il libriccino del 1909 trovato alla Mostra Mercato dell’editoria cinematografica in biblioteca Renzo Renzi che spiega come usare un Cinematografo, la monografia su Za la Mort di Martinelli comprata dopo mesi di indecisione, gli autobus che non passavano e che mi hanno fatta arrivare al pelo di ogni proiezione, le proiezioni a carbone in piazzetta Pasolini, Rosita (1923) di Lubitsch in Piazza Maggiore, le pizzette del forno Brisa e i pranzi al Centro (o meglio, Circolo) Costa e davvero molto altro.

Questi sono i fatti (alcuni purtroppo) realmente accaduti al Cinema Ritrovato 2018. Potrei aggiungere tantissimi altri aneddoti, molti dei quali di poco conto. Mi sembra

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Quello che resta.

doveroso, però, dover ringraziare chi ha fatto in modo che tutto questo accadesse: Roy Menarini, curatore della squadra di Cinefilia Ritrovata, lo staff del CR costituito da centinaia di persone che hanno lavorato costantemente otto giorni su otto, i lettori che sono venuti a trovarci e Yann, che mi ha accolta con fiducia a gennaio su E Muto Fu (un “grazie”
non sarà mai abbastanza) e compagno di questa folle avventura. Grazie, infine, a chi mi ha letta e ha capito il mio lavoro. Buon cinema muto a chi continuerà a leggerci.

 

Categorie:Film Muti

I Vampiri, episodio 2: L’anello che uccide (L. Feuillade, 1915)

Les_vampiresArticolo breve ma intenso del secondo episodio del serial cinematografico I Vampiri, sia
per un bisogno di risparmio di energie in vista del Cinema Ritrovato 2018, che per una questione di lunghezza del secondo episodio La bague qui tue (L’anello che uccide), proprio per questo motivo distribuito insieme al primo episodio La Tête coupée (La testa mozzata) di cui ho parlato un mese fa. Nonostante, appunto, la durata di 13 minuti, ne La testa mozzata assistiamo a ben due omicidi da parte dei “Cavalieri delle tenebre” (epiteto aggiunto come sottotitolo alla versione distribuita in Italia). La prima vittima è Marfa Koutiloff (Stacia Napierkowska), ballerina e nuova fiamma di Philippe Guérande (Édouard Mathé) che si esibisce nei primi minuti del film nell’iconica danza su un palcoscenico di un teatro senza nome con scenografia gotica travestita da pipistrello che ronza intorno a una giovane ragazza addormentata, quasi una controparte creepy delle danze serpentine di Loïe Fuller di fine Ottocento. Dopo essersi librata in aria sostenuta da dei fili invisibili, la donna accenna un malore e cade a terra. I soccorsi sono inutili e la donna muore. L’artefice dell’assassinio è il Gran Vampiro (Jean Aymé) travestito da Conte di Noirmoutier (sottolineo come Feuillade giochi bene sui nomi del Gran Vampiro quando è altro da sè stesso), il quale le aveva donato prima dell’esibizione un anello avvelenato (forse intriso di veleno di Aconite che può essere assorbito immediatamente dalla pelle e portare alla morte senza possibilità di antidoto nel giro di qualche ora) per sviare l’attenzione del pubblico dalle tematiche della danza rievocanti le gesta dei Vampiri. Guérande (Édouard Mathé) nota una certa somiglianza del conte con il Dr. Nox già incontrato in precedenza, lo segue, ma viene catturato. Si risveglia in uno scantinato in compagnia di Mazamette (Marcel Lévesque), vampiro pentito che lo aiuta nelle sue indagini. I due riescono a scappare sul fare della mezzanotte, imprigionando il Grande Inquisitore giunto per interrogare Guérande. Successivamente si presenta il Gran Vampiro insieme al Comitato Nero, ma all’arrivo improvviso della polizia sono costretti a fuggire, non prima di aver ucciso a sangue freddo il prigioniero nella convinzione che si tratti di Guérande. La polizia, seguita dal vero Guérande, scopre l’identità del prigioniero: è Henri Delegue, Giudice Capo della Corte Suprema di Giustizia. Guérande giura di catturare personalmente i Vampiri e l’episodio di conclude. Qui dinamismo e colpi di scena si susseguono rapidamente e in poco tempo. Sicuramente la sequenza catalizzante è quella con la Koutiloff, imprevedibilmente vampira al contrario, carnefice sì, sul palcoscenico, nella finzione, tra le quinte di un teatro, ma vittima innocente di una gara di omicidi che non fa distinzioni. La bague qui tue è una parentesi della crudeltà di una banda senza scrupoli, anche qui con Guérande che funge da pedina nelle mani del Gran Vampiro e che riceve una bella batosta psicologica; un interludio che precede e stende un tappeto rosso a Irma Vep ne Il Crittogramma rosso, episodio intriso di crimini sempre più crudeli e sempre più oscuri.

[continua]

 

 

 

Les Vampires – La bague qui tue / Louis Feuillade. – Soggetto e sceneggiatura: Louis Feuillade. – Francia: Société des Etablissements L. Gaumont, 1915. – Con Édouard Mathé, Marcel Lévesque, Jean Aymé, Stacia Napierkowska. Lunghezza: metri 350 circa.

Visto di Censura (in Italia): 11946, 17 agosto 1916.

Prima visione francese: 13 novembre 1915.

Stato: sopravvissuto.