Archivio

Posts Tagged ‘cinématèque française’

The Despoiler – Reginald Barker (1915)

despoilerIl Cinema Ritrovato 2015 ha dedicato due proiezioni a Reginald Barker con The Italian e questo The Despoiler, che risulta sicuramente più interessante del primo. Il film rientra all’interno della produzione della Triangle Motion Picture Company fondata da Thomas H. Ince, David W. Griffith e Mack Sennett. Il film presenta una caratteristica interessantissima che vi svelerò solo dopo avervi raccontato la trama di quanto abbiamo visto.

Posizionate al confine turco-armeno, le truppe curde del Khàn Ouârdaliah (Frank Keenan) si pongono sotto il comando del colonnello tedesco Franz von Werfel (Charles K. French), che fa le veci degli imperi centrali. I curdi entrano in Armenia seminando il panico a Kérouassi. Le donne e bambini si rifugiano in un’abbazia. I capi locali rifiutano di arrendersi e il colonnello minaccia di sfogare la sua vendetta sulle loro mogli e figli. Gli fornisce una notte per pensarci. Nel caos provocato dall’invasione, Béatrice (Enid Markey) figlisa di Von Werferl, si trova anch’essa rifugiata nell’abbazzia. I capi locali non cedono e l’atroce ordine viene dato. Béatrice si sacrifica, per salvare le altre si concede alle violenze del Khàn. Dopo la violenza riesce però a ucciderlo. Il giorno successivo il colonnello torna e disperato scopre l’accaduto.

despoiler2Interessante no? Ecco questa non è la vera trama del film di Barker. Infatti questa è la versione francese, dal titolo Châtiment, conservata presso la Cinémathèque française che presenta delle sostanziali differenze rispetto alla versione americana. Prima di tutto nella lunghezza, il film originariamente era di 5 rulli mentre in quella francese ne ha 4; in secondo luogo la trama è decisamente differente. Mentre nella versione conservata il film è ambientato al confine turco-armeno, nella versione americana si specifica che la storia non si riferisce a nessun luogo in particolare, ma che questa situazione potrebbe accadere ovunque. C’è in generale un riferimento razzista e prevento nei confronti dei popoli arabi considerati in toto come devastatori e stupratori, ma in ogni caso non si danno indicazioni geografiche precise. Ma la modifica più importante è la seguente: il colonnello tedesco si chiama in realtà generale Damien e lo stupro finale non è altro che un suo sogno al termine del quale decide di tornare sui suoi passi e risparmiare le donne e i bambini dal loro orribile destino. Perché tutto questo? Secondo gli studiosi della Cinémathèque, la motivazione di questa modifica è puramente propagandistica. Il distributore Louis Aubert, era un uomo molto importante e interessato alla politica. In piena Grande Guerra con lo scontro tra triplice intesa e triplice alleanza poteva tornare comodo sfogare il proprio odio contro un ottuso colonnello tedesco e la sua armata, con chiaro riferimento a quella dell’Impero Ottomano.

In mancanza di loncadine, ho preso le immagini dal sito della Cinémathèque, tutti i diritti sono riservati.

Potete trovare informazioni più approfondite circa il restauro sul sito della Cinémathèque Française.

Annunci

Il Bacio della morte (Dödskyssen) – Victor Sjöström (1916)

aprile 1, 2015 2 commenti

Con Il bacio della morte Victor Sjöström si cimenta in un genere davvero inusuale, il giallo. Non è propriamente un bel film poliziesco, ed è comunque piuttosto bizzarro nella sua realizzazione nonché nel suo finale. La sceneggiatura è firmata da A.V. Samsjo un simpatico pseudonimo che unisce il nome dei veri due sceneggiatori Sam Ask e lo stesso Victor Sjöström. Non sazio il regista svedese interpreta nel film addirittura due ruoli. Ma andiamo per ordine.

Un delitto è stato commesso, il Dr. Monro (Albin Lavén) è stato ritrovato morto e si sospetta sia stato il maggiordomo (che fantasia!). Il racconto segue le deposizioni di tre personaggi. Per prima quella della domestica, Anna Harper (Jenny Tchernichin) il cui racconto serve solo per far capire allo spettatore quanto successo. Viene introdotto un secondo uomo. l’Ingegnere Weyler (Victor Sjöström) capo del dipartimento progettazioni di un’azienda. Egli racconta di come venisse da un periodo molto difficile: la moglie lo aveva lasciato perché lui passava più tempo al lavoro che non con lei; la salute peggiorava e le cure a cui lo sottoponeva il Dr. Monro sembravano farlo peggiorare invece che guarirlo. in più il capo gli aveva dato una scadenza molto breve per un progetto. Un giorno l’Ingegner Label (Victor Sjöström) volle mostrargli una invenzione. Weyler notò la loro somiglianza e propose al collega di prendere il suo posto: così avvenne. La parola passa a Label il quale racconta di come avesse iniziato a lavorare al progetto con entusiasmo. Per non dare nell’occhio seguiva le cure del Dr. Monro e anche a lui sembrò che seguendo la cura la sua saluta peggiorasse invece di migliorare. Una sera quando mancava un giorno alla consegna, Label sognò che un uomo stranamente mascherato si era introdotto in casa rubando i progetti. In effetti un progetto mancava. Si rivolse quindi al Dr. Adell (Mathias Taube), suo amico, chiedendogli consiglio. Questi gli fornì una maschera antigas e gli suggerì di provare un agguato per la serata successiva. Calata la notte lo strano personaggio si ripresentò, ma questa volta i due riuscirono a impedire il furto. L’uomo misterioso riuscì comunque a fuggire e nonostante l’inseguimento tutto fu inutile venne ritrovata solo la maschera dell’uomo. Giunse per caso il Dr. Monro che si offrì di analizzarla. Giunto nella casa del Dottore, Label incontrò la figlioletta di Monrno. Mentre giocava con la piccola, il maggiordomo gli offrì una cioccolata calda che l’ingegnere decise di non bere. Poco dopo questa si rovesciò per sbaglio addosso alla piccola. Così quando il Dottor Monro, ignaro, diede un bacio a sua figlia morì sul colpo. Il maggiordomo venne riconosciuto colpevole.

Dödskyssen è un giallo poco convincente con tanti punti oscuri. Questo non è collegato al fatto che l’unica versione esistente, proveniente dalla Cinématèque Française, sia purtroppo mutila avendo una durata di appena 30 minuti su 60. Per ovviare a questa perdita, infati, si è ricostruita la parte mancante utilizzando delle immagini fisse e inserendo le didascalie ritrovate in Svezia. Un dato che stupisce è la totale assenza di elementi naturali, tutto è girato in studio tra l’altro la scena si svolge per lo più in un un unico posto, la stanza dell’Ingegner Wylder/Label. La scena è composta da elementi semplici e poco interessanti, i personaggi sono banali e agiscono in maniera piuttosto illogica. La trama è del resto tanto assurda e scontata che mi risulta difficile pensare abbia appassionato gli spettatori dell’epoca. Dödskyssen rientra per altro nel genere di giallo che amo meno, quello dove tutto è noto fin dall’inizio ma si deve solo capire perché il delitto è stato commesso. Eppure c’è un lato positivo: prima de Il carretto fantasma (1921), Sjöström dimostra di sapere usare perfettamente la tecnica della doppia esposizione nonché quella degli specchi riflettenti per creare sulla scena un suo doppio. Tornando poi alla cattiva qualità del film c’è però una scusante: in quegli anni  Sjöström era depresso e insoddisfatto della sua vita. La critica era severa con lui e le sue innovazioni non erano riconosciute. Il suo matrimonio con la Bech era ormai giunto al termine e il risultato poco soddisfacente di Dödskyssen fece il resto. La leggenda vuole che il regista decise di partire piantando in asso la Svenska Biografteatern AB. Ritornò nei luoghi dove era stato quando era piccolo. Qui trovò la sua vecchia nutrice che gli raccontò della sua infanzia e di sua madre. Andò poi a Grimstad in Norvegia, dove Ibsen aveva passato la sua giovinezza. Qui sentì raccontare la storia di Terje Vigen e se ne innamorò. Una volta tornato agli si dedicò infati proprio alla realizzazione di quel film (1). Dopo questo viaggio Sjöström era cambiato, aveva forse trovato quella scintilla che gli avrebbe permesse di sfornare splendidi film uno dietro l’altro ed essere stimato in tutto il mondo per la sua qualità di regista. Ammettiamolo, il giallo non faceva proprio per lui.

1. Beng Idestam-Almquist Dramma e rinascita del cinema svedese, Roma 1954.

Sur un air de Charleston – Jean Renoir (1927)

Jean Renoir vanta all’attiva appena due cortometraggi, ma entrambi hanno certamente lasciato il segno. Con Sur un air de Carhleston, il regista francese presenta un divertente film post apocalittico che ribalta la mentalità tendenzialmente razzista dell’epoca. Il tutto con una forte componente avanguardistica. La storia nasce da un’idea di André Cerf sceneggiata da Pierre Lestringuez.

Uno scienziato nero (Johnny Huggins) lascia i lidi Africani per andare, a bordo di un’astronave sferica, nelle inesplorate terre Europee del 2028. Qui, all’interno della colonna Morris, trova una selvaggia (Catherine Hessling) che comunica con lui danzando sotto lo sguardo di alcuni angeli (tra cui lo stesso Renoir)…

Potremmo dire che Sur un air de Carhleston prende in giro con delicatezza le certezze di superiorità della cultura occidentale su quella Africana, prima di tutto, ma non solo. Con una danza sfrenata e divertente Renoir lancia un messaggio di amore e fratellanza che culmina con il finale dove i due protagonisti partono insieme nella navicella sferica. Si tratta, insomma, di un’allegra commedia musicale di fantascienza, una sorta di preludio, al contrario, de il Cantante Jazz, dove Al Jolson recitava con il viso truccato di nero seguendo la tradizione blackface. Questa maniera di truccarsi il volto, ormai stereotipato, arrivò ad essere utilizzato anche dai neri stessi. Johnny Hudgins, ballerino afroamericano, venne scelto così nella parte del protagonista e si presentò truccato alla blackface. Verrebbe per altro da chiedersi quante volte, prima di questa, un attore nero abbia interpretato la parte di protagonista in un film, quantomeno a livello europeo potrebbe essere una prima assoluta. Nel complesso è comunque la danza la vera protagonista della vicenda e in particolare il Charleston, ballo di derivazione jazzistica nato in America intorno agli anni Venti e presto diffusosi in tutta Europa. Divertente la prova di Catherine Hessling, musa nonché prima moglie dello stesso Renoir, tra balli e situazioni comiche. Ballo che diviene un gioco nel gioco, con il regista che si diverte a rallentarlo o velocizzarlo e studiarlo in tutte le sue molteplici sfaccettature.A livello scenografico posto di rilievo va sicuramente alla Colonna Morris di Parigi, utilizzata in passato, ma ancora adesso, per reclamizzare spettacoli di ogni tipo e che qui funge da dimora della selvaggia. Divertente anche la scena in cui viene mostrata una Torre Eiffel con la punta storta, probabilmente a seguito degli scontri avvenuti in un periodo imprecisato tra il 1927 e il 2028 in cui è ambientato il film.

Vista la componentistica jazz del corto, è certamente un vero peccato che la composizione originale, opera di Clément Doucet, sia andata perduta. In compenso bisogna lodare lo splendido lavoro di restauro effettuato dalla Cinématèque Française, che contribuisce a rendere ancora più godibile l’opera di Renoir. Questo corto è compreso in numerose raccolte di film di Renoir purtroppo spesso non a prezzi troppo accessibili ad eccezione della versione americana in 3 dischi contenente: La Fille de l’eau, Nana, La Marsellaise, i due corti (il nostro Sur un air de Charleston e La petite marchande d’allumettes), Le Testament du docteur Cordelier e Le Caporal épinglé.

Curiosità: come abbiamo già sottolineato Renoir non era solito fare cortometraggi (escluso questo fece solamente La Petite Marchande d’allumettes). In passato Sur un air de Charleston è stato definito come una sorta di gioco fatto per utilizzare la pellicola avanzata dal dispendioso Nana. Probabilmente inizialmente il film doveva avere una durata maggiore ma l’idea venne poi modificata per dare vita al breve ma intenso cortometraggio che conosciamo.

Un Cane Andaluso (Un Chien Andalou) – Luis Buñuel (1929)

febbraio 4, 2013 3 commenti

Dopo una breve carriera da attore e da sceneggiatore (in “La chute de la maison Usher” del 1928 di  Jean Epstein), Luis Buñuel è finalmente pronto a mettersi dietro la videocamera, forte della collaborazione del suo amico Salvador Dalì, conosciuto all’epoca del suo soggiorno universitario a Madrid. Il due prendono spunto dai movimenti delll’avanguardia surrealista dell’epoca, distanziandosene però dal punto di vista dei contenuti. Buñuel e Dalì, infatti, si distanziano da correnti come quella dadaista, che avevano liberato l’arte da qualsiasi significato, decontestualizzandola, e tentano di presentare, con il loro cortometraggio, un vero e proprio contenuto presentato, però, attraverso una serie di immagini inconsuete e surreali. Bisogna sottolineare come i due artisti seguano fedelmente i principi del manifesto surrealista di André Breton, dando vita ad un racconto in cui sogno e realtà (e potremmo dire anche conscio, inconscio e subconscio) risultano complementari. È difficile riuscire a tratteggiare una trama di questo corto, e ancora più difficile riuscire ad estrapolarne il vero significato.

Il corto si apre con Buñuel che, con un rasoio, taglia a metà l’occhio di una donna (Simone Mareuil). Con questa scena, che risulta scioccante anche adesso, i due artisti spagnoli sembrano voler mostrare al pubblico il ruolo della propria arte surrealista, capace di tagliare di netto tutte le certezze per mostare il mondo sotto nuovi punti di vista. Attraverso una cronologia surreale, scandita dagli intertitoli, un uomo (Pierre Batcheff) e una donna (sempre Simone Mareuil) mettono in scena le proprie pulsioni erotiche, a volte anche violente. Questo tipo di tematica, che certamente al giorno d’oggi potrebbe non stupire più di tanto, deve essere però contestualizzata all’interno della Francia e, in generale, del mondo Occidentale della fine degli anni Venti per essere compresa a pieno. L’argomento sessuale così esplicito destò, ovviamente, molto scandalo all’epoca della prima proiezione.

Punto cardine del cortometraggio è ovviamente la fotografia, che lascia trasparire dei piccoli quadri surreali. Tra questi il più celebre è forse quello della mano da cui fuoriescono decine di formiche (l’immagine pare venga da un sogno dello stesso Dalì). Un capitolo a parte meriterebbe forse l’aspetto musicale del film. Questo corto, infatti, era principalmente noto con la colonna sonora del 1959 (o 1960 secondo altre fonti), la cosiddetta “versione Tango” con Tristano e Isotta di Wagner, rivista poi nel ’61 sempre dallo stesso Buñuel che la giudicò definitiva e conforme a quella originale del 1929. Nel 1983 Mauricio Kagel, compositore argentino, compose appositamente per Un Chien Andalou una terza versione della colonna sonora. Nel 2003, infine, in occasione dello splendido restauro operato dalla Filmoteca Española sulla base del negativo originale e da copie in nitrato provenienti dalla Cinématèque Française, dalla Cinémathèque Royale de Belgique, dal Museum of Modern Art di New York e dalla stessa Filmoteca Española, venne proposta una quarta edizione audio, con i primi due minuti del film completamente muti, seguendo le indicazioni scritte sulla sceneggiatura originale del corto, probabilmente l’idea originaria di Dalì e Buñuel che però non venne poi seguita al momento del montaggio finale.

Proprio quest’ultima edizione restaurata, in edizione 2 DVD, è quella da me visionata. La qualità audio e video è molto ben curata così come gli extra succulenti. Questa edizione presenta anche sottotitoli in spagnolo, francese ed inglese. Vi lascio con l’estratto relativo alla prima parte del corto, quella del taglio dell’occhio per intenderci, che sconsiglio di vedere a chi particolarmente sensibile. Per questa scena venne utilizzato un occhio di un vitello morto. L’estratto non è tratto dalla versione da me visionata.

Approfondimenti: riuscire a trovare il vero significato di questo film è difficile, per non dire impossibile. In molti ci hanno provato. Tra le tante segnalo l’analisi proposta su cineblog per la rubrica Cine/vision.

Il muto a Parigi: dal Museo Henri Langlois al Cimitero del Père-Lachaise

settembre 16, 2012 1 commento

Ingannato da una vecchia guida di Parigi ero andato a Trocadéro alla ricerca del Museo del Cinema Henri Langlois che doveva trovarsi nel Palais de Chaillot. Il palazzo è attualmente chiuso per lavori, ma la cosa che mi aveva colpito era che nessuno degli addetti ai lavori sembrava sapere che all’interno della struttura avrebbe dovuto esserci un museo del cinema. Solo grazie a mezzi di fortuna (sono totalmente sprovvisto di smartphone e cose simili) sono riuscito a connettermi ad internet scoprendo che il museo e tutta la Cinémathèque Française erano stati spostati in rue de Bercy. Quello che non sapevo era il motivo principale dello spostamento di sede.

Nel 1997 all’interno del palazzo divampò un terribile incendio che distrusse completamente la sala proiezioni e rischiò di far scomparire per sempre le circa quarantamila bobine, equivalenti a 13mila titoli, conservate dalla Cinémathèque. Il fuoco, inoltre, rischiò di danneggiare gravemente lo stesso museo del cinema e tutti i cimeli lì conservati. Fortunatamente l’intervento tempestivo dei vigili del fuoco riuscì ad evitare il peggio: alla fine solo un 5/10% della collezione venne irrimediabilmente danneggiato, mentre un 30% subì qualche danno a causa del fuoco e dell’acqua utilizzata per spegnere l’incendio.

Nel museo sono conservati oggetti di inestimabile valore come i Seleniti (gli alieni di “le voyage dans la lune“), dei disegni originali di Méliès realizzati per alcune delle sue opere, o una riproduzione dell’androide di Metropolis commissionata allo stesso autore dell’originale, Walter Schulze-Mittendorff, nel 1970 in occasione della mostra sul cinema mondiale, che avvenne proprio a Parigi nel 1972, dal titolo “Trois quarts de siècle de cinéma mondial“. Lo scultore, basandosi sui suoi ricordi e su quanto poteva ricostruire a partire dalla pellicola, decise di realizzare un’opera fissa, usando come base un semplice manichino da vetrina, rendendola di fatto più resistente di quella originale costituita da più pezzi. Il risultato fu un androide d’argento dai tratti meno appesantiti e in generale più moderno rispetto a quello del film. L’androide originale è purtroppo andato perduto, probabilmente subito dopo la fine delle riprese di Metropolis, forse per via del rogo, appiccato realmente, che danneggiò irrimedialmente l’androide nelle ultime scene o forse semplicemente a causa dello scarso valore che all’epoca veniva attribuito agli oggetti scenici in generale.

Il Palais de Chaillot, sventrato dalle fiamme, venne chiuso e divenne subito chiaro che alla Cinématèque Française serviva una nuova collocazione. Nel 2005 venne così inaugurata una nuova struttura (opera dell’architetto Frank Gehry), situata appunto a Bercy, all’interno della quale venne edificato il nuovo museo con una rinnovata sala proiezioni, una libreria e una biblioteca/videoteca specializzata. La piccola esposizione è situata al secondo piano del palazzo e ripercorre gli inizi del cinema francese e internazionale. Gli oggetti conservati sono accompagnati da numerosi video che ripercorrono alcuni dei capolavori del cinema, dai primi film di Méliès fino a Truffaut, ma non solo. La maggior parte dei cimeli facevano parte della collezione privata di  Henri Langlois, fondatore della Cinémathèque Française, a cui va il merito di aver lottato per la conservazione di tante pellicole e tante opere legate ai film.

Insomma per gli amanti del cinema è sicuramente una bella occasione per vedere con i propri occhi pezzi di storia del cinema.

Ma Parigi mi ha saputo regalare anche altre emozioni, come quando al Cimitero del Père-Lachaise mi sono imbattuto nella tomba di Méliès che nonostante sia nascosta e poco visibile riceve ancora oggi tanti visitatori. “George Mélies – creatore dello spettacolo cinematografico“: e noi gli dobbiamo veramente tanto.

Parigi nasconde certamente tanti altri segreti legati al cinema muto, che non vedo l’ora di scoprire per poi vederli con i miei occhi la prossima volta che ci tornerò. Questa volta, più che mai, vi invito a condividere le vostre esperienze con me per conoscere, scoprire e migliorare sempre insieme grazie alla nostra passione.

Approfondimenti: per ulteriori informazioni e immagini sull’incendio del Palais de Chaillot potete consultare questo sito in francese.

Per ulteriori informazioni vi rimando al sito ufficiale della Cinémathèque Française.

Il Fu Mattia Pascal (Feu Mathias Pascal) – Marcel L’Herbier (1926)

settembre 10, 2011 2 commenti

Un piccolo capolavoro dimenticato: definirei così questa bella trasposizione delle avventure del Fu Mattia Pascal, eroe pirandelliano che tanto ha dato alla nostra letteratura. Tutto era nato da un accordo tra lo stesso Pirandello e L’Herbier, il quale aveva sancito la nascita del film. Per la sua realizzazione il regista francese si era avvalso di un grande divo di quei tempi, il russo Ivan Mosjoukine, uno di quei personaggi maledetti del cinema muto: grande divo di quei tempi, attorniamo di un numero altissimo di ammiratrici (tanto da essere soprannominato “il Rodolfo Valentino russo“), noto per la sua esuberanza e morto in circostanze misteriose all’età di 49 anni, probabilmente di tubercolosi nell’ospedale di Saint-Pierre de Neuilly. La strana unione tra L’Herbier, freddo e introverso, e l’attore russo diede tuttavia vita a un film scoppiettante, in cui tutta la capacità di sperimentazione dei due poteva avere ampio spazio. Del resto il romanzo pirandelliano era un vero e proprio invito all’innovazione, grazie ai temi variegati ed allo spessore psicologico dei personaggi e del protagonista in particolare.

Riprendendo ed adattando la storia originale, il film ci racconta le vicende di Mattia Pascal (Ivan Mosjoukine), sposato con Romilda (Marcelle Pradot), a discapito dell’amico Gerolamo Pomino (un giovane e impacciato Michel Simon), e costretto a sottostare alle angherie della perfida suocera Marianna Dondi (Madame Barsac). Quando muoiono madre (Marthe Mellot) e figlia, scappa a Montecarlo dove vince una grossa somma di denaro. Nel viaggio di ritorno a casa scopre di essere stato dato per morto. Decide quindi di scappare a Roma sotto una nuova identità, quella di Adriano Meis. Qui incontra la bella Adriana (Lois Moran) ma anche il malvagio Terenzio Papiano (Jean Hervé,il fratello sarà invece interpretato dal più noto Pierre Batcheff). Ma la vera identità di Mattia è sempre in agguato, e il protagonista dovrà imparare a combattere con essa…

Per chi non avesse letto il libro lascio il finale in sospeso, anche se in realtà nel film è leggermente diverso. In questa trasposizione abbiamo tutto: il tema dell’identità, della famiglia, del sentimento, dell’appagamento personale, dell’occulto e del gioco d’azzardo. In particolare il regista si sofferma sulla doppia identità di Mattia, con tanto di teniche di sdoppiamento, e scontri tra le due anime del protagonista. L’umorismo pirandelliano si fonde nel racconto regalandoci alcune scene molto divertenti (alcune delle quali,però, sembrano durare un po’ troppo). Il ruolo di Mattia Pascal sembra calzare a pennello a Mosjoukine, così come perfetti sono gli altri personaggi. La pellicola, come era usanza di l’Herbier, era colorata in Technicolor, e ci regala delle scene splendide, come quella della festa di paese (che sembra essere un tema molto caro al nostro regista).I giochi di colore tornano però nel corso di tutta la vicenda, senza però regalarci forti emozioni come accaduto con l’homme du large. Le inquadrature sono molto curate, e offrono a tratti immagini di grande bellezza. Il film ebbe un grande successo sia di pubblico che di critica.

La pellicola ha una storia alquanto articolata: fino a qualche tempo fa circolava solo (grazie a registrazioni televisive) la versione breve, restaurata negli anni ’90 dalla Cinémathèque Française, la cui durata si aggirava intorno alle due ore. Proprio questa è la versione che io stesso ho visionato grazie ad una vecchia registrazione Rai in VHS. Recentemente è stata ritrovata e restaurata dal laboratorio L’Immagine Ritrovata una pellicola destinata all’esportazione tratta da un duplicato della pellicola originale della durata di quasi tre ore e risalente agli anni ’60. Negli ultimi tempi questa versione è stata proposta durante numerose manifestazioni e trasmessa per lo meno dalla rete tedesca Arte (di cui si teoricamente è possibile reperire la registrazione). Purtroppo ho potuto vedere solo alcune immagini, ma il risultato mi è sembrato davvero eccezionale. La partitura è stata riscritta per l’occasione da Timothy Brock. Alla ricerca di una edizione in commercio ho trovato un fantomatico “Marcel L’Herbier.Il fu Mattia Pascal. Con DVD” edito dalla Cineteca di Bologna e teoricamente disponibile da marzo di quest’anno, di cui non ho altre informazioni. Sul sito della Cineteca non sembra per altro essere in vendita tanto da sembrare già esaurito. Cercherò di ottenere maggiori informazioni a riguardo.

La giustizia del mare (l’homme du large) – Marcel L’Herbier (1920)

agosto 20, 2011 2 commenti

Oggi torniamo al cinema francese con una pellicola davvero straordinaria, forse una delle migliori di Marcel l’Herbier. Mi riferisco a l’homme du large, storia molto evocativa tratta da Un drame au bord de la mer di Honoré de Balzac. La vicenda si svolge nella mia cara Bretagna, in particolare a Batz-sur-Mer, cittadina purtroppo ora relegata al dipartimento della Loire-Atlantique, le cui riprese spaziano tra le coste del Morbihan e del Finistère. In questo racconto l’elemento bretone è costantemente presente, si va dai costumi tipici, ai balli e agli strumenti tradizionali (la bombarda e il biniou, la cornamusa locale), dalla particolare religiosità allo stretto rapporto con l’elemento primo: il mare, anzi, l’oceano. La Bretagna ha sviluppato una sua particolare forma di religione, fortemente radicata nella natura: basti ricordare che molti dei santi bretoni non sono riconosciuti ufficialmente dalla chiesa. Potete scorrere una cartina della regione e subito vi renderete conto di come la toponomastica sia spesso legata a nomi di santi o al mare: lo stesso Morbihan significa, in bretone, “piccolo mare“. Fino alla prima e seconda guerra mondiale, la Bretagna era ancora così, in tutta la sua semplicità ed “arretratezza”, con il bretone come lingua principale e le proprie tradizioni, tanto da considerarsi quasi uno stato a sè stante. Al termine dei conflitti mondiali, invece, il governo centralizzato francese ha fatto partire un processo di modernizzazione e francesizzazione, ma questo intervento tardivo giustifica il radicato sentimento nazionalista tutt’ora presente nella popolazione locale. Tutti questi elementi sono fondamentali per capire questa pellicola e i personaggi in essa rappresentati.

Il film si apre con l’immagine di un uomo, visibilmente disperato, che giura al mare e a Dio di passare il resto della vita in silenzio e meditazione. Da qui parte un lungo flashback: Nolff (Roger Karl), è un pescatore fortemente legato al suo oceano e, quando la moglie (Claire Prélia) partorisce un figlio maschio, Michel (Jaque Catelain), egli decide di consacrarlo ad esso. Il pescatore fa un patto con la sua consorte: lui educherà e crescerà Michel mentre lei, invece, farà lo stesso con la loro figlia, Djenna (Marcelle Pradot). Gli effetti non tardano a palesarsi: gli anni passanno e il figlio maschio è diventato un depravato fannullone, mentre Djenna è una lavoratrice instancabile, sempre pronta ad aiutare gli altri. Con il passare del tempo le condizioni di Michel si aggravano: in un crescendo che ricorda Greed di Von Stroheim, questi si avvicina sempre più alla sfrenatezza aumentando i propri vizi, anche per colpa della cattiva influenza del Lucignolo della situazione, Guenn la Taupe (prima interpretazione del grande Charles Boyer). Accecato dalla passione, il ragazzo arriva a non andare al capezzale della madre morente pur di stare accanto alla donna che desidera ardentemente, nel locale più malfamato della città…

(se non volete sapere come va a finire la storia non leggete da qui in poi…)

Da questo momento in poi Michel perde il controllo: prima tenta di uccidere un uomo, poi, per rubare i soldi che la madre aveva lasciato in eredità a Djenna, ferisce la sorella. Il padre, esasperato, decide di rimandare la decisione al mare purificatore, e dopo essersi assicurato che non potesse fuggire, lo manda alla deriva sopra a una piccola imbarcazione, decidendo di vivere una vita in solitudine e in silenzio. Qualche tempo dopo  il mare darà il suo giudizio…

(potete riprendere la lettura da qui…)

L’homme du large è un film davvero molto interessante sotto tantissimi punti di vista. Henri Langlois, fondatore della cinématèque française, lo definì come “il primo esempio di scrittura cinematografica […] l’homme du large non è una semplice sequenza di fatti spiegati e rilegati da sottotitoli, ma una successione di immagini il cui messaggio ha la stessa forza di un’idea; […] Le didascalie non sostituiscono mai un’immagine per aggiungere frasi che sembrano essere inesprimibili. Si sovrappongono all’immagine per sottolinearne il senso…” (da L’Âge du cinéma 6, 1952;  tr. Esvan Y.) In effetti l’uso delle didascalie è molto originale: esse ritagliano le scene acui si riferiscono presentando sempre, al loro interno, elementi di esse. Grazie all’ultimo restauro operato dalla Gaumont dal 1998 al 2001, ci sono stati inoltre restituiti i colori originali, meticolosamente preparati dal regista, che servivano ad evidenziare maggiormente i contrasti tra le diverse scene e a mostrare e caratterizzare i sentimenti dei vari personaggi. La scena in cui questo gioco dei contrasti sembra avere il suo apice è quella dove si alternano le scene di sfrenatezza di Michel, caratterizzate da un rosso sporco, a quelle scure di agonia della madre. Tema portante è la redenzione, la dicotomia tra bene e male, l’attaccamento alla religiosità. L’Homme du large presenta un’altra caratteristica molto importante: un po’ come moderna Odissea, questo film presenta uno dei primi casi in cui la storia parte da un flashback per poi ricongiungersi all’inizio della vicenda e proseguire con la storia. Un film tanto ricco di eccessi non potè sfuggire alla censura, anche se gli interventi, in realtà limitati alle scene riguardanti il locale peccaminoso, dove si alternano baci lascivi e scene saffiche, vennero subito resi vani dallo stesso regista che si premurò di reinserire le parti tagliate nella pellicola originale.

L’Homme du large ebbe un vasto successo sia di pubblico che di critiche che si protrasse nell’arco degli anni. Forse è il film più espressionista del regista francese, il più carico di simboli, che si nascondono in ogni scena. Nel 2009 la Gaumont ha finalmente messo in vendita il DVD della versione restaurata, che ha permesso così di poter godere a pieno di questo capolavoro. Un film di cui si parla poco in Italia ma che merita di essere visto.