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Posts Tagged ‘Ambrosio Film’

PRELUDIO – Il fiacre n. 13 (1917)

Tube, frac, omicidi e una carrozza dal numero non molto felice.

Questo è il sunto del quarto episodio di Il fiacre n. 13, film tratto dall’omonimo romanzo edito nel 1881 da Xavier de Montépin, autore francese di romanzi d’appendice in voga quegli anni. Nel film l’influenza del feuilleton e del genere poliziesco francese c’è e si vede; è inoltre inevitabile non fare un confronto con un altro serial italiano contemporaneo quale I topi grigi di Emilio Ghione: l’ambientazione parigina (in realtà gli studi torinesi della Ambrosio), i costumi, i sotterfugi, la donna da salvare. Insomma, praticamente una versione un po’ più benestante di Za la Mort che, per spostarsi da una bettola all’altra, non potendo permettersi una carrozza, preferiva andare a piedi (come scordarsi gli ultimi, lunghi fotogrammi di Dollari e fracks…) o adoperando una più comoda Lancia.Schermata 2018-04-19 alle 16.31.15

Peccato aver visionato all’archivio audiovisivi della Cineteca di Bologna solamente il quarto episodio Giustizia!, (*) l’unico insieme a Gian Giovedì, il secondo, ad essere completamente risparmiato dalle lame della censura (Il delitto al Ponte di Neuilly non venne nemmeno distribuito). Tant’é che vedere un film solo nella sua parte finale comprendendo molto poco di quanto accaduto prima non è proprio il massimo. Se si vuole, l’unico vantaggio che il cinema muto italiano offre (degli anni Dieci almeno) è che mediamente il cast di un lungometraggio comprende sì e no una decina di interpreti; pertanto, grazie anche alla cospicua presenza di didascalie esplicative che danno un ritmo serrato alla narrazione, non è stato così complicato tessere le fila della storia.

Ambientato in un contesto aristocratico, il duca George de Latour (Vasco Creti), insieme all’amante Berta (Helena Makowska) vuole interrompere una volta per tutte l’agiatezza famigliare del fratello che ha appena avuto un erede, intascandosi così tutti i suoi beni, ingaggiando l’apache Gian Giovedì (Alberto Capozzi). Da qui parrebbe esserci tutto un susseguirsi di sottotrame e personaggi secondari che col passare degli episodi acquisiscono una maggior fisionomia e psicologia, così come certi rapporti svelati solo in Giustizia!. Dico parrebbe per i motivi spiegati sopra. Ho intenzione di approfondire il tutto andando alla ricerca degli altri tre episodi della “carrozza sventurata”: prego i lettori di considerare questo breve articolo come un preludio a quello che verrà, o come input per cercare insieme a me i restanti episodi.

(*) Convintissima di trovare sul supporto dvd tutti gli episodi, mi si è presentato invece il titolo “Episodio IV: Giustizia!”. Sono sicura che il lettore proverà una certa empatia nei confronti del mio disappunto e della mia delusione.

Il fiacre n. 13 (Episodio I: Il delitto al Ponte di Neuilly; Episodio II: Gian Giovedì; Episodio III: La figlia del ghigliottinaio; Episodio IV: Giustizia!) / Alberto Capozzi e Gero Zambuto. – Soggetto: Xavier de Montépin – Sceneggiatura: Giuseppe Paolo Pacchierotti . – Torino, Società Anonima Ambrosio, 1917. – Con Alberto Capozzi, Helena Makowska, Gigetta Morano, Fernanda Negri Pouget, Vasco Creti, Diana Karenne. Lunghezza: metri 5520 circa. 

Visto di Censura: Il delitto al Ponte di Neuilly – 12414, 30 marzo 1917, vietata;

Gian Giovedì – 12415, 20 gennaio 1917, approvata; 

La figlia del ghigliottinaio – 12416, 20 gennaio 1917, approvata con riserva;

Giustizia! – 12417, 20 gennaio 1917, approvata.

Stato: parzialmente sopravvissuto.

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Il Parsifal ritrovato di Caserini

gennaio 2, 2014 2 commenti

Si credeva perduto, ma all’inizio degli anni Novanta, per uno di quei fortuiti e apparentemente inspiegabili casi di cui il Cinema, sopratutto delle origini, è costellato, il Parsifal di Mario Caserini è stato ritrovato in Olanda. La copia, con didascalie olandesi, faceva parte della preziosissima collezione Jean Desmet, nominata nel 2011 patrimonio dell’umanità dall’Unesco.
Una copia del restauro realizzato dal Nederlands Filmmuseum di Amsterdam è stata acquisita nel 1992 dal Museo Nazionale del Cinema di Torino e proprio alle porte del Museo di Torino è andato a bussare qualche anno fa il Maestro Luca Salvadori, già noto al mondo cinematografico per numerose colonne sonore per il cinema e la televisione.
«Ero in cerca di un film muto, con tema sacro. Mi proposero tre titoli, uno di questo era proprio Parsifal.» Così Salvadori stesso ha spiegato il 30 dicembre scorso, prima della proiezione nella Chiesa di San Giovanni Battista a Formia, la nascita di questo progetto, per il quale ha composto numerosi temi per organo, da usare come un continuum durante la proiezione, seguendo uno schema molto lasco, vincolante solo in certi punti, in scene e gesti il cui commento risultava necessario ed efficace. Il passaggio da un tema all’altro e l’interpretazione degli stessi è completamente da affidarsi all’improvvisazione e alle sue spiccate qualità di strumentista.
Alle immagini è affiancata anche una sonorizzazione ambientale che risponde a determinati movimenti, come il suono degli zoccoli dei cavalli in corsa, ma anche scollegata da questi e costituita da suoni puramente elettronici, che aggiungono poco o nulla alla resa complessiva.

Personalmente non conosco l’evoluzione nel tempo e nelle varie redazioni letterarie, operistiche o teatrali del personaggio Parsifal o Parceval, quindi non saprei riconoscere la fonte a cui Caserini e gli sceneggiatori (Alberto Capozzi e Arrigo Frusta) si siano ispirati. L’opera di Wagner è sì antecedente (1882) ma la prima in Italia, a Bologna, è solo del 1914. Nonostante ciò la trama vi aderisce in buona parte.

Amfortas, cavaliere della Tavola Rotonda e custode del Sacro Graal, viene tentato e sedotto da Kundry, oscura maga che agisce in collaborazione con Klingsor. Amfortas non è più degno di tale titolo e disperato cerca consolazione nel vescovo di Monsalvato, che dopo averlo visitato ha in visione un giovane puro e forte, Parsifal, destinato a difendere la sacra coppa. In sogno Parsifal viene chiamato a tale incarico e decide di partire alla volta di Monsalvato. Sulla sua strada incontra i due demoni, Klingsor e Kundry, che trasformandosi, ora in mendicanti, ora in principi, tendono inganni al fiero Parsifal che sorretto dalla forza della fede giunge in tempo là dove sono riuniti i cavalieri della tavola rotonda. È profondamente deluso dalla compagnia, del tutto differente dalle aspettative, ma lì incontra casualmente il vescovo che riconosce chi gli era apparso e presto lo nomina custode placando la disperazione ed i sensi di colpa di Amfortas.

L’opera è del 1912, Caserini lavorava per l’Ambrosio Film di Torino, il film in costume spopolava, ma il regista romano stava già trovando la sua dimensione, la sua identità, in quel tipo di cinema. La accuratezza degli ambienti e la calcolatissima messa in scena dei suoi film sposavano la teatralità assoluta dei suoi attori. Vitale De Stefano (Parsifal), Antonio Grisanti (il vescovo), Mario Bonnard (Amfortas) nella loro enfatica e descrittiva interpretazione non fanno discostare molto questo Parsifal dalla produzione dell’epoca.
Da parte sua, Caserini, lavora bene su almeno un paio di elementi. Mentre il montaggio è il più elementare possibile con un’inquadratura per scena, in molte di queste intervengono dissolvenze e tagli “à la Meliés” che permettono di visualizzare apparizioni, sparizioni, trasformazioni, così come il soggetto tra mitico, cavalleresco e religioso richiede. Ho molto apprezzato i viraggi (resi splendidi da un restauro nitido e pulitissimo) che ben collocavano i luoghi d’azione ed esaltavano le riprese di esterni. La scena seppur fissa non è mai piatta: i personaggi si muovono sempre diagonalmente, in profondità, mai paralleli al piano dell’immagine.
Una scena sopratutto gioca su questi movimenti e risulta esemplare. Parsifal sta lasciando la casa materna, parte a cavallo e la madre (Maria Gasparini, moglie del regista) e altri due personaggi lo salutano dal balcone. Caserini riprende la scena dal retro, dall’interno della casa, senza mostrare Parsifal. I tre personaggi di spalle si muovono lungo il balcone sfruttandone l’estensione e restando a fuoco, grazie alla pellicola ortocromatica e all’ampia profondità di campo possibile. Questo movimento, esaltato dal contrasto nero-luce, dentro casa-fuori casa, dona alla scena e ai loro saluti naturalezza e commozione.
Anche un’altra scena è degna di nota. Il vescovo narra a Parsifal la storia del Sacro Graal e Camerini ne visualizza il racconto, come in un flashback, raffigurando la crocifissione nel momento in cui viene inflitta la lancia nel costato di Gesù e Giuseppe di Arimatea ne raccoglie il sangue nella coppa. Sceglie di filmarla in controluce con tutti i personaggi ridotti ad ombre i cui gesti vengono, in questo modo, sublimati. Lo sfondo è luminosissimo e questo effetto, questo contrasto, è di notevole drammaticità visiva.

Salvadori all’organo ha saputo sottolineare il drammatico e l’avventuroso che connotavano questo Parsifal con lunghi accordi tenuti, ritmi spezzettati e sottili dissonanze, ricevendo un lungo e meritato applauso.
Certo sarebbe opportuno fare delle nuove didascalie in italiano da sostituire a quelle olandesi per restituire all’opera la sua piena godibilità ma poter godere di tutto ciò, dal vivo ed in una chiesa, come in questa occasione, ha lasciato il pubblico, non propriamente abituato a questo stile cinematografico, sorpeso, del tutto soddisfatto e, ne son sicuro, anche incuriosito.

Amor di Regina – Guido Volante (1913)

Mary Cléo Tarlarini

Nella giornata che il Cinema Ritrovato 2013 ha dedicato alla replica di una giornata tipo al Cinema Tivoli di Parigi è stato proiettato anche un film italiano molto interessante, purtroppo mutilo, prodotto dalla Ambrosio Film. Si tratta di Amor di Regina di Guido Volante, classica storia del segreto amore tra una regina e un suo fedele servitore. Ma quello che colpisce è la raffinatezza del contorno della vicenda, il gioco di luci e ombre e la scenografia curatissima.

Il regno di Ircania è in fermento e presto scoppia una guerra civile. Così il Re Ircano III (Orlando Ricci) e la Regina Martza (Mary Cléo Tarlarini) sono costretti a fuggire dalla loro nazione. Al loro fianco si schiera l’ufficiale dell’esercito Oscar (Alfredo Bertone) che ha una relazione segreta con la regina. Spinto da un genuino amore per la sua nazione egli si propone di organizzare la fazione filomonarchica contro quella repubblicana decisamente più organizzata. Ma un tragico giorno scoppia un incendio nella sede reale e Oscar si trova di nascosto nella stanza della Regina. Pur di non dare adito a scandalo egli deciderà di restare nella stanza in balia delle fiamme…

Il film si interrompe con il tragico sacrificio di Oscar in una scena splendida per tutta la sua intensità. Amor di Regina è uno dei punti più alti della carriera cinematografica di Mary Cléo Tarlarini,una delle prime grandi dive del cinema italiano. Qui interpreta alla perfezione la Regina Martza, così come perfetto è Alfredo Bertone nei panni dell’ufficiale innamorato, che a questo sua sentimento genuino contrappone un altrettanto forte amore per la propria patria e le sue istituzioni. Si tratta, insomma, di un altro capitolo forse troppo a lungo dimenticato della produzione italiana che speriamo possa ritrovare la sua forma più completa nei prossimi anni.

Aggiornamento 2014: E per una volta la mia speranza è stata esaudita. Passa solo un anno e Amor di Regina di Guido Volante torna ad essere proiettato durante il Cinema Ritrovato,  dopo un’importante opera di restauro della Fondazione Cineteca di Bologna e Museo Nazionale del Cinema fatto a partire da un nitrato della Cinémathèque française ed appena completato. L’edizione restaurata presenta un finale maggiormente strutturato, mentre lo scorso anno ci eravamo dovuti fermare all’incendio, lasciando il dubbio speranzoso nello spettatore sulla sorte del nobile soldato, ora Oscar muore. Così mentre il Re festeggia la patria finalmente riconquistata, alla Regina non resta che continuare a commemorare segretamente il suo amato. Chiudo con un anecdoto curioso. Sapete che sia nel 2013 che nel 2014 ho scritto per Cinefilia Ritrovata ed entrambi gli anni il film è stato proiettato. Tutte e due le volte ho scritto un articolo che però non è stato pubblicato perché gli articoli da inserire quel giorno erano troppi e più importanti.

Cenere – Febo Mari (1916)

Con Cenere di Febo Mari siamo di fronte ad un capitolo forse dimenticato del cinema italiano. La pellicola, di per sè, non spicca per la sua bellezza ma affascina grazie ai paesaggi e alla splendida interpretazione di Eleonora Duse, attrice teatrale di fama internazionale celebre anche per la sua tormentata storia d’amore con Gabriele D’Annunzio. La Duse, all’epoca quasi sessantenne, non reciterà in nessun altro film, lasciando al solo Cenere il compito di tramandarla. Le vicende, ispirate all’omonimo romanzo di Grazia Deledda, si inquadrano nell’ambiente rurale della Sardegna.

Rosalia (Eleonora Duse) concepisce un figlio, Anania, da un uomo già sposato. La giovane, per non costringere il piccolo a una vita di stenti, lo fa crescere dal padre, lasciandogli però un amuleto come suo ricordo. Dopo molti anni Anania (Febo Mari) torna a cercare la madre. Dopo averla ritrovata si dispera per la sua miseria e vorrebbe farla vivere con lui e la futura moglie…

(se non volete sapere come va a finire la storia non leggete da qui in poi…)

La promessa sposa non accetta questa condizione e Rosalia, per non intralciare la vita del figlio, decide di togliersi la vita.

(potete riprendere la lettura da qui..)

Un film Drammatico sorretto dalla grande interpretazione della Duse, che fa da contrasto a quella poco incisiva del Mari. La Duse aveva scelto, dopo ben sette anni dall’abbandono delle scene, di tornare a recitare proprio per questo film spinta dalla forza del personaggio di Rosalia: una donna disposta ad annichilirsi e sacrificarsi per il proprio figlio. L’attrice non sarà comunque contenta della propria interpretazione e, forse anche per via del cattivo riscontro che ebbe presso la critica e presso il pubblico, decise di non proseguire la sua carriera cinematografica. La vicenda ci viene raccontata anche attraverso i simboli, grazie all’insistenza su alcuni oggetti (l’amuleto) o frasi (la cenere) che ritornano nell’arco del film. Le inquadrature, che catturano perfettamente la bellezza rurale dei paesaggi, a tratti non convincono ed arrivano a tagliare i protagonisti in alcune scene importanti. La pellicola, prodotta dalla Ambrosio Film è stata di recente restaurata e il DVD distribuito dalla Fondazione Cineteca Italiana di Milano. Per maggiori informazioni vi invito a leggere questo interessantissimo intervento, pubblicato su sempreinpenombra, che ci racconta la storia del film sotto forma di piccolo diario.

tutto è cenere: la vita, l’uomo, la morte, il destino…” Rosalia/Eleonora Duse